Estimado [Profesor de cámara], por favor pase~ Tengo algunas preguntas que preocuparle~
1. Qué es "composición"
La palabra composición es la transliteración del inglés COMPOSITION y un término de artes plásticas. Su significado es: componer, combinar, configurar y organizar todas las partes para formar un cuadro artístico. "Cihai" dice que "composición" significa que para expresar el tema y el efecto estético de la obra, el artista organiza y procesa la relación y posición de personas y objetos en un espacio determinado, y forma imágenes individuales o parciales en un arte. entero. En la pintura tradicional china, se le llama "composición" o "diseño". Este término contiene un significado básico y general, que es unificar las distintas partes que componen el todo, organizar la imagen expresada por el autor dentro de un espacio o plano limitado y formar una estructura específica de la imagen, realizando así la expresión del fotógrafo. intención. En resumen, la composición se refiere a cómo organizar las personas, el paisaje y los objetos de la imagen para obtener el mejor diseño, el método de combinación de la imagen y la suma de todos los medios para revelar la imagen.
La composición también requiere atención a las habilidades artísticas y a los métodos de expresión, que en el arte tradicional chino se denominan "artesanos". El ingenio del artista está directamente relacionado con la concepción artística de una obra. La composición es una parte importante de la forma vertical, pero debe basarse en la intención. La composición de una obra refleja el ingenio y la capacidad de arreglo del autor, así como la intención del autor y el método específico de expresar el tema y, por lo tanto, es un reflejo concreto del nivel artístico del autor. En resumen, la llamada composición significa que el artista utiliza elementos visuales para organizar la composición según el espacio del cuadro, lo que implica recurrir a la coordinación de puntos visuales, líneas, formas, luces, luces y sombras, y colores en términos de belleza formal.
La composición es un factor importante a la hora de expresar el contenido de la obra, por lo que la organización de todos los lenguajes de las artes visuales fotográficas en la obra permite que una cierta estructura interna del contenido se exprese adecuadamente sólo cuando la. La estructura interna y la estructura externa son armoniosas y unificadas, se puede producir la perfección en la composición.
2. El propósito de la composición
Cada tema, ya sea simple o grandioso, importante u ordinario, contiene belleza visual. Cuando observamos objetos específicos en la vida (personas, árboles, casas o flores), debemos dejar de lado sus características generales y considerarlos como una combinación de formas, líneas, texturas, luces y sombras, colores, consumo de luz y objetos tridimensionales. El fotógrafo utiliza varios métodos de modelado para mostrar vívidamente la forma, el color, la textura, la relación espacial, dinámica, tridimensional y otras imágenes del sujeto en la pantalla, haciéndolo ajustarse a las leyes de la visión humana y verdaderamente sentido por el espectador. , para lograr efectos visuales satisfactorios: belleza visual. En otras palabras, la composición debe ser estética. Como dijo Rodin: "La belleza está en todas partes. Para nuestros ojos, no es una falta de belleza, sino una falta de descubrimiento de la belleza. Como fotógrafo, soy bueno viendo la naturaleza con mis ojos y transfiriendo esta experiencia visual a ella". en la pantalla.
Pero la composición no puede ser un fin en sí misma, ya que lo más probable es que la tarea básica de la composición ilustre la idea del artista.
El propósito de la composición es enfatizar y resaltar los personajes o escenarios típicos de la idea, abandonando así lo general, superficial, engorroso y secundario, y organizando adecuadamente las láminas y seleccionando el entorno. , más fuerte, más perfecta, concentrada, típica e ideal que la vida real, realzando así el efecto artístico. En términos generales, es el arte de transmitir los pensamientos y sentimientos de uno a los demás, lo que realmente puede expresar el propósito de la composición.
3. Naturaleza de la composición
Composición y diseño pueden ser universales porque tienen el mismo significado. El concepto preciso y el significado original del diseño es la concepción, es decir, la concepción en la que el artista dispone apropiadamente varios elementos visuales para expresar sus ideas de forma clara y conmovedora.
