¿Cuándo surgió la pintura cubista? ¿Qué país? ¿Cuál fue el primer cuadro considerado cubista?
Orígenes históricos
Construcción
El cubismo comenzó en 1906, cuando la gente vivía allí.
Residencia d'Estaque 1908 Georges Braque
Construida por Georges Braque y Picasso en Montmartre, París.
Se conocieron en 1907 y colaboraron muy estrechamente hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914.
El nombre Cubismo apareció de forma casual.
En 1908, Braque expuso su obra "Casa de Estaque" en la Galería Carnevel. El crítico L. Piston Reiss comentó en la revista "Gil Brass": "El señor Braque restauró todo... en un cubo".
Los maestros del cubismo son Picasso y Braque. Entre ellos, el óleo de Picasso "Las señoritas de Aviñón" (1907) se considera la primera obra que incluye el cubismo.
Antecedentes escolares
Arte moderno occidental es el nombre general de algunas escuelas de arte moderno desarrolladas en los países occidentales desde principios del siglo XX: fauvismo, cubismo, futurismo, escuela dadaísta, expresionismo, Surrealismo, abstracción y arte pop. La palabra "modernismo" se asocia con algunos conceptos artísticos nuevos, no tradicionales y diferentes del pasado; el arte modernista no solo es diferente del pasado. El arte tradicional tampoco incluye varias escuelas realistas modernas. No es el mismo concepto que el arte moderno occidental, sólo ocupa un lugar en él. El surgimiento del arte moderno occidental tiene sus orígenes históricos políticos, económicos, culturales y filosóficos, y está estrechamente relacionado con el proceso de la sociedad moderna occidental. Nueva revolución tecnológica, cambios en la estructura social, pensamientos de las personas, valores, relaciones entre las personas, etc. , tecnología fotográfica cada vez más madura, la introducción del arte oriental representado por grabados japoneses y arte africano, la influencia de los pensamientos filosóficos de Kant, Hegel, Schopenhauer, Nietzsche y la psicología freudiana, así como la influencia de la sociedad real occidental Todo tipo de contradicciones y las deficiencias han favorecido la formación del arte modernista.
La industria moderna, la ciencia y la tecnología han jugado un papel importante en el desarrollo del arte modernista. La psicología y la actitud de los artistas modernistas hacia la ciencia moderna y la civilización mecánica son complejas. En la práctica de algunos artistas (como el cubismo, el futurismo y el constructivismo), intentan reflejar este profundo cambio en la sociedad, mientras que en las obras de la mayoría de los artistas adoptan una actitud evasiva y distante hacia la civilización industrial. Están descontentos con la devaluación de la naturaleza humana y la apreciación de la maquinaria en la sociedad industrial. Pero esto no significa que la corriente principal del arte modernista sea contraria al proceso de la sociedad industrial. De hecho, la civilización industrial y tecnológica ha cambiado enormemente la faz de la sociedad moderna y ha promovido eficazmente los rápidos cambios espirituales en el arte moderno.
El arte modernista se alimentó inicialmente del arsenal de idealismo trascendental de Kant y, al mismo tiempo, estuvo fuertemente influenciado por el pensamiento filosófico moderno, especialmente Nietzsche, Freud, Bergson, Jung y Sargón. La teoría de Nietzsche no sólo promovió el movimiento expresionista en Alemania, sino que también tuvo un enorme impacto en todo el movimiento literario modernista. En particular, niega la autoridad, defiende la creatividad basada en la voluntad y el instinto humanos, desprecia la civilización de clase media y la moral hipócrita, defiende la inconsciencia y el instinto y mantiene una actitud pesimista hacia el futuro del mundo. Esto se refleja en las teorías y teorías. de diversas escuelas del modernismo se reflejan en la práctica. La teoría del subconsciente de Freud es el pilar teórico del movimiento surrealista, que cree que "el inconsciente es la existencia real del espíritu".
Fue bajo la guía de la teoría de Freud que los artistas de escuelas como el surrealismo utilizaron diversos métodos para explorar las profundidades del mundo espiritual de las personas. Por un lado, abrieron nuevas áreas de expresión artística y, por otro, crearon. El lenguaje artístico tiende a ser absurdo y extraño. Muchas obras de la naturaleza crean un nuevo reino de absurdo y extrañeza.
