Currículum artístico de Gilbert y George
Recibió el Premio Región Lazio en 1981 (Turín)
Recibió el Premio Turner en 1986
Recibió el Premio Internacional Especial en 1989 (Los Ángeles)
Ganó el premio South Bank y el premio Lorenzo il Magnifico (Florencia) en 2007
Representó al Reino Unido en la Bienal de Venecia en 2005
La exposición más grande de la Tate Exposición retrospectiva Modern in 2007
En diciembre de 2008, la London City University le otorgó un doctorado honoris causa. La lengua materna de Gilbert es el latín en lugar del italiano. Estudió en la Escuela de Arte Wolkenstein y la Escuela de Arte Hallein en Austria y en la Academia de Arte de Múnich antes de trasladarse a Inglaterra.
George creció en una familia monoparental y vivía con su madre en malas condiciones de vida. Asistió a la Escuela de Arte Dartington Hall y a la Escuela de Arte de Oxford, que entonces formaba parte del Oxford Technical College y ahora de la Universidad Oxford Brookes.
Los dos se conocieron por primera vez el 25 de septiembre de 1967, cuando ambos se encontraban en el Saint Martins College of Art de Londres (ahora Central Saint Martins College of Art and Design, uno de los seis colleges de la University of the Arts London) ) para estudiar escultura.
En 1969, comenzaron a oponerse colectivamente a los métodos escultóricos que entonces prevalecían en St. Martin's College, porque creían que tales métodos eran elitistas y difíciles de comunicar fuera del mundo del arte. Su estrategia es convertirse en esculturas, sacrificando sus identidades personales por el arte e inspirando el pensamiento creativo. Aunque su trabajo abarcó una variedad de medios, Gilbert y George todavía se referían a todo su trabajo como escultura.
Cuando los dos aún eran estudiantes (1969), crearon conjuntamente la obra original "The Singing Sculpture", que fue expuesta por primera vez por Nigel en 1970. · Expuesta en Greenwood Gallery. Para el espectáculo, se cubrieron la cabeza y las manos con polvos metalizados de múltiples colores, se pararon sobre una mesa y bailaron "Underneath the Arches" de Flanagan y Allen, a veces todos a la vez. El traje que visten se convierte para ellos en una especie de uniforme. Los usan en casi cualquier ocasión pública. Y los dos siempre aparecían juntos en público. Se consideran "esculturas vivientes". Se niegan a separar su arte de la vida diaria e insisten en que todo lo que hacen es arte.
Entre 1970 y 1974, también crearon dibujos al carboncillo (llamados "dibujos al carboncillo de esculturas de papel") y pinturas al óleo, resaltando su identidad como "esculturas vivientes".
En 1971, Gilbert y George crearon su primera "fotografía", que desde entonces se ha convertido en su principal forma de expresión. Gradualmente cambiaron el enfoque de sus temas creativos de sus propias experiencias de vida y se centraron en la realidad urbana vista en las calles y las diversas estructuras y emociones que afectan la vida, como la religión, la clase, la realeza, el sexo, la esperanza, la nacionalidad, la muerte. , identidad, política, miedo y más.
En 1980, los temas principales en los que se centró el artista fueron la religión y la desesperación: la creencia desolada y vacía en la vida.
En 1986, Gilbert y George fueron criticados por una serie de obras que parecían promover "tipos rudos", como "Skinheads", así como por una imagen titulada "Pakistani", que contenía un significado discriminatorio racial. . Algunas de sus obras también han atraído la atención de los medios debido a la gran cantidad de contenido potencial que contienen sus imágenes. Como las obras "desnudos", "representaciones de actos sexuales" y "fluidos corporales".
A principios de los años 1990, a través de una serie de exposiciones en Moscú (1990), Beijing y Shanghai (1993), llamaron la atención sobre sus ideas de "arte para la vida" y "arte para todos". Estas exposiciones resaltan su creencia de que el arte aún puede derribar barreras.
"Naked Shit Pictures" en 1994 y "Sonofagod Pictures" en 2005 atrajeron una gran atención.
En 2007, se celebró una exposición retrospectiva de las obras de Gilbert y George en la Tate Modern, y la Tate Modern publicó un libro de arte sobre ellas, "The Complete Pictures (1971)" (2005), que incluye más de Mil ejemplos de su trabajo.
En 2009, Gilbert y George realizaron una exposición llamada "Jack Freak Pictures" en la White Cube Gallery de Londres. Gilbert y George fueron compañeros en la vida y el arte que crearon un mundo en el que toda su existencia era una obra de arte.
Se incorporan a sí mismos, sus pensamientos y sus sentimientos a su arte. Sus imágenes capturan la vida cotidiana de las personas y contienen una amplia gama de emociones y temas. Desde idilios rurales hasta escenas crudas del Londres corrupto, desde panoramas vívidos e imaginativos hasta juicios de catástrofes humanas, desde anuncios pornográficos hasta edictos religiosos. Su propósito artístico es "Arte para todos".
Su unidad general se ha fijado en gran medida, comenzando con la pieza "Singing Sculpture" y terminando con su vestimenta perpetuamente combinada. Son figuras muy conocidas del arte británico, aunque siempre han existido como una especie de outsider: nunca están lejos de su antiguo hogar en Fournier Street, al este de Londres, donde se sientan a la misma hora todos los días. Comer a la misma cafetería. Gilbert y George proclamaron "arte para todos" y "el arte es vida". Como explicaron en su estilo retórico único, el tema del arte "debe ser la condición humana, que consideramos el ideal más elevado. El hombre es la cosa más maravillosa entre todas las cosas y, al mismo tiempo, toda la forma del arte (el color y la forma) sólo sirve al tema y no tiene importancia en sí mismo. Odiamos el arte por el arte; estamos completamente en contra de esta idea”. [Nota: Conversación con George e Irmeline Lebeer, Art Press]