La composición no solo se refiere a operaciones específicas, sino que también se refiere a describir la forma completa como un objeto asociado a reglas complejas de la fotografía, introduciendo los objetos naturales en el ámbito de la realidad y convirtiéndose en un mundo independiente y diferente de la naturaleza. Cualquier excelente obra fotográfica es una unidad compleja de pensamiento y arte. La complejidad de la obra está determinada por la complejidad de la vida. Pero en términos de procesamiento de imágenes, es natural, colorido y natural, con pocos rastros de eje. ¿Cuál es la razón? La obra original reside en la creación del fotógrafo, así como "el artesano construye una casa". Después de cierta selección, refinamiento, planificación y disposición, se ha puesto mucho esfuerzo en la estructura organizativa, que refleja la comprensión y el ingenio de la vida del fotógrafo en términos de "posicionamiento y diseño de la carrera". Por lo tanto, debemos hacer una serie de arreglos organizativos, pensar inteligentemente en la estructura, diseñar cuidadosamente, resaltar los aspectos principales, enfatizar lo esencial y plasmar el tema del trabajo en una organización de imagen distintiva.
La composición es el estudio de las formas y leyes estructurales de todas las composiciones, los principios y principios de la estructura de la composición y la correspondencia entre la composición y las diversas formas de pensamiento. La composición debe basarse en toda ciencia del pensamiento.
Pero todavía hay opiniones diferentes sobre si la composición refleja también las leyes de las cosas objetivas. Algunas personas piensan que "no existe un método fijo para pintar", porque las cosas objetivas cambian constantemente y el contenido emocional e ideológico es más complejo, por lo que nadie puede explicar las reglas de composición y estructura. Engels dijo que "las formas universales de la naturaleza son leyes". Se puede ver que las leyes son formas universales. La práctica ha demostrado que existen ciertas reglas en la composición y la estructura. La "posición, disposición, disposición, estructura, luz y color" en la discusión sobre la pintura china son discusiones incisivas sobre las reglas de composición.
En la pintura tradicional china, la estructura de la composición se llama "composición" o "diseño", y "la composición del papel es lo primero". La gestión de posiciones es como Go. Puedes jugar una partida de ajedrez sin confundirte.
El papel común también puede perder tinta, así que asegúrese de no usar un bolígrafo para expresar algo de manera casual. Hay una manera de jugar al ajedrez y hay una razón para jugar. Una pérdida es como perder la partida. Los antiguos comparaban la composición con jugar al ajedrez. Cuando la fotografía se vuelve así, debe haber una determinada composición y disposición.
Así que a la composición se le llama idea general de un cuadro, y a la llamada idea general se le llama esquema y resumen. Al igual que escribir un artículo, la composición de una pintura debe seguir las reglas de composición de regularidad, maestría, ecos, contraste entre realidad y realidad, oculto y visible, simple y complejo, denso y sin fisuras, obedecer a los requisitos de expresión del tema, y al menos al mismo tiempo lograr La perfecta armonía y unidad de la forma general es el objetivo final de la composición.
2. Creación y composición
La creación fotográfica es una especie de trabajo mental, con al menos excepciones fijas y al menos cambios rutinarios. Cuando la mente de un fotógrafo se siente atraída y poseída por una imagen emocional verdadera, y tiene la capacidad de permanecer allí y expresarla visualmente, creará una buena composición. La creación fotográfica es inseparable de la composición, al igual que escribir un artículo es inseparable del diseño y la composición. Es uno de los factores importantes para el éxito de una obra. La creación y la composición están estrechamente relacionadas.
1. La formación del tema
La intención original de la creación es la actividad de la imagen del artista. La razón por la que el arte se diferencia de la reproducción de la vida radica principalmente en la creación y la imaginación, incluida la pasión y la creatividad de la perspectiva del fotógrafo, así como el poder de pensamiento y generalización de la imagen. No hay duda de que todo fotógrafo en cualquier momento de su vida puede estar ocupado o excitado por pensamientos y sentimientos de los que a veces le resulta difícil liberarse. Entonces comencé a buscar la expresión de este tipo de pensamientos y sentimientos en entornos de la vida real. Los fotógrafos crean obras de arte fotográfico en momentos de la vida, lo cual es una forma de pasión extraña y alegre. Por eso algunas personas llaman a esta pasión "inspiración". Los psicólogos creen que este tipo de inspiración es un fenómeno psicológico en la actividad creativa. La inspiración es la capacidad creativa que surge repentinamente debido a una alta concentración de pensamientos. Sin embargo, la inspiración no surge de la nada, a menudo surge después de pensar mucho. La inspiración a menudo llega por accidente, a veces sin querer. Hay muchas oportunidades de inspiración. El papel de varios factores de inspiración es en realidad dejar que los pensamientos y sentimientos del fotógrafo fluyan en la imaginación, aclarar los pensamientos y sentimientos informes y encontrar hermosas formas de expresión emocional. El camarada Zhou Enlai dijo una vez: "La acumulación a largo plazo conduce a una adquisición accidental". Explicó: "Esta adquisición accidental se basa en una vida y un cultivo a largo plazo. A partir de cosas comunes, sólo los artistas talentosos pueden descubrir la belleza y crearla". Rodin dijo: "La belleza está en todas partes y sólo aquellos que son sinceros y emocionales pueden descubrirla". La vida y la belleza están estrechamente relacionadas y todo en la vida está afectado por la belleza. La clave está en la sensibilidad y la imaginación del artista. La mayor sensibilidad del artista respecto de la gente corriente proviene de su constante observación de la vida y de su cultivo artístico.
