Las diferencias y conexiones entre el arte clásico, el arte moderno y el arte posmoderno

1. La desintegración del arte moderno se originó en el arte occidental a lo largo de la antigua costa mediterránea (Egipto, Grecia y Asia occidental) y mostró signos de transformación a finales del siglo XIX. . Después de entrar en el siglo XX, este símbolo se convirtió en la corriente principal del arte occidental, es decir, del arte moderno occidental.

El arte moderno occidental puede considerarse como un edificio. Compuesto por varios estilos visuales, los principios para la construcción de este edificio son científicos y sólidos. Este es el núcleo ideológico y cultural de Occidente durante cientos de años, y también es lo que nos falta aquí. Con estos, los occidentales han logrado rápidos avances en tecnología y gestión social, sin embargo, también han traído limitaciones, que son parte de la vitalidad de la vida; Por ejemplo, el atractivo de la naturaleza es indispensable tanto para hombres como para mujeres. Si sólo consideramos y calculamos desde la perspectiva de la posición, los ingresos y el estado familiar, tendremos una actitud racional, pero nuestras emociones se verán afectadas. Por lo tanto, dondequiera que estén involucradas las emociones y el espíritu humanos, no se puede limitarse a escuchar a la ciencia.

La creación del arte moderno es inseparable de las ideas científicas, el estructuralismo y el cubismo, las ideas de tecnología industrial y el futurismo, el de stijl, las formas de fabricación mecánica y los bocetos y pinturas mecánicos del dadaísmo, la teoría de la interpretación de los sueños de Freud y el surrealismo, así como como el expresionismo abstracto irracional utilizando medios racionales, etc. Todo esto es el resultado de los esfuerzos conjuntos de la ciencia y el arte. La gente considera la creación artística como un proceso creativo regular, dejando que los artistas dibujen dibujos y las fábricas produzcan según ellos. En aquella época, muchos artistas se dedicaban a diversos experimentos industriales y materiales, inventaban nuevos materiales sintéticos, utilizaban dispositivos mecánicos como sistema de alimentación de sus obras, y el sonido, la luz y el electromagnetismo se convertían en nuevos recursos artísticos. Las siguientes actividades artísticas pueden ilustrar la situación de aquella época:

(1) OPArt es un arte experimental psicológico basado en el conocimiento óptico. Artistas como Bridgei Riley y Vasa-relev crean efectos dinámicos de luz y color a través de colores y geometrías corregidos con precisión.

(2) Rara vez el arte (ninlallsn 1) se caracteriza por la producción industrializada de obras de arte y la búsqueda de la precisión matemática. La figura representativa es Donald Judd, cuyas obras suelen ser repeticiones de una misma unidad.

(3) "Arte Cinético", muchos representantes, como el suizo Jean Tit-ian, hicieron una variante de la máquina de dibujo para la primera Bienal de París. Hicieron una "variante de automóvil perfumada y ruidosa usada" por Len Iye; delicado equilibrio para hacer esculturas en movimiento, etc.

(4) La escultura luminosa (Lighi Ari) es otra dirección de desarrollo de la escultura, su forma es similar a los anuncios de neón. La figura representativa es el joven artista Dan Flavin.

(5) En 1966, la Armería de Nueva York celebró la exposición experimental "Arte e Ingeniería", que mostraba muchas obras de arte diseñadas con medios de alta tecnología y promovía así el desarrollo de artistas y trabajadores tecnológicos. Trabajar en estrecha colaboración. Posteriormente se constituyó la organización 'Experimento de Arte y Tecnología', con 3.000 participantes.

Existen muchas más actividades similares que aparecen con frecuencia en todo el mundo formando tendencia. Por ejemplo, el Museo de Arte Moderno de Nueva York tiene la exposición "Máquina", el Museo Whitney de Arte tiene la exposición "Light", Londres tiene la exposición "Mechanical Power" y Los Ángeles tiene la exposición "Industria". El poder de la ciencia y la tecnología ha pasado del arte intermediario al arte dominante. Si bien el arte moderno occidental crea nuevos logros con la ayuda del poder científico, también se pone en el camino sin retorno.

Los siguientes artistas son representativos de la combinación de arte e industria en la década de 1960:

(1) Barnetr-man es un pintor abstracto de superficies coloridas que produce una sola pintura en un tiempo casi Bloques de colores de manera repetitiva.

