Consejos para fotografiar paisajes con cámaras SLR

Consejos para fotografiar paisajes con cámaras SLR

Uso flexible de la apertura

En términos generales, la fotografía de paisajes debe capturar el paisaje desde el primer plano hasta el fondo con mucha claridad. En comparación con los teleobjetivos, los lentes gran angular pueden capturar una mayor profundidad de campo en comparación con las aperturas grandes, las aperturas pequeñas pueden capturar una mayor profundidad de campo y el enfoque preciso es muy importante. Como todos sabemos, cuanto menor es la apertura, mayor es la profundidad de campo y más clara es la pieza. Por lo tanto, generalmente se recomienda utilizar una apertura muy pequeña, como f/16, f/22. Sin embargo, si la apertura es demasiado pequeña, destruirá la nitidez de la imagen debido a un efecto óptico llamado difracción.

La difracción, en sus términos más simples, significa que cuando la luz pasa a través de la apertura de la lente, el borde de la apertura de la lente dispersa las ondas de luz. Cuanto menor sea la apertura, mayor será la proporción de luz difractada en la luz grabada y menos clara será la imagen, lo que dará como resultado menos detalles de la imagen.

En términos generales, comenzará a ver efectos de difracción en las siguientes situaciones: la apertura de la cámara se detiene por debajo de f/11 para sensores de tamaño ASP-C; la apertura de la cámara se detiene por debajo de f/16 para sensores de fotograma completo; o menos.

Para ilustrar el efecto de la difracción en diferentes aperturas, mostramos una serie de fotografías tomadas en f/8, f/11, f/16 y f/22; el enfoque y la exposición general siguen siendo los mismos. lo único que cambia es el tamaño de apertura. Todas las fotografías fueron postprocesadas utilizando el mismo software y configuración.

Cuando la apertura se establece en f/8, todas las escenas de la foto son muy claras, y los detalles de los árboles en el fondo también son buenos cuando la apertura se establece en f/11; la escena es clara, pero cuanto menor es la apertura, menor es la apertura. A medida que aumenta la profundidad de campo, la imagen se vuelve menos clara y los detalles son menos obvios. Ésta es una cuestión importante en la fotografía de paisajes, especialmente cuando se crean imágenes a gran escala. Es esta planta de aspecto fláccido la que arruina las fotografías digitales de paisajes de muchos fotógrafos.

Entendiendo el obturador

Discutimos la elección del obturador fotografiando el agua.

Cómo fotografiar el movimiento del agua es un tema controvertido. A algunos fotógrafos les gusta capturar el agua de forma realista, utilizando velocidades de obturación rápidas para "concentrar" el movimiento del agua. A otros les gusta "difuminar" intencionalmente los cuerpos de agua para crear una sensación de movimiento. Ambas técnicas pueden producir buenos resultados en la situación adecuada. Es importante elegir uno de los dos. Si se encuentra en algún punto intermedio, el cuerpo de agua no es ni borroso ni claro, y a menudo da a las personas una sensación de desorden e inconsciencia.

Si desea detener el movimiento del agua, normalmente debe utilizar una velocidad de obturación de 1/500 segundos o superior; la velocidad de obturación exacta depende del caudal del agua.

Los fotógrafos de paisajes suelen utilizar aperturas pequeñas (números f/grandes) para lograr suficiente profundidad de campo para que tanto los detalles del primer plano como los del fondo estén enfocados. Esto suele requerir tiempos de exposición relativamente largos, especialmente en condiciones de poca luz.

A muchos fotógrafos les gusta ir al otro extremo: utilizar exposiciones prolongadas para difuminar el agua que fluye. Una razón es que, para el ojo del espectador, este efecto "difuminado" añade energía y movimiento a la imagen, haciéndola más agradable a la vista.

Una exposición de 1/2 segundo debería ser suficiente para lograr este efecto, unos segundos serían incluso mejores: esto asegurará un toque borroso, blanco y sedoso. Para exposiciones prolongadas, utilice la apertura más pequeña (normalmente f/22) y ajuste el ISO de la cámara al valor más bajo. En este punto, si la velocidad de obturación no es lo suficientemente baja, necesitarás la ayuda de un filtro.