El tema de la creación fotográfica surge de la vida. La formación del tema le da al fotógrafo un deseo e impulso creativo más fuerte. El tema es el alma, algo que pertenece a la ideología. "La intención primero" significa que debes tener una idea antes de tomar fotografías, y el significado también es el tema. La formación de temas es inseparable de la práctica social. Uno es cultivado gradualmente por los fotógrafos en la práctica de la vida a largo plazo y el otro se extrae de los materiales.
2. La relación entre tema y composición
Una vez establecido el tema, la concepción artística es la etapa más activa del pensamiento de la imagen. Aunque hay imágenes de esta etapa, no es una etapa práctica. Por lo tanto, de hecho, se pueden omitir algunos detalles o personajes, pero para completar la intención creativa, las imágenes y dibujos de la creatividad deben describirse en detalle. Cómo expresarlo es una cuestión de habilidad, pero la habilidad es una parte integral de toda la idea, y la madurez de la idea depende de la profundidad de su comprensión. Para obtener poder expresivo, el artista dijo en el cuadro buscar objetos de "motivación plástica" y varias combinaciones de variaciones para encontrar la mejor, que es la composición.
La concepción de la obra se refleja en la obra. No hay composición sin una idea. El proceso de composición es el proceso de desarrollar la idea y profundizar en el tema.
Cada artista vive en la sociedad real y tiene su propio terreno donde echar raíces: las personas y la vida. Sin este suelo fértil, el árbol de la vida se marchitará y la luz del arte se apagará. Las obras siempre reflejan los sentimientos, pensamientos, juicios y conclusiones del autor sobre la vida. A través de las obras podemos ver las cualidades, pensamientos, personalidad, intereses, atractivos y deseos del autor. Detrás de la obra está la personalidad del autor. En actividades creativas reales, las imágenes tienen personalidades fuertes.
La composición tiene sus propias reglas y métodos. Los fotógrafos componen sus imágenes según su propia sensibilidad innata. El arte plástico es un arte visual y la calidad de la composición se puede distinguir a simple vista. Las características de calidad de una composición deben, en primer lugar, permitir al público sentir inmediatamente la intención del autor sin mirar el título de la obra, sin presentarla o sin comentarla. El autor no puede confiar en las palabras para expresar sus pensamientos, sino que debe confiar en las personas, las cosas, los paisajes y la estructura de toda la imagen para expresar sus sentimientos y su apasionado amor por la vida. El tema de la obra se refleja a través de vívidas imágenes típicas con personalidades distintivas creadas por el autor. Sólo así el público podrá tener una sensación real de escuchar sonidos, ver a las personas y estar inmerso en la escena.
Así que antes del proceso de composición de la fotografía, primero debemos encontrar la motivación creativa (la motivación de la concepción y la motivación del modelado). La composición es un proceso de creación de obras de arte, y la composición es la síntesis de. todos los factores de la obra de arte. Este tipo de síntesis puede expresar los pensamientos e intenciones del autor de manera más completa y poderosa, es decir, el proceso de reflejar los pensamientos del autor en la forma de una obra artística que se puede sentir.
La composición, por tanto, es la unión de todos los elementos de la forma según el contenido de la obra de arte.
En tercer lugar, el estado y el papel del guardia en la imagen
El cuerpo que lo acompaña se refiere a un objeto que forma una trama determinada con el sujeto de la imagen y ayuda a expresar las características. y connotación del tema. Algunos objetos organizados en la pantalla están en posiciones corporativas y forman una trama con el sujeto, lo que juega un papel importante al profundizar la connotación del sujeto y ayudar a explicar las características del sujeto. El lenguaje visual será mucho más preciso y vívido gracias a la lámina de la pantalla. Sus funciones tienen las siguientes características:
1. Acompañar y profundizar la connotación principal. De la obra "Aficionado a la innovación tecnológica", se explica que el tema principal del cuadro son dos trabajadores, acompañados por los engranajes de la máquina y el arroz sobre la mesa. La máquina, los trabajadores y el arroz juntos constituyen la trama de la innovación tecnológica. Como compañeros, junto a la gran máquina, hay una suntuosa comida en el banco de trabajo, y la investigación concentrada de los trabajadores hace que la trama contenga muchas connotaciones. Las máquinas y la comida en la mesa son el lenguaje visual de los trabajadores y reflejan la verdadera imagen de los trabajadores que se olvidan de comer y dormir en la construcción de las cuatro modernizaciones. El lenguaje visual que los compañeros ayudan a expresar aquí es difícil de expresar con palabras.