(2) David Thetis (1906 ~ 65), un escultor de metal, trabajó como soldador en una fábrica de tanques militares en sus primeros años, más tarde desarrolló una escultura de acero que proporcionó al público su mecánica. Calidad, sin funciones prácticas.

(3) Pintor Franckenthaler (1928-), combinó el arte performance con la abstracción del color, reutilizó los recursos del expresionismo abstracto y convirtió el arte en la expresión de cierta información física. (4) El pintor de rayas negras Frank Lixlla (1936-) utiliza cobre y aluminio para explorar las diferentes formas del lienzo.

2. La naturaleza del arte moderno Algunos estudiosos resumen la historia del arte occidental en tres etapas: premodernidad, modernidad... y posmodernidad. En este método de periodización, todo el arte se determina en torno a la "modernidad", y la "modernidad" se convierte en la coordenada para dividir la historia. Este método de pago en cuotas es simple y fácil de recordar, por lo que es mejor que lo valoremos.

En un artículo sobre la cultura posmoderna japonesa, Naoki SakiIJi, un teórico literario japonés que vive en Estados Unidos, dijo: "La secuencia de premodernidad, modernidad y posmodernidad implica un orden cronológico, debemos recordar, ha siempre ha estado integrado con la estructura geopolítica del mundo moderno. Este orden es básicamente el marco histórico del siglo XIX a través del cual se pueden entender los pueblos, las culturas, las tradiciones y las razas en este sistema. "La división del escenario oficial no es puramente temporal. , pero entrelazado con el espacio.

Esto significa que, al mismo tiempo, diferentes regiones pueden encontrarse en diferentes etapas de civilización; por ejemplo, en el siglo XIX, China era una monarquía feudal y Occidente ya había entrado en el capitalismo. Por eso, algunas personas dicen que todo el arte contemporáneo es arte contemporáneo: esto está mal. Muchas obras de arte que aparecen en nuestras exposiciones nacionales ahora no tienen las características del arte contemporáneo, ni siquiera las características del arte moderno. Esto es el resultado de las diferencias regionales entre Oriente y Occidente.

Ya sea "premodernidad" o "posmodernidad", es posible generar ideas después de compararla con la "modernidad". Comprender qué es la "modernidad" es el requisito previo para este tipo de comparación. Podemos observar las razones de la transformación del "arte moderno" desde dos perspectivas.

Una es la perspectiva del estilo y la forma, que es un concepto de cantidad. Teóricamente, podemos calcular el número de formas y estilos visuales creados durante la etapa del modernismo occidental. Esto es mucho, varias veces más que en cualquier época anterior, y no tiene comparación con la suma de las formas y estilos de arte chinos existentes.

La otra es la perspectiva de los valores. El llamado valor es el estándar de lo que es bueno y lo que no lo es. El valor es un concepto cualitativo muy importante. Diferentes valores conducen a diferentes resultados de evaluación. Por ejemplo, si miras las pinturas chinas de hoy con los valores de los literatos Ming y Qing, sentirás que hoy no es tan bueno como antes.

Si miras el arte moderno desde una perspectiva cuantitativa, encontrarás que los artistas occidentales han hecho enormes esfuerzos en muchos aspectos en poco más de medio siglo. El espíritu de exploración integral ha puesto en práctica diversas posibilidades para la transformación de las formas de arte (arte de caballete), dejando incluso poco espacio para que las generaciones futuras exploren. La revolución tuvo éxito y los camaradas ya no tuvieron que trabajar duro. Los artistas posteriores tuvieron que encontrar otro camino.

Si observa el arte moderno desde la perspectiva del valor, encontrará que básicamente pertenece a la categoría de cultura de élite, que puede adherirse a la integridad del arte elegante y desdeñar la asociación con la gente común. . Este concepto es esencialmente un derivado de la cultura aristocrática en la historia. Sin embargo, la sociedad ha cambiado y los aristócratas espirituales han perdido su territorio hereditario y tienen que trabajar duro en el mundo.

En concreto, los valores del arte moderno se reflejan en los siguientes aspectos:

(1) La búsqueda de la pureza. El arte moderno persigue la pureza de los productos visuales, sólo considera elementos formales en la creación e ignora otros factores, como la introducción de la historia, la religión y la literatura, promoviendo así el desarrollo del arte abstracto en general, la búsqueda del elitismo puro. El pensamiento experto tiene limitaciones, lo que equivale a pintar el suelo como una prisión.

