¿Cómo se hacen los dibujos animados?

Este capítulo presenta principalmente los métodos de creación, los procedimientos de trabajo y los requisitos de las tareas de las películas animadas convencionales. Como animación, especialmente una animación comercial convencional, el proceso de producción de la animación es grande y complejo y requiere la cooperación de muchas personas, y esta cooperación es un modelo relativamente fijo, que es su proceso de creación. Tomando como ejemplo los cómics convencionales, el proceso creativo se describe brevemente de la siguiente manera: para los cómics de títeres y cortados en papel, el diseño, la animación y el calco de la pintura original se cambian para tirar (péndulo) uno por uno para completar la acción. y luego filmar. El proceso de creación de animaciones no convencionales es ligeramente diferente según sus propias características, pero generalmente se sigue el proceso anterior.

Los principales procedimientos de trabajo y tareas de la creación de una animación

1. La etapa de planificación temprana está relacionada con el éxito o el fracaso de una animación. La siguiente es una breve introducción basada en el desglose del diagrama de flujo de producción. La persona responsable de planificar y producir una nueva película reunirá a estaciones de televisión, fabricantes, agencias de publicidad y autores originales para comprender completamente las expectativas del organizador y las tendencias de la audiencia, discutir y escribir un esquema de la historia y verificar los antecedentes y el contenido de la historia. , determinar el estilo de la película, diseñar un modelo de personaje distintivo y personalizado que pueda combinarse con el mercado, determinar la política y el tiempo de proyección de la obra y evaluar el costo de producción. El contenido cinematográfico del informe especial puede adaptarse en función de un tema, historia o leyenda, o puede ser original (el guión debe ser adecuado para la expresión del lenguaje y la tecnología de la animación) y utilizar el lenguaje más refinado para describir. la descripción general, las características, el propósito y los efectos comerciales de las futuras películas, presentados a inversores y agencias de gestión para su aprobación. La escritura de guiones incluye guión literario y escritura. El guión literario de un storyboard también puede denominarse “guión” o “guión”. Es un guión escrito creado basándose en el modelo de escritura de la literatura cinematográfica y es la base para la realización de cómics. Consiste en presentar las líneas, acciones y trama de los personajes en forma de artículo, incluyendo detalles como la personalidad, el vestuario, la utilería y los antecedentes del personaje. Se requiere que la historia tenga una estructura rigurosa y una trama detallada. Al crear el guión de una película, se reúne a todas las personas relevantes (productores, directores, guionistas) para decidir la trama completa del guión, y luego el guionista es responsable de formular las ideas y el plan conceptual para cada episodio. El contenido a menudo se basa en materiales que reflejan los deseos y la imaginación de las personas en la vida real, y se refina y procesa para producir variaciones y así sublimarlo o puede provenir de un modismo o un cómic. Se puede expresar de forma exagerada o grotesca utilizando mitos, cuentos de hadas, cuentos populares, ciencia ficción, bocetos de humor y otros estilos. Un guión gráfico es un guión que divide un guión literario animado en una serie de planos. Con base en su propia investigación y concepción del guión, el director agrega y elimina las imágenes e historias artísticas proporcionadas por el guión artístico de la película artística, divide el contenido que debe expresarse en varias tomas, y cada toma está numerada. y marcados en secuencia, y el contenido de la pantalla y el contenido de cada toma están escritos. Las líneas, los efectos de sonido, la música y los requisitos de filmación sirven como base creativa para cada departamento creativo del equipo de fotografía. El diseñador