2. El procesamiento en pantalla de los acompañantes es esencialmente el procesamiento de la trama. La elección del acompañante debe poder describir a los personajes e ilustrar las características del evento, es decir, debe ser típica (como "Old Age Joy").
3. La disposición de los acompañantes en la imagen debe basarse en el principio de no debilitar al sujeto y no puede considerarse como el maestro. El área ocupada por los compañeros en la imagen, la disposición de los colores, la dirección de las líneas y los movimientos de los personajes deben estar estrechamente relacionados con el tema y no pueden separarse del tema. Debido a que el diseño de la imagen está dividido en prioridades, los acompañamientos de la imagen a menudo están incompletos y solo las partes que pueden explicar el todo son suficientes. Acompañar todo el cuerpo debilitará al sujeto. No busques la perfección. Debemos elegir límites apropiados basados en los resultados reales.
4. También existen tratamientos directos e indirectos para acompañantes. A veces, el cuerpo que lo acompaña no es directamente visible en la pintura. Aunque decimos que el papel de aluminio es el objeto principal de la trama, hay algunos objetos que no están en la imagen, sino fuera de ella. Los movimientos y expresiones del sujeto en la pantalla están relacionados con un objeto fuera de la pantalla. Aunque el objeto no se muestra en la pantalla, ciertamente está presente en la imaginación del espectador. Esta representación se llama representación indirecta por parte de pares.
En el tratamiento indirecto de los acompañantes, lo importante es disponer con habilidad el medio que guía la imaginación.
El tratamiento indirecto de los cuerpos que lo acompañan es una técnica artística para estructurar la imagen, que puede ampliar la capacidad de vida de la imagen, crear pinturas fuera de la imagen, permitir que la imaginación del espectador participe en la creación del significado. del cuadro, y despertar interés en la apreciación y espacio para el recuerdo. Por lo tanto, el dibujo estructural debe verse desde afuera, la imagen está afuera, la imagen es limitada y el significado de la pintura es limitado. Algunas pinturas clásicas nos dan ejemplos, como "Templo antiguo en las montañas", que sólo representa a un joven monje cargando agua por el arroyo de la montaña "Casa de venta de bambú Suo Xiqiao" sólo escribe la palabra "vino" en la punta del bambú; "Pisando flores" En "Return to the Horseshoe Fragrance", la fragancia de las herraduras no está en la imagen, la imagen solo muestra mariposas aleteando en las herraduras, dejándola a la imaginación del público. Estos conceptos artísticos en la pintura son dignos de ser aprendidos por los fotógrafos en términos de concepción y estructura. Al seleccionar materiales y procesar imágenes, también debemos considerar los requisitos líricos, filosóficos y estéticos implícitos, y aprender a utilizar métodos indirectos para tratar con los objetos que las acompañan para mejorar la expresividad y el atractivo de la imagen fotográfica.
En cuarto lugar, el papel del entorno a la hora de resaltar el sujeto
En muchas obras de arte fotográficas, a menudo podemos ver algunos objetos de la imagen como parte del entorno, desempeñando un papel papel en la formulación del tema y el tema de la trama, mejorando así la expresividad del tema. Como componente del entorno, el objeto está delante del sujeto, lo llamamos primer plano detrás del sujeto, lo llamamos fondo;
1. Clientes potenciales
El primer plano está delante del sujeto y cerca de la cámara. Se caracterizan por imágenes grandes y colores oscuros, principalmente en los bordes de la pintura. El primer plano utiliza generalmente árboles, flores, personas y objetos. Los compañeros también pueden ser prospectos.
a. Utilice algunas flores, plantas y árboles con características locales y estacionales como primer plano para representar la atmósfera estacional y los colores locales, dando a la imagen un rico sabor de vida. El uso de flores de primavera y jazmines de invierno como primer plano no solo ilustra la estacionalidad, sino que también llena la imagen con el aliento de la primavera usando crisantemos y hojas rojas como primer plano, los colores del otoño llenan la pintura usando osmanto de hielo y ramas de nieve como fondo; En primer plano, la escena invernal del norte parece estar frente a ti, puedes visitarla en persona. Al fotografiar el paisaje de Hainan, con cocoteros y plátanos en primer plano, está lleno de sentimiento sureño, el bambú y el algodón rojo utilizados le dan un sabor sureño; Estos primeros planos suelen ser contrastes poderosos para el tema.