(2) Promover la originalidad significa aplicar los estándares de las competiciones deportivas al arte y tratar la creación artística como una competición que bate récords en la historia del arte. Sin embargo, los deportes tratan de la supervivencia del más fuerte, que es. No es el caso del arte. El desarrollo del arte no es progreso sino cambio. Por ejemplo, no se puede decir que Rembrandt es malo sólo porque existe Picasso.

(3) Prestar atención a la forma no es un hábito exclusivo del arte moderno. El arte clásico también concede gran importancia al sentido de la forma. Sin embargo, la forma del arte clásico está subordinada a la expresión del contenido. o la forma se esconde detrás de la imagen, mientras que el arte moderno valora la forma por sí misma y le da valor y función independientes.

(4) se llama egocentrismo. Los artistas modernos a menudo se expresan a puertas cerradas, sin tener en cuenta al público, y a menudo se expresan a través de comportamientos extraños y vestimentas extrañas. Por lo tanto, sus obras son muy personales y difíciles de entender, lo que ayuda a los críticos de arte a ganar la prerrogativa de interpretar dichas obras.

(5) Monótono en general. Esto significa que durante el período popular del arte moderno, todas las obras no modernas, como las obras realistas tradicionales, las obras con características nacionales y regionales y las obras de países subdesarrollados, fueron excluidas, lo que provocó que artistas de todo el mundo utilizaran "transversalmente". lengua fronteriza", provocando así una cierta pobreza del lenguaje artístico global.

De los aspectos anteriores se puede entender que existen fuerzas naturalmente opuestas.

3. El surgimiento del arte posmoderno Las fuerzas que se oponen al arte moderno no aparecieron en los años sesenta.

Justo cuando el poder de la ciencia y la tecnología arrasaba con todo y las élites y el arte puro estaban agotados, surgieron nuevas actividades artísticas. Estas actividades fueron muy diferentes de las tendencias de la época, lo que supuso un punto de inflexión en el arte occidental y abrió una nueva situación. A continuación se detallan varias actividades artísticas novedosas en aquel momento:

(1) LandArt (Landart o land art) puede verse como el resultado del desarrollo de trabajos de instalación de interiores a exteriores. Los primeros estilos se remontan a las pirámides del antiguo Egipto y los pilares redondos de piedra de Inglaterra. La vasta tierra de América ofrece un escenario para que los artistas contemporáneos muestren sus talentos. Utilizar desiertos, montañas y praderas como materiales originales, modificar o unir enormes formas geométricas es una de las primeras características del arte terrestre. La obra más famosa es "Spiral Jetty" de Robert Smithson. La presa tiene 65,438+05 pies de ancho y los espectadores pueden caminar a lo largo de ella varias veces, pero no tiene ninguna función real.

(2) La instalación es un material de madera no artístico. Los museos rara vez recopilan exhibiciones tridimensionales que pueden exhibirse en interiores durante un corto período de tiempo. Son una forma de organizar exhibiciones, no características o estilos artísticos, por lo que pueden servir a muchas escuelas de arte. La instalación original surgió del descarte de los materiales escultóricos tradicionales, siendo su definición principal: "(1) Están ensamblados, en lugar de pintados, descritos, moldeados o esculpidos; (2) Sus partes componentes son total o parcialmente materiales naturales o artificiales preformados. , objetos o fragmentos, distintos de los materiales artísticos”.

Uno de los primeros representantes de las instalaciones fue el artista dadaísta alemán Kllrt Schw-Itter, que en los años 20 llenó su casa con diversos materiales.

(3) El arte BodV se refiere al creador que utiliza su propio cuerpo como material para la expresión artística, combinado con pintura, fotografía, vídeo u otros métodos de grabación in situ. Un arte escénico no teatral, "no teatral" significa la ausencia de ficción, espectacularidad y afectación. Por ejemplo, el trabajo de Barry Lewa consiste en correr entre dos paredes separadas por más de diez metros hasta quedar exhausto. Otro, Vito Acconci, era un poeta que tenía tendencia a sufrir abusos psicológicos. Por ejemplo, intentaba morder las partes de su cuerpo que podía morder, y no paraba hasta dejar marcas. También se masturbaba en público y colocaba un altavoz para difundir el sonido, obligando al público a convertirse en "voyeurs" en un intento de romper tabúes sociales. El otro es Chris Burton. En otra obra famosa, "Disparar", su amigo le disparó en el brazo izquierdo con una daga. Esta asombrosa técnica le dio instantáneamente fama mundial.