de arte es responsable de determinar la forma, la escena y el estilo artístico, y de ayudar al director a comprender el estilo artístico general de la caricatura. El diseño de estilo es una parte importante de una caricatura exitosa que puede atraer al público. Los estilistas de personajes no solo deben tener una rica experiencia de vida y buenos conceptos de mercado, sino también un pensamiento flexible y una rica imaginación para crear una apariencia dinámica, individual (pensamiento interno) y distintiva (forma externa). Si la obra original es una revista de historietas y sus protagonistas y personajes también están diseñados por el autor original, entonces el estilista omitirá y modificará las formas originales y transformará estas imágenes de historietas en personajes animados. Si se trata de una forma original, los personajes y las características de la obra deben ser específicos, vívidos y convincentes, que no sólo cumplan con los requisitos de acción de la caricatura, sino que también se ajusten al estilo artístico general de la caricatura y tengan una fuerte individualidad. características y puede brindarle a la gente La audiencia quedó impresionada. Las tareas del diseño de estilismo incluyen: estilismo estándar del personaje, dibujos faciales (generalmente frontales, laterales y de fondo), dibujos estructurales, dibujos de proporciones (proporciones de personajes y roles, personajes y escenarios, personajes y accesorios), vistas explosionadas de disfraces. y accesorios, y mapa de descripción de características (expresiones únicas del personaje, movimientos habituales) y mapa de forma de boca. El diseño de estilismo está relacionado con el mantenimiento de la coherencia de las imágenes de los personajes en el proceso de producción cinematográfica y tiene un papel rector en la precisión de la creación de los personajes y la racionalidad de la descripción de la acción. Una vez determinado el estilo del personaje de una caricatura, las actividades y actuaciones del personaje deben mantener la unidad de sus características e imagen en cualquier ocasión. El diseño de escena es un borrador de diseño de escena de dibujos animados creado en base al contenido del guión y las ideas del director. Incluye mapas de atmósfera en color, diagramas de coordenadas planas, vistas tridimensionales a vista de pájaro y diagramas de descomposición de la estructura de escena de cada escena principal de la película. Proporciona al director la base para la programación de lentes, la programación de sujetos en movimiento, el punto de vista, la distancia de visión, la selección de perspectiva, la composición de la imagen, la perspectiva de la escena, los cambios de luces y sombras y la imaginación espacial. También es una referencia directa para el diseño de lentes y el dibujo de fondos, controlando y restringiendo el estilo artístico general para garantizar la racionalidad de la narrativa y la precisión de las acciones de la escena. El estilo artístico de una caricatura depende en gran medida del diseño de la escena. Picture Storyboard Art Movie guión gráfico único con imágenes y texto. Basado en el guión gráfico del personaje, se diseña una pequeña imagen continua de cada toma de toda la película. La imagen incluye imágenes visuales como movimientos de los personajes, cambios de fondo, tamaño de la escena, programación de lentes, efectos de luces y sombras, etc. Además, debe haber descripciones de texto correspondientes: configuraciones de tiempo, descripciones de acciones, diálogos, efectos de sonido, modos de cambio de cámara, etc.

El trabajo de un guión gráfico es sutil y complejo, y normalmente lo realizan el director y sus asistentes. El guión gráfico equivale a una vista previa de la futura película y al plano de diseño general de la caricatura. Lo utiliza el director para comunicarse con todos los miembros del equipo creativo. Registre que este es un caso especial de una obra posterior que se traslada a una obra anterior. Por ejemplo, grabar un diálogo con antelación también se denomina "interpretación de voz".