B. El primer plano se utiliza para realzar la sensación de espacio y perspectiva de la imagen. Los dibujos estructurales tienen como objetivo acercarse deliberadamente a algunas personas u objetos para la cámara. Aprovechando su imagen grande y sus tonos profundos, forma un contraste obvio en tamaño y tono con el paisaje distante, movilizando así la visión de las personas para sentir la distancia espacial de la imagen. El diagrama de efectos visuales parece tener un eje de profundidad, lo que hace que ya no parezca plano. Algunos fotógrafos experimentados siempre intentan encontrar un primer plano adecuado para enfatizar las perspectivas cercanas grandes y lejanas al fotografiar el contenido de escenas espaciales y, a menudo, utilizan primeros planos y primeros planos con paisajes similares, como personas, árboles y montañas. Debido a que la distancia es diferente, cuanto mayor es la diferencia en el área ocupada en la pantalla, más fuerte es la capacidad de movilizar las reglas visuales de las personas para imaginar el espacio y más vívida es la sensación del eje de profundidad.
C. Resalte la generalidad del contenido de la imagen. Al expresar algunas cosas ricas y complejas, coloque intencionalmente la parte más distintiva de lo que se va a expresar en primer plano (como "Para un dato", "). Nueva clase de cocina" ”) es un medio importante para realzar la prominencia del contenido de la pantalla. Esta pintura está llena de rico sabor de vida.
Para ilustrar la creciente prosperidad de la vida rural, en primer plano aparecen dos nuevos barriles de aluminio, con trozos de pescado, carne, verduras y arroz blanco esperando a ser cocinados. Debido a que está frente a la imagen, es grande y vívida, lo que brinda a las personas una fuerte impresión visual, fortalece el resumen del contenido y aumenta el sentido visual de la imagen.
d. Contraste el paisaje de primer plano y de fondo en el contenido para completar las técnicas de contraste comúnmente utilizadas en fotografía (como espacios y primer contacto) para formar un tema que invite a la reflexión.
El primer plano da una sensación subjetiva de estatus. Fortalezca la sensación de estatus de la imagen, como utilizar las características brillantes de puertas, ventanas, edificios y otras escenas como primer plano para que ocupen una posición más grande en la imagen, brindando a la audiencia un impacto psicológico, que acortará de manera invisible la duración de la imagen. distancia entre el público y la imagen, lo que da como resultado una intimidad inmersiva. Esto es muy útil para aumentar el atractivo artístico de la imagen. Darle al público una sensación de estatus es muy importante en otras creaciones literarias y artísticas. Para atraer gente, primero hay que atraer gente al país. Al igual que el poema de Li Bai, "Con una luz tan brillante a los pies de mi cama, ¿habrá escarcha? Al mirar hacia arriba, descubrí que había luz de luna, hundiéndose de nuevo, y de repente pensé en el primero de los cuatro poemas". Las oraciones son importantes. Permítanme hablar primero sobre dónde estaba mirando la luna brillante frente a mi cama, por lo que la nostalgia que sentí más tarde fue naturalmente real. La fotografía puede hacer esto, generalmente con la ayuda de un primer plano.
f. La aplicación de primer plano puede aumentar la belleza decorativa de la escena. Utilice algunos objetos dispuestos regularmente y algunos objetos estampados como primer plano para hacer que la imagen parezca un hermoso marco o encaje, haciéndolo animado y saltando (como "Baosteel Waltz", "New Height"), los personajes están incrustados en el medio, que es muy grácil, elegante y libre.
g. El primer plano juega un papel en el equilibrio de la imagen. A veces, cuando encontramos que los espacios en la imagen están desequilibrados, como cuando el cielo está despejado y monótono, colocamos ramas y hojas caídas en la parte superior para compensar las deficiencias de la imagen, a veces no se puede presionar la parte inferior de la imagen; abajo. Cuando la parte superior es pesada y la inferior liviana, puede usar rocas y barandillas como primer plano. Los colores oscuros hacen que la imagen sea depresiva y logran un efecto estable y equilibrado.
h. El primer plano adopta el método de expresión del enfoque virtual, dando a las personas una sensación de belleza nebulosa.