Organiza el primer plano

Como todos sabemos, el mundo es tridimensional y las fotos son bidimensionales. Una de las principales razones por las que la fotografía de paisajes fracasa es que la fotografía no logra transmitir la sensación de profundidad que ven nuestros ojos. Afortunadamente, también podemos utilizar algunas técnicas de composición para superar este pequeño problema bastante desagradable.

Una forma eficaz de crear profundidad en una fotografía es capturar un primer plano intenso, normalmente con una lente gran angular. Resaltar el primer plano de esta manera crea un "punto de entrada" para el ojo, atrayendo al espectador a la escena y dando a la foto una sensación de distancia y escala, añadiendo así profundidad a la foto.

Las lentes gran angular logran este efecto porque amplían el ángulo de visión, exagerando los componentes cercanos a la lente, abriendo así paisajes lejanos.

Sin embargo, ten cuidado, ya que puede hacer que el escenario de rango medio parezca vacío y aburrido. Una forma de compensar es disparar desde un ángulo bajo. Esto comprime la distancia en el medio, por lo que no habrá demasiado espacio en blanco en la composición. También debe utilizar una apertura pequeña y enfocar con cuidado para lograr la máxima profundidad de campo y enfocar tanto los objetos en primer plano como los distantes.

Tratamiento adecuado: El perejil de vaca y la aulaga son primeros planos atractivos, que llaman la atención del espectador sobre la escena y forman un marco apropiado para un paisaje lejano. La lente gran angular y la pequeña apertura de f/22 crean una gran profundidad de campo.

Escuchemos cómo el famoso fotógrafo de paisajes Adam Burton establece el primer plano: Cabe señalar que lo primero en lo que me centro no es el primer plano, al fin y al cabo, lo más importante es el sujeto. Pero para mí la perspectiva es secundaria al tema. Por eso, cada vez que salgo a tomar fotografías de paisajes, siempre busco un lugar para tomar fotografías con muchas oportunidades potenciales para tomar fotografías. Cuando llego al lugar, busco los sujetos más atractivos y los mejores ángulos. Una vez que haya elegido una ubicación para su sesión, comience a buscar intereses en primer plano.

No existen reglas preestablecidas sobre qué tipo de prospectos son interesantes, pero siempre hay que considerar varios factores. Lo importante es pensar bien qué quieres incluir y no limitarte a fotografiar todo lo que ves. Me encanta la fotografía de paisajes, por eso siempre busco elementos naturales como primer plano: rocas, flores y agua son los ingredientes habituales. Sé que estas cosas encajan en el panorama general de mi cabeza. Por el contrario, los objetos creados por el hombre pueden parecer incongruentes.

Intenta agacharte más cerca del primer plano que deseas fotografiar y ¡tus fotos se destacarán! Pero también tenga cuidado de no bajar demasiado, de lo contrario su primer plano podría resaltar más que el suyo, desequilibrando la imagen. Del mismo modo, el tema debe ser limpio y simple: ¡un excelente fondo se perderá en un primer plano desordenado! Por último, también es importante utilizar una apertura pequeña. Centrarse en un tercio de la profundidad de la escena puede brindarle una buena perspectiva. Al hacer estas sencillas cosas, puedes mejorar enormemente la composición de tus imágenes de paisajes.

Comprender el color

El color no solo tiene impacto visual, sino que también puede expresar diferentes atractivos emocionales, estimular diferentes emociones y generar significados simbólicos relacionados con entornos culturales. Piense en lo que puede hacer el color dominante en su imagen. Quizás necesites aclarar o acentuar el color. El color debe considerarse cuidadosamente en la composición, la iluminación y el uso de filtros.

El rojo es un color fuerte, especialmente cuando se contrasta con un fondo negro. El color rojo se utiliza mucho como señal de advertencia o peligro y es difícil de ignorar. En fotografía, el rojo es el color más potente que llama la atención, pero también puede distraer. Si hay un pequeño punto rojo en el paisaje, como un coche rojo, un barco rojo o un buzón rojo en la distancia.