2 Proceso de producción de animación

Este enfoque tiene dos propósitos: primero, los actores de doblaje usan sus voces para expresar sus emociones y movimientos de acuerdo con sus propias necesidades y guiados por el director. Esto permite que el diseño de la acción tenga una base y ayude al diseñar las actuaciones de los personajes, estimulando así al animador a tener más imaginación y dibujar acciones más vívidas. 2. Este método puede hacer que la imagen se mueva y suene (diálogo, música, efectos, etc.) es más preciso para lograr mejores efectos de animación. 2. Etapa de creación intermedia. Cada eslabón de la etapa de creación intermedia está relacionado con el estilo y nivel de toda la película y requiere la cooperación y colaboración de todos los productores. El borrador del diseño es un dibujo a lápiz ampliado y procesado en base a la imagen pequeña de cada toma en el guión gráfico del cómic. Al hacer zoom, es necesario considerar la racionalidad de la forma de la lente, la posibilidad de composición de la imagen y la expresión de las relaciones espaciales. El borrador del diseño debe contar con estándares como especificaciones de pantalla, número de tomas, número de fondos y regulaciones de tiempo. El borrador de diseño generalmente tiene dos partes: la primera es el borrador de diseño de acción del personaje (rol), que dibuja los movimientos y trayectorias iniciales del sujeto activo, así como las dinámicas y expresiones más importantes del cuerpo dinámico, y la Línea de intersección entre el cuerpo dinámico y el fondo. 2. El borrador del diseño del fondo debe dibujar la forma específica, el ángulo y las posiciones inicial y final de la lente móvil o deslizante de acuerdo con las especificaciones determinadas. El borrador del diseño es un modelo para una serie de técnicas de producción y técnicas de filmación, incluida la base para el dibujo de fondo y los movimientos de diseño de pintura original, así como pistas de pensamiento, especificaciones de imagen, relaciones de estructura de fondo, relaciones de perspectiva espacial, relaciones de transferencia de escena humana. , las posiciones inicial y final de las acciones de los personajes y las trayectorias de movimiento, etc., se convierten en la base básica para muchos procesos posteriores. Diseño de acción (pintura original) La pintura original es el núcleo de la creación de cómics. Antes de trabajar, el diseñador de producción proporciona un borrador de diseño de cada toma de la pintura original. El diseño de la pintura original debe basarse en la intención del director y los requisitos del borrador del diseño de toma. Se deben diseñar las acciones clave de cada toma, se deben dibujar los puntos clave de las acciones para el animador y se deben marcar varias animaciones en el. en el medio y se debe completar una hoja de fotografía al mismo tiempo. El animador original equivale a un actor de una película en general. Da vida a los personajes, convirtiéndolos en seres vivos y no vivos que hablan y piensan. Él es el alma de la producción de animación y, por supuesto, debe obedecer el control general del director. El artista original es el diseñador principal para expresar cada personaje, pero él mismo no puede crear completamente las acciones. Por lo general, solo dibuja el principio, la mitad y el final de una acción, luego codifica y completa la hoja de fotografías, y el resto lo hacen los asistentes (incluidos cirujanos plásticos y animadores en el medio). La pintura original determina el alcance, el ritmo, la distancia, la ruta y los cambios de forma de los cuerpos en movimiento en los cómics. Que los movimientos de los personajes sean expresivos y atractivos tiene mucho que ver con el diseño de la pintura original. El trabajo principal de modificación de forma es aclarar el borrador, debido a que la mayoría de los dibujos originales son bocetos, centrándose en movimientos precisos en lugar de imágenes detalladas, por lo que debe haber un asistente para organizar correcta y claramente las líneas de acuerdo con el plano, pero él no se hace responsable de la falta de conexiones con otras placas de movimiento requeridas. El proceso intermedio necesario para configurar el movimiento de la animación original lo realiza el animador intermedio. Si hay menos piezas en el medio, la transición del movimiento será más rápida; si hay más piezas, se verá suave y flexible. Por ejemplo, las animaciones de Disney tienen muchos más fotogramas intermedios, por lo que los personajes de la película son suaves y elásticos. El trabajo de animación no significa un trabajo simple, deben completar un proceso de acción complejo junto con el diseño de pintura original. Además de las técnicas básicas de pintura intermedia, las obras de animación también deben cumplir ciertos requisitos de creación artística. Deben dominar diversas técnicas, como la estructura morfológica, los cambios de perspectiva y las reglas de movimiento durante el movimiento, y dibujar cada pequeño movimiento uno por uno con líneas de animación precisas, rectas, uniformes y vívidas. La animación en sí es una imagen del proceso que conecta la relación cambiante entre las pinturas originales, y el número de serie debe completarse con precisión. Al mismo tiempo, lea atentamente los requisitos específicos de la hoja de datos, especialmente las tomas de animación de capas intercambiables de animación multicapa. Los animadores deben tener cuidado. El personal de fondo dibuja imágenes de fondo de las actividades de los personajes una por una basándose en el borrador del diseño y el mapa de la atmósfera del lugar proporcionado por el artista. La imagen de fondo está cerca de la pintura. Aunque muchos pasos ahora se completan mediante operaciones informáticas y tienen la ventaja de ser relativamente rápidos, el dibujo del fondo por medios tradicionales sigue siendo natural y rico. Aunque se parece más a una pintura, el fondo no es una pintura independiente. Es sólo un complemento de las actividades de los personajes en la toma y una explicación del entorno. Por lo tanto, es necesario dibujar el fondo estrictamente de acuerdo con la escena, el ángulo y el marco estructural especificados en el borrador del diseño, y no se permite en absoluto el juego arbitrario fuera del alcance prescrito.