En los últimos años, en muchos trabajos fotográficos, muchas personas suelen utilizar paisajes desenfocados y desordenados como primer plano, lo que no solo es aceptable para el público, sino también interesante. Esto se debe a que el gusto estético de la gente por el arte fotográfico también está cambiando y desarrollándose, tendiendo a ser natural y real, y requiriendo un sentido de vida. El vacío y el caos del primer plano pueden enfatizar la atmósfera de esta escena. El vacío del primer plano también puede ayudar a resaltar la realidad del sujeto, utilizando el vacío para resaltar la realidad. También se cita el caos en primer plano. De hecho, el caos es ordenado, pero parece caótico, pero se basa en el principio de no obstaculizar el resaltado del cuerpo principal. Si el caos es tan abrumador, me temo que al público le resultará difícil aceptarlo y no quedará satisfecho, por eso su principio es: "Busca la verdad en el vacío, busca la curación en el caos".
Las anteriores son las ocho funciones principales de Zhanzhan. De hecho, la aplicación del primer plano suele desempeñar varias funciones al mismo tiempo. Es mejor matar varios pájaros de un tiro. En términos generales, la importancia de utilizar el primer plano es enriquecer el vocabulario de la imagen y aumentar la gracia literaria de la imagen. Pero recuerde, no se debe abusar del primer plano, es prescindible, y es mejor no usarlo, por simplicidad, además, la forma y la estructura de líneas del primer plano deben ser lo más hermosas posible, estrechamente relacionadas; y haciendo eco del cuerpo principal, y combinado en un todo, útil para expresar el tema.
2. Fondo
El fondo se refiere al paisaje detrás del sujeto para resaltarlo, enfatizando así el entorno en el que se encuentra el sujeto. El fondo juega un papel importante a la hora de resaltar la imagen y enriquecer la connotación del tema.
Todos los artistas plásticos conceden gran importancia al papel del fondo. La escultura, la pintura, la arquitectura y otras artes conceden gran importancia al fondo para resaltar el tema. Hegel decía en "Estética" que "un artista no debe tallar una escultura completamente primero y luego considerar dónde colocarla, sino que debe conectarla con un determinado mundo exterior, su forma espacial y sus partes al concebirla". Los fotógrafos también saben que el fondo juega un papel importante en el éxito o el fracaso de una fotografía. A menudo sucede que al fotografiar una obra, el sujeto, el acompañante, la expresión y la postura son ideales, pero falla debido a un procesamiento de fondo deficiente. Al elegir el fondo de las fotografías, debemos prestar atención a tres aspectos: primero, captar las características; segundo, buscar la simplicidad; tercero, debe haber contraste de color;
a. En primer lugar, debemos tomar algunos paisajes con características locales y características de la época como fondo, y explicar claramente el tiempo, el lugar y la atmósfera de la época, para profundizar la comprensión de la audiencia. el tema de la obra y captar su época. El paisaje característico permite a la gente comprender el trasfondo de la época.
Si se utiliza como fondo la locomotora humeante o la chimenea de la fábrica, todavía hace que la gente sienta que los negocios eran prósperos en la década de 1950 y que la patria era próspera, lo que puede estimular los sentimientos estéticos de la gente. Pero hoy, en la década de 1980, si el trasfondo sigue siendo así, se considerará contaminación, y lo mismo ocurre con los trabajadores portuarios. La fotografía de retrato también presta gran atención a la elección de un entorno distintivo como fondo para resaltar la ocupación y la personalidad del personaje. (Por ejemplo, las niñas no pueden usar grandes flores rojas como fondo primero). A esto se le llama retrato ambiental. El entorno realza a los personajes y el fondo también se puede dividir en contraste positivo y contraste negativo. Por ejemplo, los niños felices usan un jardín lleno de flores para realzar el ambiente, lo cual es un contraste positivo; como los niños hambrientos y pobres en las bulliciosas calles del mundo, este es un contraste.
b. El procesamiento en segundo plano debe ser conciso. Alguien dijo una vez: "La diferencia entre pintura y fotografía es que la pintura usa sumas y la fotografía resta". Porque la pintura siempre agrega algo a la imagen, mientras que la fotografía siempre intenta restar cosas innecesarias.
Entre ellos, es importante eliminar elementos innecesarios del fondo que impidan que el sujeto destaque, para lograr una imagen concisa y refinada.