(4) El arte conceptual, que se originó a partir del arte dadaísta a principios de la década de 1920, cree que el arte no tiene un valor sagrado y duradero. Su esencia son las ideas o conceptos, y las obras específicas en forma física no son importantes. por eso también se le llama arte conceptual, arte postobjetual o arte desmaterializado. Los artistas conceptuales exploran la relación entre arte y pensamiento o arte y conocimiento. El punto final de esta investigación es la escritura, las matemáticas o la estética y la filosofía. En teoría, este tipo de obras no son realmente visibles y los formatos de exposición tradicionales no son adecuados. Pero expresar pensamientos internos y evitar formas externas sigue siendo un problema a largo plazo. Aquellas obras que se consideran arte conceptual son en su mayoría instalaciones temporales en lugares públicos como galerías de arte, como montones aleatorios de madera, ladrillos u otros escombros. Un ejemplo es una jaula de pájaros gigante con algunos pájaros vivos y otros objetos en su interior, otro grupo de arte conceptual está formado por personas que trabajan en ensayos. Entre las figuras representativas se encuentran Joseph Kossuth, May Bochner, Hanne Dabofen, etc.

(5) El arte de proceso (Process art) cree que el proceso de producción del arte es más importante que la concepción previa. Es mejor experimentar el paso del tiempo que observar objetos estáticos y duraderos en un intento. para expresar una existencia fugaz. Este tipo de arte utiliza principalmente materiales blandos que pueden reflejar fácilmente los cambios en el tiempo. La fuente original es la salpicadura accidental de pintura de Pollock y de Kooning durante su creación. El proceso de creación se compone principalmente de cambios arbitrarios del autor en los materiales de exhibición. La figura representativa es Robert Morris. Una de sus obras consiste en apilar materiales mezclados sin valor en la sala de exposiciones. Cambia la ubicación de estos materiales diariamente y los guarda al final de la exposición.

Con las actividades antes mencionadas, desde entonces se han producido dos tendencias de desarrollo completamente opuestas en el arte occidental. Uno es arte puro, lo que significa mantener la independencia del arte para distinguirlo de otras cosas. En el arte puro, lo que es pintura y lo que es escultura se ha definido claramente cualitativamente. Otra tendencia es confundir los límites entre arte y no arte, especialmente la diferencia entre arte y vida. La llamada "pureza" del primer arte es exactamente lo que el segundo intenta excluir. El motivo del rechazo es que la esencia del arte es estimular la creatividad, y dividir artificialmente el alcance del arte es una limitación a la creatividad. Sólo cuando el arte y la vida se integran puede reflejarse más ampliamente la creatividad artística.

Las nuevas ideas artísticas se difunden rápidamente. En los alrededores de Sichuan, las revistas de arte estadounidenses ya no estaban llenas de plástico, acero y figuras geométricas. La introducción de materiales naturales, procesos de acción, entorno y audiencia, análisis semántico y documentación fotográfica se convirtió gradualmente en el pilar de la cobertura en los medios artísticos. En este punto, los conceptos, métodos y formas del arte moderno han sufrido grandes cambios, y fue en esta época cuando se empezó a hablar de arte posmoderno. A partir de entonces, el cambio de artistas no fue un traspaso militar. La próxima reunión crearía todo lo contrario. Lo llamado nuevo y lo viejo, el final y el comienzo a menudo coexisten, sólo por conveniencia de la narrativa, y los comentaristas están acostumbrados a separar los hechos entrelazados. Debido a esto, a menudo vemos que los académicos tienen muchas opiniones sobre los inicios de muchos de los llamados movimientos de género. Este artículo analiza el arte posmoderno porque tenemos que buscar deliberadamente el orden del tiempo y no podemos tener en cuenta la división del espacio al mismo tiempo. Los lectores deben prestar atención a esto.

Hay muchas razones por las que el arte moderno occidental no se transformó en la década de 1960. Generalmente se cree que está relacionado con el siguiente trasfondo social:

(1) El fracaso de los Estados Unidos. Los estados unidos en la guerra de Vietnam provocaron una reacción El sentimiento de guerra fue alto. Junto con el frío ambiente internacional, Lingren no tenía muchas esperanzas para la sociedad humana y la vida real, y comenzó a despreciar aún más los niveles de vida humanos existentes. En el campo cultural, existe una tendencia a oponerse a la corriente principal y negar los valores eternos.