El azul es un color indiscutible que puede utilizarse para expresar paz, tristeza o tranquilidad. En fotografía, el azul se utiliza a menudo para transmitir una sensación de frialdad, especialmente cuando se combina con agua y paisajes invernales. El azul es un color importante para los fotógrafos de paisajes: un cielo azul saturado suele ser un excelente telón de fondo.

El verde se utiliza a menudo para representar salud y vitalidad. Evidentemente, el verde es el color principal de las plantas, por lo que también se ha convertido en el color principal de muchas fotografías de plantas. El verde se oscurece fácilmente con colores brillantes y progresivos (como el rojo) y, por lo general, no tiene un gran impacto visual. Pero cuando se usa solo, el verde aún puede hacer que la imagen sea rica, vivaz e interesante.

El amarillo es otro color brillante y progresista, utilizado a menudo para representar la felicidad o la luz. El amarillo puede agregar calidez a su imagen y funciona particularmente bien con o contra el azul. El amarillo y otros colores igualmente brillantes, como el dorado y el naranja, son los colores del otoño. El amarillo se puede utilizar como fondo para imágenes de naturaleza muerta.

Ingrese manualmente la temperatura de color

Diferentes fuentes de luz producirán diferentes colores, que generalmente se expresan por la "cálida" o "fría" de la luz y la cantidad de verde o magenta. en ello. Por ejemplo, la luz emitida por las bombillas domésticas de filamento de tungsteno es mucho más cálida que la luz del exterior en los días nublados. Las luces fluorescentes tienen un tinte verde.

La calidez y frialdad de la fuente de luz se denomina "temperatura de color" y se expresa en Kelvin (k). Cuanto menor sea el valor, más cálida será la luz. Por ejemplo, la temperatura de color de la puesta de sol es de aproximadamente 3000 K, la luz solar neutra (mediodía en un día soleado) es de aproximadamente 5000 ~ 5500 K y la del día nublado es de aproximadamente 7000 ~ 8000 K.

Nuestros ojos se adaptan rápida y fácilmente a los colores de diferentes fuentes de luz, viendo los objetos blancos como blancos, ya sea bajo una iluminación de tungsteno o al aire libre en un día nublado. Sin embargo, si desea reproducir los colores con precisión con una cámara DSLR, debe configurar el balance de blancos correcto. Puede configurarlo al tomar una fotografía o procesar la imagen en un convertidor RAW. Según mi experiencia personal, recomiendo configurar el balance de blancos al disparar en formato RAW, lo que le dará más flexibilidad.

A la hora de tomar fotografías de paisajes, no perseguimos colores absolutamente precisos. Lo importante es capturar colores agradables. Por lo tanto, los fotógrafos digitales pueden utilizar diferentes configuraciones de balance de blancos para lograr efectos similares.

Utilice archivos sin formato

Muchos fotógrafos de paisajes consideran que el formato RAW es demasiado complicado y prefieren utilizar JPEG para capturar hermosos paisajes. El experto en Photoshop Luke Massey te cuenta todos los beneficios de utilizar el formato RAW. Las siguientes dos imágenes son antes y después del ajuste con la ayuda de Element4.0. Si lo aprecia, encontrará la diferencia.

El primero es un archivo RAW sin ajustar. En la superficie, parece que el nivel no es suficiente y el tono no es lo suficientemente rico. Parece que los detalles no se manejan adecuadamente. De hecho, siempre que lo ajuste, aparecerá el segundo efecto. Al comparar las dos imágenes antes y después, podemos ver el poder del formato RAW.

Aunque los archivos RAW son complicados de abrir y procesar, tienen muchos detalles, logran una compresión sin pérdidas y el balance de blancos se puede ajustar más adelante. Por lo tanto, es necesario utilizar archivos RAW para grabar hermosos vídeos de paisajes.

Aprende a utilizar polarizadores.

¿Por qué elegir polarizador en lugar de lentes UV?