2. Etapa de postproducción Se puede decir que la etapa de postproducción es una recreación de la película. Cada proceso afecta el efecto final de la película y requiere un control cuidadoso y estricto por parte del personal. Los dibujos de animación en las etapas intermedias de calcar y colorear se dibujan con lápices sobre papel blanco y también deben pasar por la etapa de procesamiento artístico en la etapa posterior. El método de calco tradicional consiste en transferir cada boceto de animación a lápiz a una hoja de celda transparente. Primero, use una hoja transparente de la misma especificación para colocar cada imagen en la lente en la regla de posicionamiento y trace las líneas una por una. Una vez que hayas terminado de dibujar las líneas, pinta la parte de atrás. La descripción especial combina el calco y el color en un solo proceso y lo describe directamente basándose en la imagen del borrador. Los métodos de pintura especiales son adecuados para pintar con agua, vapor, humo, fuego, viento, etc. , el efecto de la imagen es más suave. También puedes utilizar una máquina trazadora para trazar las líneas. Simplemente coloque una pieza transparente en el papel de animación y use una máquina de calco para copiar directamente en la pieza brillante.

Sin embargo, la máquina de calco sólo puede copiar líneas negras en lentejuelas y las líneas de colores deben trazarse manualmente. El dibujo lineal dibujado a mano es un trabajo muy detallado y altamente técnico, y las líneas dibujadas son las mismas que las de la animación (precisas, rectas, uniformes y vívidas). La parte posterior de las lentejuelas calcadas está coloreada con pigmentos opacos especiales solubles en agua. Colorear es una tarea técnica detallada, compleja y ardua. Debes utilizar las líneas dibujadas para dibujar en la parte posterior de las lentejuelas una por una según los distintos números de colores especificados en la figura. Al colorear, solo puedes pintar dentro del rango de las líneas, no se permiten líneas ni fugas. El color también debe aplicarse de manera uniforme. Para garantizar la calidad de la imagen, preste atención a mantenerla limpia, sin pelos, manchas de aceite, huellas dactilares ni rayones. Se puede decir que el calco es el empaque final de pinturas y animaciones originales, así como el empaque visual de temas deportivos, que está directamente relacionado con la calidad visual de la película. Se puede decir que un pequeño error puede provocar las consecuencias de esfuerzos en vano, por lo que se debe evaluar estrictamente la calidad profesional y la mentalidad de responsabilidad del personal de dibujo lineal. Una vez finalizado el trabajo de revisión y rastreo, es necesario fotografiarlo antes de disparar y enviarlo al departamento de revisión para su revisión e inspección.