(2) Cómo utilizar el tornillo de banco del desarrollo industrial. El progreso de la industria muestra un futuro brillante para la sociedad humana, pero los efectos secundarios son cada vez más evidentes, como la contaminación ambiental, la escasez de energía, los desechos tóxicos y el peligro de las armas nucleares. Ling Ren se dio cuenta de que, si bien la ciencia y la tecnología resolvían algunos problemas, también traían nuevos problemas. La gente empezó a mirar claramente los pros y los contras del progreso industrial y empezó a dudar de los métodos científicos.

(3) Los problemas sociales son destacados. La vida material abundante no puede resolver los problemas espirituales, y la "Generación Beat" surgió después de la guerra. Desde 65438 hasta 0968, hubo un aumento de los movimientos estudiantiles en Europa y Estados Unidos.

(4) La aparición de nuevas ideas. Muchos filósofos europeos propusieron nuevas perspectivas sobre la cultura contemporánea y tuvieron un impacto en el mundo del arte.

Estos filósofos incluyen a Roland Barthes, Foucault, Derrida, Lacan, Lyotard, etc. Ponen en duda las teorías existentes sobre la desestabilización social, que se relacionan con diversas formas culturales, y generan dudas sobre cualquier marco teórico único y juicio final. En el campo del arte, reafirmaron el valor de lo concreto, lo que llevó a una separación de las búsquedas metafísicas del arte moderno.

Además de los factores externos antes mencionados, el exceso de racionalidad y tecnología son las razones internas del cambio de dirección artística. Debemos saber que el mundo espiritual humano es tan cambiante y equilibrado como la ecología natural. Si uno de los prisioneros se sobredesarrolla, habrá una fuerza opuesta para superarlo. Si la ciencia interviene principalmente en el arte, habrá fuerzas anticientíficas.

Cuatro. Valores del arte posmoderno Desde la década de 1980, con Estados Unidos como centro, el arte posmoderno ha surgido y se ha convertido en una nueva tendencia artística global. Combinando estos fenómenos artísticos, podemos percibir claramente que ahora están creciendo nuevos valores, principalmente en los siguientes aspectos:

(1) Sin perseguir la pureza, el arte contemporáneo no se limita a la forma y el lenguaje visuales. , teatro musical, medios de comunicación. Electrificación de vídeo digital, sonido y luz, todo lo que pueda transmitir información específica está disponible. La pintura trasciende los límites de los planos, la escultura construye paisajes y arquitectura, y los lugares de exposición no se limitan a galerías y museos. En el Occidente contemporáneo, el llamado arte visual se ha vuelto indistinguible de otros tipos de arte.

(2) Tradición de buen servicio. La humanidad tiene ricos recursos culturales tradicionales y sería una lástima abandonarlos. Los artistas contemporáneos no se oponen a la tradición sino que utilizan el pasado para renovarse. Después del cambio de tiempo y entorno, los símbolos antiguos pueden tener nuevos significados, como el "libro del cielo" que divide el hielo y "ese barco de paja acaricia sus flechas" de Cai Guoqiang. Siempre es así.

(3) La impersonalidad, por encima del arte, excepto desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XIX, la "expresión personal" no fue el objetivo principal de la creación y explosión. El arte posmoderno enfatiza las funciones sociales, lo que permite al arte salir de la torre de marfil y acercarse a la vida pública. El artista toma el mundo como su propia responsabilidad, se preocupa por los problemas sociales, participa activamente en actividades sociales y ya no es una figura excéntrica.

(4) Múltiples estándares, la "diversidad" es el concepto central del arte contemporáneo. Aunque todavía existen tendencias artísticas dominantes en el mundo, ya no se juzgan con estándares unificados, como el reconocimiento de diferentes países, El valor artístico de las naciones y regiones, el arte de las mujeres, el arte indígena y el arte de los países subdesarrollados. Pero también hay situaciones complejas y caóticas que son difíciles de sistematizar.

Basándonos en la discusión anterior, tal vez podamos tener una comprensión aproximada del arte posmoderno: se originó a partir de la rebelión contra el arte moderno, desarrolló nuevos métodos para expresar ideas y transmitir información, y cambió conceptos y tecnologías. la conciencia popular, los valores pluralistas y el espíritu creativo libre que representa reflejan la tendencia de desarrollo de la cultura occidental contemporánea. Sin embargo, debido a diferencias regionales, culturales e institucionales, el mundo del arte chino no pudo integrarse a este movimiento artístico global en un corto período de tiempo.