A partir de los numerosos trabajos fotográficos, descubrimos que muchos fotógrafos experimentados movilizaron por completo diversas técnicas fotográficas para lograr el efecto de fondos concisos. Algunos usan un ángulo oblicuo para evitar el paisaje desordenado en el horizonte y resaltar claramente el objeto principal en el cielo; otros usan una toma cenital para usar carreteras, agua y pasto como fondo para aclarar el contorno principal y obtener un fondo conciso; Algunos usan luz de fondo para ocultar las líneas desordenadas del fondo en la sombra; algunos usan niebla matutina para ocultar el fondo en niebla blanca; algunos usan lentes de distancia focal larga para reducir el fondo y el paisaje se excluye de la imagen; para suavizar las líneas de fondo. Todos estos métodos pueden lograr el efecto de un fondo simple.
c. El fondo debe esforzarse por formar un contraste tonal con el sujeto (contraste tonal en fotografía en color), de modo que el sujeto tenga una sensación tridimensional, una sensación de espacio y contornos claros, y realce. poder visual.
Las reglas para procesar formas de contorno: un sujeto oscuro se coloca sobre un fondo claro; un sujeto brillante se coloca sobre un fondo oscuro; un sujeto claro u oscuro se coloca sobre un fondo gris neutro; el sujeto es oscuro, el fondo es oscuro y debe haber un contorno oscuro en el medio. Debido a que la fotografía es un arte gráfico, si no hay contraste e intervalo en el tono o tono, la imagen del sujeto se fusionará con el fondo, perdiendo la posibilidad de reconocimiento visual. Por eso, algunas personas comparan los tonos y contrastes tonales de la imagen con una forma de transporte. Con él, la imagen se destacará y se transmitirá a la audiencia.
El procesamiento de fondo es una parte importante de la estructura de las imágenes fotográficas. Sólo mediante una selección cuidadosa durante la toma se puede refinar y precisar el contenido de la imagen y expresar perfectamente la imagen visual.
Verbo (abreviatura de verbo) retención del espacio en blanco
Además de los objetos físicos visibles, también hay algunas partes en blanco en la pantalla fotográfica, que se componen de una sola Fondo de tono, formando espacios entre los objetos físicos. Un fondo monocromático puede ser cielo, agua, pradera, tierra u otro paisaje. Debido al uso de diversos métodos fotográficos, han perdido su imagen física original, formando un solo tono en la pantalla para resaltar otros objetos físicos.
Aunque el espacio en blanco no es algo físico, es una parte integral de la pantalla. Es un vínculo que comunica entre objetos en la pantalla y organiza sus interrelaciones. El papel del espacio en blanco en la pantalla es como los signos de puntuación en el artículo: puede aclarar la imagen, aclarar los párrafos, suavizar el pulso y también ayuda al autor a expresar sus sentimientos. El siguiente es un análisis detallado del procesamiento y función de la parte en blanco de la imagen:
1. Dejar una cierta cantidad de espacio en blanco en la pantalla es la necesidad de resaltar el tema. Para que el sujeto sea llamativo y visualmente impactante, es necesario dejar una cierta cantidad de espacio a su alrededor. Por ejemplo, al fotografiar personas, evite siempre superponer la cabeza y el cuerpo con objetos como árboles, casas, farolas, etc., y disponga el espacio en blanco formado por los personajes sobre un fondo de un solo tono, dejando un cierto espacio alrededor del Materia, que puede Se dice que es una ley de las artes plásticas. Debido a que las personas necesitan espacio para apreciar los objetos, es difícil apreciar la belleza de una hermosa obra de arte si se coloca entre un montón de objetos desordenados. Una hermosa obra de arte sólo liberará su luz artística si hay una cierta cantidad de espacio a su alrededor.
2. El espacio en blanco en la imagen ayuda a crear la concepción artística de la imagen.
Si una pintura está llena de objetos sólidos y no tiene espacios en blanco, dará a la gente una sensación deprimente. Si se deja correctamente el espacio en blanco de la pantalla, la visión de las personas tendrá margen de maniobra y su forma de pensar puede cambiar. La gente suele decir: "Si un cuadro está vacío durante tres minutos, te enfadará". Un espacio en blanco adecuadamente reservado hará que el cuadro sea vívido, etéreo y atractivo. El espacio en blanco a menudo se llena con las emociones del autor, y los pensamientos del público y el ámbito de la obra también se pueden sublimar.