3 Proceso de producción de animación

Debido a que la producción anterior fue completada por muchas personas por separado, aunque estuvo bajo la supervisión del director y hubo varios planos detallados, los errores eran inevitables. Primero, verifique la calidad del color para ver si el producto terminado está coloreado de acuerdo con el color especificado; en segundo lugar, verifique si al producto terminado le faltan piezas, rayones, suciedad, etc. Finalmente, compruebe qué tan bien coincide la imagen de la persona con el fondo de la toma. En este momento, debe duplicar cuidadosa y repetidamente la coincidencia para ver si la alineación de los caracteres y el fondo es precisa. Al mismo tiempo, también debe verificar el procesamiento de la lente, el movimiento del fondo, el empuje y extracción de la lente y los requisitos técnicos. , etc. Para garantizar el buen desarrollo del trabajo de filmación, los requisitos de calidad para los correctores deben ser muy altos. En ocasiones, el asistente del director también realiza este trabajo, porque encontrar problemas en las escuelas requiere cierto grado de visión y experiencia. Una vez revisado el producto terminado, se puede enviar al departamento de fotografía para su toma. La forma en que se filma la animación es diferente a la de los largometrajes. La filmación de animación se llama filmación cuadro por cuadro. El fotógrafo tiene que tomar fotografías una por una según los registros en el escenario de la cámara. Para este propósito se instala un escenario de filmación de animación especial y la mesa está equipada con una regla de posicionamiento (para colocar imágenes de animación) y una pista móvil (para colocar imágenes de fondo). Coloque luces alrededor del marco. La cámara está fijada al marco y se puede mover hacia arriba y hacia abajo mientras se dispara. Además, la plataforma de filmación de animación se puede utilizar para filmación de múltiples capas y filmación en escenario suspendido, así como filmación transparente y varios efectos especiales. Los primeros cómics eran muy simples, simplemente tomaban fotografías para la cámara. Hoy en día, las funciones de la fotografía son cada vez más sofisticadas y muchos efectos se producen con la fotografía, no exclusivamente con la pintura. Editar Esta es la etapa final de la pantalla del cómic. Una vez filmada y revelada la película, se imprime como muestra de trabajo. Primero, el editor debe trabajar con el director para editar toda la película en el orden del guión gráfico. Después del corte inicial, se eliminan los fotogramas sobrantes y los trozos de película dispersos se conectan en orden simbólico. Luego, de acuerdo con los requisitos del director, editamos cuidadosamente una y otra vez, esforzándonos por lograr una conexión de imagen fluida, un ritmo claro y lograr el efecto más ideal. Ésta es, pues, la máxima expresión del montaje animado y un proceso de recreación. En la actualidad, la edición de animación generalmente utiliza la edición no lineal de sistemas informáticos, que no solo es rápida y efectiva, sino que también puede agregar efectos especiales a la imagen para hacer la película más variada e interesante. La grabación de animaciones dobladas depende más del sonido que las películas normales. Una vez editada la película, si se utiliza la grabación previa, es necesario sincronizarla con la banda sonora del diálogo en la plataforma de edición. Si no, el doblaje y los efectos de sonido se harán más adelante. El trabajo de grabación es básicamente el mismo que el de una película normal, incluyendo música, diálogos y efectos. Seleccione actores de doblaje según los diferentes personajes de la película y divida la muestra en varios segmentos según el diálogo de toda la película. Los actores de doblaje observan repetidamente las muestras y practican la sincronización de labios. La voz de cada personaje está moldeada por un actor de doblaje y combina perfectamente con el personaje. Los actores de doblaje pueden doblar mientras ven muestras, o pueden convertir la película en una cinta de vídeo y grabarla en un monitor de televisión en el set, lo cual es más conveniente. La grabación generalmente requiere un estudio de grabación dedicado y se realiza bajo la supervisión de un director. Mientras el actor de voz graba, la música y los efectos de sonido también se graban por separado y luego se graban en la misma cinta. Esto es una síntesis de grabación. Repita la cinta inicialmente sintetizada y luego ajuste el doblaje, los efectos de sonido y la intensidad del sonido para lograr el efecto deseado. Una vez completada toda la mezcla, debe convertirse en una banda sonora óptica, copiarse junto con la muestra de trabajo de la imagen en una película positiva y luego imprimirse en una copia de proyección. Después de un proceso tan complejo y minucioso, se completa una película de animación. Los dibujos animados de televisión se producen de manera similar, pero el producto final es una cinta. 