Verbo (abreviatura de verbo) La inspiración de Duchamp Cuando se habla del tema del arte posmoderno occidental, no podemos dejar de mencionar que se describe al pintor francés Marceldi Duchamp como el padre del arte posmoderno occidental. es de gran ayuda para comprender muchos fenómenos maravillosos del arte posmoderno occidental, pero comprender a Duchamp es un problema difícil) porque sus obras y su vida están demasiado alejadas de la gente común y corriente, es difícil de explicar;

Aunque la práctica artística de Duchamp terminó en 1930 d.C. y murió en 1968 d.C., sus breves actividades artísticas durante la sequía tuvieron un impacto duradero en las generaciones posteriores. En 1913, completó su primera obra de arte ready-made, "Rueda de bicicleta", para expresar su desdén por la estructura en las obras tradicionales. Esto también implica que el factor más importante en la creación artística es el concepto más que las habilidades de producción. "Chocolate Grinder No. 8" fue casi la última obra de Duchamp que se exhibió en los estantes. Fue una burla de la pintura al óleo académica. Duchamp se instaló en Nueva York después de 1915 y lo completó como urinario en la primavera de 1917; otra obra es L.II.O.O.Q (1919), que es un bigote añadido al grabado de Mona Lisa. La obra más importante de Duchamp es "El gran vaso", también conocida como "La novia desnudada por su hombre". Las obras se iniciaron en 1915 y aún estaban inacabadas en 1923. Después de 1920, el interés de Duchamp por la óptica y el cine aumentó día a día. Después de la era de Sichuan, centró su interés en el ajedrez.

La contribución más importante de Duchamp es el arte "ready-made". Aunque desde una perspectiva secular, es absurdo colocar productos industriales u otros objetos ya hechos en exposiciones de arte, de hecho, está cambiando toda la perspectiva de la humanidad. Sobre el arte y el mundo, la gente empezó a cuestionar la necesidad de, al menos, los valores y modelos tradicionales de creación artística. En el arte posmoderno occidental, la influencia de los "productos confeccionados" está en todas partes e inspira a las personas desde los siguientes aspectos:

La forma y la belleza no son importantes. Desde la antigüedad, los artistas han asumido como deber ineludible crear formas hermosas y han dotado a dichas obras de un estatus y valor elevados. Sin embargo, Duchamp creía que la belleza no existe y que no hay nada particularmente noble en el arte y las personas que lo crean. Le dijo a la gente que no hay diferencia entre los objetos ordinarios y las obras de arte. también hermoso. Si los bienes ordinarios no son bellos, el arte no es mejor. El llamado valor estético del arte no es más que el prejuicio de la gente. Jugó un papel importante a la hora de romper este prejuicio al enviar el orinal a la exposición.

(2) El entorno y el tiempo son más importantes que la obra Los factores decisivos para que el producto acabado se convierta en una obra de arte son el entorno y el tiempo. No tiene nada que ver con el trabajo en sí. Esto demuestra que bajo ciertas condiciones. Cualquier cosa, o incluso el comportamiento, puede ser arte; por otro lado, cuando las condiciones cambian, nada, ni siquiera el comportamiento, puede ser arte. Según los términos chinos, esto está bien y aquello está mal. Debido a que el entorno y el tiempo cambian constantemente, el clásico renacentista "Mona Lisa" podría pintarse en el siglo XX y convertirse en una broma. Colocar ruedas y taburetes en una galería de arte equivale a una escultura estructuralista.

(3) Que el arte vuelva a un estado espontáneo y natural. Las actividades artísticas iniciales de los seres humanos son espontáneas y naturales, y no requieren una formación especial. No hay diferencia entre artistas y no artistas. Pero luego hubo una división del trabajo y el arte se convirtió en un trabajo especial, por lo que hubo un estándar especial para el arte. Obviamente, esta división del trabajo y los estándares fueron producto del sistema anterior. obstaculizar el sano desarrollo de la naturaleza humana. En condiciones sociales cambiantes, no es razonable considerar estas normas existentes como la ley suprema. El "arte ya hecho" ignora por completo los estándares artísticos e incluso culturales existentes, utilizando un pensamiento aparentemente divertido pero en realidad profundo para burlarse de la moderación y la artesanía humanas en el campo cultural, pidiendo así la llegada de una nueva era llena de libertad y espíritu creativo.