La mayoría de las personas, la mayoría de los fotógrafos para ser exactos, tienen un filtro UV instalado delante de su cámara. En lo que respecta al uso de espejos UV, han entrado en algunos malentendidos: 1. Utilice un espejo UV para proteger el recubrimiento de la lente No. 2.2. Una vez instalado el espejo UV, nunca lo quites. 3. El espejo UV sólo cuesta decenas de dólares; Se puede decir que los fotógrafos con estos tres problemas recomiendan tirar los rayos UV que tienen en las manos. Por un lado, un espejo UV que cuesta decenas de dólares no sólo no puede eliminar los rayos ultravioleta, sino que de hecho afectará la calidad de la imagen. Por otro lado, personalmente recomiendo utilizar polarizadores en lugar de filtros UV.

La diferencia entre UV y polarización es que en días de niebla o cuando los rayos ultravioleta son fuertes, las fotos tomadas tendrán un tinte azul-violeta. Agregar un espejo UV puede absorber los rayos ultravioleta, eliminar la interferencia de los rayos ultravioleta en el CCD y ayudar a mejorar la claridad y la reproducción del color del impacto. Sin embargo, dado que el principio de obtención de imágenes de las cámaras SLR digitales es fundamentalmente diferente del de las películas, los rayos ultravioleta tienen poco impacto en las imágenes. Los polarizadores pueden permitir selectivamente el paso de la luz que vibra en una determinada dirección y, a menudo, se utilizan para eliminar o debilitar el fuerte reflejo de superficies no metálicas en fotografías en color y en blanco y negro, eliminando así los puntos demasiado brillantes.

Principios y funciones de los polarizadores

La luz se propaga en forma de longitudes de onda. La luz viaja en línea recta y vibra en todas direcciones y ángulos en forma de ondas. Cuando la luz llega a una superficie, algunas longitudes de onda se reflejan y otras se absorben. Es la longitud de onda absorbida la que determina el color de la superficie iluminada. Por ejemplo, los objetos rojos reflejan longitudes de onda rojas y absorben otras longitudes de onda.

La luz polarizada es diferente. La luz polarizada se produce porque las ondas de luz se reflejan y se dispersan, y solo viajan en una dirección. Son estas longitudes de onda las que crean deslumbramientos y reflejos, reduciendo la intensidad del color. Los polarizadores están diseñados para bloquear la luz polarizada, restaurando así el contraste y la saturación.

Los polarizadores están hechos de un material polarizador delgado, intercalado entre dos piezas circulares de vidrio y atornillados en la parte frontal de la lente. La parte frontal del dispositivo se puede girar para cambiar el ángulo de polarización, lo que permite controlar la cantidad de polarización cambiando la cantidad de luz polarizada que pasa a través de la lente. Al girar el polarizador y mirar a través del visor (o usar un monitor LCD con LiveView), los reflejos aparecerán y desaparecerán y el trípode se oscurecerá.

Para la fotografía de paisajes, un trípode debe considerarse una parte importante de todo el equipo. Normalmente se utiliza la apertura más pequeña para maximizar la profundidad de campo y una sensibilidad ISO baja para obtener los resultados más nítidos, por lo que la velocidad de obturación será lenta. Para algunas tomas, puedes simplemente sostener la cámara, pero con un trípode no tienes que preocuparte por la vibración. También descubrirá que con su cámara en un soporte, tendrá más tiempo y atención para ajustar el encuadre y obtener la mejor composición posible.

Existen muchos tipos de trípodes, y elegir uno no es difícil, pero hay dos factores clave a tener en cuenta:

El primero es la estabilidad. Si bien los modelos más baratos son atractivos, el trípode es inútil si no proporciona una plataforma estable. Por lo tanto, asegúrese de elegir un trípode que sea lo suficientemente resistente como para mantener todos los componentes de la cámara completamente quietos mientras dispara.

En segundo lugar, considere el peso del trípode. Esto es importante porque tienes que transportarlo junto con el resto de tu equipo durante largas distancias. La mayoría de los trípodes están hechos de aleación de aluminio, que es muy resistente y liviana. La mayoría de los trípodes que ves pesan alrededor de 2 kg o más, pero si quieres un trípode que sea igualmente fuerte pero más liviano, opta por un trípode de fibra de carbono, aunque es caro.

Recuerda: cuanto más caro sea el modelo que compres, más necesitarás comprar el trípode y el cabezal por separado, para que puedas ajustar la combinación según tus necesidades.