4. El director creativo del director es el alma que gobierna la situación general de una película, y todos los aspectos de la producción de animación son inseparables del director. Su tarea es liderar a todo el personal de animación para completar el trabajo de producción. Un buen director debe dominar todos los conocimientos de producción de animación, tener mucha imaginación y creatividad, estar lleno de confianza y sentido del humor, tener un buen conocimiento del mercado, tener una gran capacidad de pensamiento, respuesta rápida, fuertes habilidades de comunicación, sentido de responsabilidad y talento. Realizar tareas de producción de animación con eficacia. Un breve resumen del proceso creativo del director es el siguiente: en la etapa inicial de planificación, el director debe determinar y modificar el guión (incluido dibujar escenas del guión gráfico), escribir el comentario del director, determinar el estilo artístico, la forma y las escenas de todo el película y trabajar con el compositor y el ingeniero de sonido. Decidir el tema musical y la composición sonora. En la etapa creativa intermedia, el director debe guiar el borrador del diseño y la pintura original. En la etapa de postproducción, el director revisará los diarios de acción y hará sugerencias de modificaciones, revisará los diarios completados y supervisará el proceso de edición y montaje, para finalmente guiar la grabación y doblaje y finalmente completar la película. La creación y producción de otras películas animadas: este artículo presenta principalmente los métodos de producción de la animación de títeres.

La animación tradicional de títeres hereda el modo de actuación del espectáculo de títeres tradicional y tiene características artísticas muy distintivas: las expresiones faciales permanecen sin cambios, los movimientos corporales son muy mecánicos y exagerados y tiene un fuerte sentido de escena dramática. El proceso de producción de la animación de títeres moderna es complejo, y la producción y filmación requieren mucho tiempo y son laboriosas. La marioneta está hecha principalmente de madera, yeso, caucho, plástico, esponja, alambre de plata o juntas metálicas. y colóquelo con las uñas de los pies. Al filmar, una acción se descompone en varios enlaces en secuencia, se filma cuadro por cuadro y se restaura en una imagen en movimiento mediante proyección continua. El diseño de personajes tridimensionales de la película de marionetas se basa en el contenido del guión y el estilo general del director. Primero, diseñe la estructura de producción del cuerpo del títere que pueda expresar las características del personaje; luego seleccione el color de la ropa del personaje, coloree las imágenes de la ropa y los accesorios, luego determine la estructura de producción del cuerpo del títere, seleccione el patrón y el material del la ropa del personaje; finalmente dibujar el frente y el costado del títere. Los dibujos dimensionales se entregarán a los departamentos correspondientes para su producción, procesamiento y ensamblaje. El diseño de acción de títeres es el equivalente a los actores de una película. Antes del rodaje, el diseñador de acciones debe realizar preparativos artísticos y técnicos: 1. Conocer la trama del guión, estudiar y reflexionar sobre las características de modelado de los títeres, escribir biografías y analizar la personalidad del personaje, y diseñar acciones a lo largo de la película; De acuerdo con las instrucciones del director y el guión gráfico y los requisitos del director y el guión gráfico son dominar el ritmo de la acción, calcular el tiempo de la acción y reflejar la personalidad del personaje a través de la acción. En términos de diseño de fondo, basado en el contenido del guión y la concepción artística general del director, un borrador de color de estilo establecido, una partitura de color para toda la película, un mapa de atmósfera de color para cada escena, dimensiones de producción y un plan para la Se dibujó la ruta de acción de los personajes títeres.