(4) se denomina levantamiento de restricciones técnicas. La gente está acostumbrada desde hace mucho tiempo a tratar la creación artística como una operación técnica especializada, por eso existen academias de arte y pintores profesionales. El arte "ready-made" no tiene nada que ver con las habilidades personales del autor. Sólo requiere una visión de selección, y la selección es un proceso de pensamiento y no tiene nada que ver con la tecnología de producción de productos materiales. Duchamp dijo a la gente aquí que el valor del arte reside en el pensamiento. Con ideas, cualquier producto material puede convertirse en una obra de arte. Este método de equiparar el arte con las ideas cancela objetivamente la disciplina artística tradicional e implica el juicio teórico de que el arte y la historia del arte están a punto de terminar.

El pintor estadounidense De Koonig dijo: "El propio Duchamp inició un movimiento, un movimiento verdaderamente moderno, que lo implica todo: cada artista puede aprender de él "Inspírate", esto parece ser un "producto listo para usar". ", que fácilmente invirtió la dirección del desarrollo del arte occidental, y es la imagen de vanguardia que Duchamp dejó a las generaciones futuras. Después de Duchamp, se opuso a todos los modelos y normas artísticos establecidos y tomó el espíritu desenfrenado de libertad como objetivo de la creación artística, que se convirtió en el primer conocimiento en el mundo del arte occidental.

Características o tendencias del arte posmoderno

Aunque los diferentes tipos de arte muestran diferentes características en la etapa posmoderna, aún podemos resumir algunas características o tendencias generales.

1. Virtualización

Debido a que la "referencia" también está en el campo de la "marcación", la realidad social también se compone de interpretación simbólica, y no hay hechos desnudos fuera de la interpretación simbólica. Así, la producción artística tiene el significado de producción práctica. En la sociedad posmoderna, el arte ya no es un reflejo de la realidad, al contrario, la realidad se constituye por el arte y la realidad se convierte en una realidad virtual y construida. La producción de imágenes o vídeos se ha convertido en una forma común de hacer arte, así como en una forma posmoderna de realismo. Podemos utilizar las teorías de Welsch y Baudrillard para explicar este fenómeno.

2. Eventos

Debido a la abolición de la esencia eterna, todos los eventos accidentales tienen su propio significado. El arte escénico posmoderno resalta la no replicabilidad de los eventos y utiliza impactantes efectos in situ para alterar la relación causal y el orden racional en la vida diaria. Las teorías de Adorno y Lyotard pueden explicar este fenómeno.

3. Conceptual

El concepto de autodisciplina artística moderna ha sido subvertido. El arte en sí no es suficiente para constituir arte. El arte siempre trata de algo. La explicación teórica del arte implica también la constitución del arte. El arte se acerca a la filosofía y se convierte en un concepto ideológico. a.La teoría de Danto puede explicar este fenómeno.

4. Collage

El arte posmoderno también se considera arte poshistórico. En el mundo del arte posmoderno, la línea de tiempo que vincula varias artes que aparecieron en el pasado ha expirado. "flecha del tiempo" en la historia. El arte ya no se divide en antiguo y moderno, interno y externo. Todo el arte que ha aparecido alguna vez puede convertirse en objeto de apropiación y collage por parte de artistas posmodernos, por lo que el arte posmoderno ya no requiere originalidad. La teoría de Shusterman puede explicar este fenómeno.

5. Popular

El arte posmoderno ya no persigue el valor eterno, y al mismo tiempo se opone a la distinción entre elegancia y popularidad, élite y masa, que convierte al arte en una mercancía de consumo. sociedad, tienen características de moda y populares. Lo que es popular en el mundo del arte es la transformación de varios estilos que han aparecido en la historia, pero no importa qué estilo de transformación, es imposible ocupar una posición duradera en el mundo del arte.

Las características básicas del arte posmoderno

(1) Intentar romper la categoría estética y romper los límites entre el arte y la vida (2) Pasar de las categorías morfológicas del arte tradicional y Del arte modernista a la metodología, utilizando el arte para expresar diversas formas de pensar (3) Cambiar el énfasis de los sentimientos subjetivos al mundo objetivo (4) Indiferencia u hostilidad hacia la personalidad y el estilo. (5) De la combinación de sociedad antisensorial a maquinaria industrial y maquinaria industrial (6) Promover la popularización del arte y hacer un uso extensivo de los medios de comunicación.