El espacio en blanco de la imagen no existe de forma aislada, es siempre una extensión de la realidad. La llamada virtualidad es el contraste entre virtualidad y realidad, formando diferentes asociaciones y sentimientos. Por ejemplo, Qi Baishi pintó camarones. Varios camarones transparentes y animados rodeaban un gran espacio en blanco sin agua, pero hacía que la gente sintiera que el espacio en blanco circundante estaba lleno de agua. El espacio en blanco en la pantalla fotográfica y el procesamiento de la escena real también deben despertar ricas asociaciones en la audiencia y utilizar el espacio en blanco para crear una concepción artística, que tiene un efecto creativo en otras artes.
3. El espacio en blanco es la condición para organizar la relación de eco entre los objetos en la pantalla.
Diferentes disposiciones espaciales pueden reflejar diferentes relaciones de eco. El llamado eco siempre está formado por dos objetos que se encuentran a cierta distancia uno de otro. Si dos objetos están muy juntos, no habrá eco. Todos los objetos mostrarán una cierta direccionalidad y tendrán una relación espalda con espalda debido a diferentes puntos de partida, diferentes usos, diferentes direcciones de extensión de líneas, diferente exposición a la luz, etc. Es necesario observar cuidadosamente la direccionalidad de los objetos, disponer razonablemente la distancia en blanco y organizar la relación de respuesta mutua entre ellos.
4. La retención en blanco está relacionada con el movimiento de los objetos. La regla general es que debe haber un espacio en blanco delante de los objetos en movimiento, como personas en movimiento y automóviles Mercedes-Benz, para que los objetos en movimiento puedan tener espacio para extenderse y el público pueda sentirse suave y profundizar la sensación de la escena. el movimiento del objeto. La vista humana es también el requisito psicológico para que la gente la aprecie. En resumen, debemos ser buenos utilizando los espacios en blanco de forma flexible y creativa.
5. El espacio en blanco en la pantalla y el tamaño del área física también se ajustan a una determinada proporción.
Evita que las áreas sean iguales y simétricas. En términos generales, el área total del espacio en blanco en la pantalla es mayor que el área ocupada por el objeto real, lo que hace que la pantalla sea etérea y delicada. Si el área total del objeto es mayor que el espacio en blanco, la imagen se centrará en el realismo. Sin embargo, si el área total de los dos objetos en la imagen es igual, le dará a la gente una sensación de sencillez. Esta es una cuestión de forma.
Sobre la pintura china antigua: "Despreocupada y hermética". Es decir, llegando a los extremos en la densidad del diseño para potenciar las sensaciones del público y crear un estilo propio. Los espacios en blanco y el cambio de la proporción entre los espacios en blanco y la escena real son de hecho un medio importante para el diseño creativo de una imagen.
En sexto lugar, toda la imagen debe estar equilibrada
En el proceso de combinar las distintas partes de la imagen en un todo, el último paso es comprobar si la imagen está equilibrada, porque El equilibrio es la clave para la vida a largo plazo de las personas. Se forma una especie de exigencia psicológica y sentido de la forma. El equilibrio de la imagen no sólo afecta la estructura general, sino que también está estrechamente relacionado con la psicología de apreciación del público.
En la vida real, todos los objetos estables tienen una forma equilibrada: las cuatro patas de una mesa son estables si tiene tres patas, es estable si está totalmente equilibrada si construyes una casa con una. un fondo pequeño y una parte superior grande darán a las personas una sensación de inestabilidad; llevar un equipaje pesado hará que caminar sea incómodo. Obviamente, la postura de las personas durante el parto es lograr el equilibrio corporal para adaptarse a las características de este tipo de parto. Muchos fenómenos de la vida cultivan la demanda psicológica de equilibrio de las personas y desempeñan un papel en el proceso estético de las personas.
Un cuadro debe ser generalmente equilibrado y estable, haciendo que las personas se sientan estables, armoniosas y completas. Aprovechando los factores psicológicos de las personas que requieren equilibrio, podemos enfatizar la expresividad de la imagen desde varios aspectos:
1 Cuando se enfatiza una atmósfera solemne, se requiere que el equilibrio de la imagen sea estable, e incluso deliberadamente. simétrico La balanza muestra una relación simple y solemne a partir de la balanza simétrica.
2. En algunas imágenes de paisajes líricos que enfatizan la elegancia, la tranquilidad y la suavidad, así como personajes vívidos e imágenes de la trama, se requiere que el equilibrio cambiante de la imagen sea escaso y denso, pero el Se requiere equilibrio general.
3. Por otro lado, también se puede utilizar el equilibrio. Es decir, la ley del equilibrio se viola deliberadamente, provocando que el equilibrio desequilibrado de la persona en la pantalla cree una sensación de turbulencia, como si estuviera impactada por el mundo exterior. Expresar temas profundamente con variaciones desequilibradas.