4 Proceso de producción de animación

La producción escénica del espectáculo de títeres debe tener una sensación de profundidad y puede filmarse desde múltiples ángulos. El estilo del decorado debe ser coherente con el estilo del diseño del títere. Antes del rodaje oficial, se debe realizar un rodaje experimental para probar la creación de personajes, la acción y el estilo de interpretación de una película. Una vez confirmados el director y el diseñador de acción para la película de muestra, comenzará el rodaje real. Los recortes son un tipo de película artística. Es un estilo de cine artístico desarrollado sobre la base de artes tradicionales como los títeres de sombras y el corte de papel popular. Utiliza el arte del tallado plano como principal método de expresión del modelado de personajes y se basa en la experiencia de ensamblar articulaciones en títeres de sombras para manipular los movimientos de los personajes y hacer muñecos de papel con articulaciones planas. El espacio ambiental consta de un techo de papel pintado y escenas de primer plano y de fondo pegadas sobre paneles de vidrio con cierta distancia entre ellos y distribución de la luz en capas. Los títeres de papel de diversas escenas de películas cortadas en papel están elaborados con articulaciones anatómicas en función de las características de los personajes (realismo, deformación, etc.). ) Con base en los dibujos de modelado y dibujos dinámicos de los personajes cortados en papel, use papel de color especialmente teñido para cada parte de los personajes para dibujarlos, tallarlos y cortarlos, y luego ensamblarlos y conectarlos con clavos para juntas de acuerdo con los dibujos anatómicos. convirtiéndose así en una marioneta de papel articulada plana y flexible sin perder su forma y características originales. Luego use papel para hacer un fondo cortado en papel pintando, cortando, tallando y calcando. Durante el rodaje, según el borrador del diseño de fondo, se pegaron el escenario plano y los accesorios de varias escenas en la placa de vidrio, y también se colocaron muñecos de papel en la placa de vidrio. La acción descompuesta se filma cuadro por cuadro y se forma una imagen en movimiento mediante proyección continua. La animación con tinta utiliza la representación de la tinta, dando pleno juego a las sombras y el realismo de la tinta para representar objetos. No hay líneas de borde claras ni colores suaves en el medio. Más nombres se basan en las pinturas de flores y pájaros de la familia como personajes. Entre sus obras representativas se encuentran "Tadpole Looking for Mom", "Mountain Scene", "Moody", etc. Dibujo en el lugar (pintura con arena) Al realizar pinturas con arena, la densidad de la arena puede crear diferentes caracteres claros y oscuros. La arena forma bordes ondulados únicos, haciendo que los contornos de los personajes parezcan particularmente naturales y suaves, y es particularmente adecuada para crear flujos. y efectos deformados. Pero el mayor problema con la pintura con arena es que debido a que los animadores tienen que dibujar frente a la cámara, la mayoría de las imágenes no se pueden producir con anticipación y los granos de arena son difíciles de formar. Cuando hay electricidad estática, se pegarán y se volverán livianos y se dispersarán cuando se soplen, por lo que requiere mucho esfuerzo hacerlo. Junta Nacional de Cine de Canadá ¿Caroline Works? Liv, La boda del búho y la oca, y más. La animación de acción real también se conoce como "animación extraña". Es muy parecido a una película de acción real, con dos métodos de filmación: uno es filmar de acuerdo con los métodos convencionales y luego "extraer la imagen" de acuerdo con las necesidades del creador o director, el otro es filmar cuadro por cuadro; para crear movimiento mecánico. De hecho, ni el mobiliario ni los actores se mueven así. Las películas producidas con estos dos métodos de rodaje tienen efectos muy animados. Por ejemplo: Junta Nacional de Cine de Canadá Norman? La obra maestra de McLaren, "Neighbors", se rodó mediante "extracción de fotogramas". Además, existen varios métodos de creación y producción de animaciones, como poses físicas, animación con pantalla de aguja, animación con pintura al óleo, etc. Consulte el capítulo "Clasificación de cómics" del libro de texto. Animación 3D por computadora La popular animación 3D por computadora está impactando la pantalla de animación en pleno apogeo. ¿Ken, que trabajó en Bell Labs en 1964? Norton comenzó a utilizar la tecnología informática para producir películas animadas y la industria de la animación entró en la era de la animación por computadora. Debido al auge de la animación por computadora en la década de 1960, en la década de 1970 se introdujeron algoritmos de sombreado y modelado para gráficos por computadora. Las imágenes fotorrealistas desarrolladas en la década de 1980 también proporcionaron una animación por computadora más realista y práctica. Por lo tanto, la industria de la animación cinematográfica y televisiva ha provocado con frecuencia una locura por la animación por ordenador. La discusión aquí sobre la animación 3D no se limita a estudiarla como un tipo especial de animación, sino que más bien compara la diversificación de la animación moderna en comparación con la animación tradicional, la tendencia de desarrollo de la animación futura, la participación generalizada de medios mecánicos y el desarrollo de medios de comunicación cada vez más abundantes. En la animación de dibujos animados tradicional, una serie de imágenes dibujadas a mano creadas por un animador se reproducen en rápida sucesión para producir movimientos e ilusiones vívidos.

Los animadores tradicionales pueden controlar directamente medios como lápiz y papel o pueden desarrollar fácilmente técnicas especiales; los animadores por computadora deben transmitir sus requisitos a través de una interfaz de computadora ligera alternativa. Por ejemplo, la técnica de establecer imágenes clave puede ayudar a los diseñadores a controlar las posiciones de los objetos, las fuentes de luz y las lentes, y se pueden utilizar computadoras para calcular las posiciones de los objetos en todas las imágenes de retransmisión. De esta manera, la animación por computadora puede producir rápidamente imágenes dinámicas. Hoy en día, el software de animación 3D ampliamente utilizado por la gente incluye 3DMAX y MAYA, que pueden producir personajes animados tridimensionales e incluso efectos de animación. Al principio, la animación bidimensional plana producida mediante coloración por computadora era una forma de lograr el efecto de la animación tradicional dibujada a mano en una etapa posterior. Flash se ha convertido en una forma cómoda y rápida de producir cortometrajes de animación gráfica. Con el desarrollo actual de la animación gráfica, se depende cada vez más de las computadoras para completar la producción cinematográfica, especialmente la animación televisiva y la animación en línea. Los software más utilizados son Flash y Retarsh para lograr los efectos de color físico requeridos por los diseñadores. Desde la década de 1990, un gran número de dibujos animados han utilizado computadoras para mejorar la producción y la calidad de las películas, y ganar nuevos puntos de venta. Por ejemplo, "Tarzán" fue el primer intento de combinar la producción gráfica y por ordenador, con animaciones 3D en "Toy Story", "Buscando a Nemo", etc. Hoy en día, los límites entre la animación plana y la tridimensional ya no son evidentes, y cada vez más películas animadas presentan coloridos efectos híbridos. Glosario: Una hoja de datos es un modelo para que los fotógrafos operen la relación entre las imágenes y los métodos de toma de fotografías. La planificación del escenario de la cámara la lleva a cabo el director basándose en el borrador del diseño y el diseño de la lente, y el pintor original completa el relleno. El contenido incluye número de toma, indicaciones de acción, duración, diálogo, forma de la boca, número de fotograma de la animación original, relación jerárquica, fondo (si hay un primer plano para establecer el horizonte), instrucciones de disparo (rango de empujar y tirar, dirección coordinada de la lente en movimiento). , requisitos de velocidad de movimiento, etc.), y si es una posibilidad remota, se debe escribir la secuencia de números de página de la hoja de información. Se deben utilizar símbolos específicos en la tabla para representar varias expresiones, con ejemplos. Los fotógrafos de animación deben seguir estrictamente esta tabla al realizar fotografías. Con base en el contenido del guión literario, el director elaboró ​​el tema, los personajes y el estilo artístico de la película en forma escrita y propuso requisitos para cada departamento creativo para garantizar que toda la película esté unificada ideológica y artísticamente. en la imagen animada Un cuerpo, en relación con una figura estacionaria, ya sea una persona o un objeto, se llama "cuerpo en movimiento".