Desde la perspectiva de toda la historia del arte europeo, la tendencia del arte modernista comenzó en la época del Impresionismo. Para ser precisos, tuvo su origen en los pintores postimpresionistas franceses Cézanne, Gauguin y el pintor holandés Van Gogh. El fauvismo nació en París en 1905, con Matisse como líder y Vlaminck como columna vertebral. Inspirado por las obras de Cézanne y profundamente influenciado por Gauguin y Van Gogh en términos de forma artística, utiliza colores fuertes, líneas desenfrenadas y formas distorsionadas y exageradas para expresar sus sentimientos subjetivos sobre el mundo objetivo. Al mismo tiempo surgió también el expresionismo alemán. Niegan la objetividad del mundo real y persiguen ciegamente los propios sentimientos subjetivos del artista. Sin embargo, no prestan atención a la exploración de la forma pura, sino que utilizan el lenguaje de la pintura como una forma de resistir a la sociedad y desahogar su insatisfacción.
Dos años más tarde, apareció en París el cubismo liderado por Picasso y Braque. Primero destruye y desmembra todos los objetos, descompone las formas naturales en varias secciones geométricas y luego las combina subjetivamente, e incluso desarrolla varios aspectos diferentes del mismo objeto en la misma imagen para expresar el espacio de cuatro dimensiones. A partir del cubismo, varias teorías y conceptos nuevos llegaron a Europa, y el futurismo apareció en Italia como una vanguardia en 1909. Rechazaron los sentimientos y expectativas que se utilizaron como métodos de pintura en el pasado, respetaron las formas primitivas y negaron las cosas antiguas en los temas. Creían que era importante describir la vida urbana moderna, como el acero, la velocidad, los deportes violentos, etc. Desde entonces, la pintura modernista se ha convertido en la tendencia dominante en la pintura, así como el dadaísmo, el surrealismo, el arte abstracto, la pintura de acción, el arte pop, etc. Todos compitieron en el escenario y estaban décadas por delante.
Comparado con el arte tradicional basado en el realismo y la imitación, el arte modernista tiene características simbólicas, expresivas y abstractas. Muchas escuelas del modernismo afirman ser antitradicionales, pero en realidad es posible que hayan abandonado la tradición por completo. Lo que intenta negar y rechazar es la tradición realista con características académicas desde mediados del siglo XIX. Al abordar el patrimonio histórico, prestaron más atención al estudio del arte social primitivo, el arte egipcio y mesopotámico, el arte antiguo griego y el arte medieval europeo. Después del impresionismo, los artistas occidentales comenzaron a centrar su atención en el arte de China, Japón y la India. El lenguaje expresivo de la pintura y la artesanía, explorando la pincelada a mano alzada. Los artistas fauvistas y cubistas estaban en deuda directa con la escultura africana. Al mismo tiempo, el arte islámico de Oriente Medio y el patrimonio artístico de Oceanía son también objetos de investigación de los artistas modernos. El patrimonio artístico mencionado anteriormente en la historia de la humanidad ha proporcionado un alimento útil a los artistas modernistas.
En general, desde el siglo XX, el arte moderno occidental se ha adaptado a las necesidades de las personas en la sociedad moderna y ha creado una serie de obras que pueden incorporarse a la cultura humana clásica. Sin embargo, las teorías de todas las escuelas y tendencias de pensamiento son irreprochables, sin mencionar que las tendencias ideológicas de algunas de ellas son dignas de estudio. Algunas escuelas de arte modernista muestran un gusto artístico idealista y pensamientos decadentes; pero los artistas más modernistas muestran un carácter rebelde, enfatizan su propio valor, expresan la mente subjetiva del artista y también crean muchos métodos de expresión artística y nuevos materiales.
El cubismo tuvo dos escuelas en el siglo XX.
Una es la secta Washingchuan, que también es la secta ortodoxa. Los representantes de este grupo son Picasso y Braque.
La otra escuela es la Escuela Beehive, representada por un grupo de pintores cubistas en ascenso. La popularidad del cubismo también fue catalizada por estos pintores de la colmena.
Etapas de desarrollo
El cubismo ha pasado por tres etapas de desarrollo.
(1) El período Cézanne de 1907 a 1909, es decir, la etapa temprana de desarrollo, fue la gestación y etapa inicial del cubismo. Los pintores durante este período buscaron principalmente formas geométricas simples, abandonaron el análisis de la luz y el color y buscaron formas de objetos;
(2) Período del cubismo analítico de 1909 a 1912. Pero todavía se centran sólo en la descomposición de la forma, no en la reorganización general, y los colores son relativamente únicos.
(3) El período del cubismo sintético de 1912 a 1914. De 1912 a 1914 entró en el período del "cubismo sintético". Durante este período, los pintores comenzaron a prestar atención al efecto general del cuadro en lugar de simplemente enfatizar la descomposición local.
Los colores se enriquecen gradualmente y se vuelve a enfatizar la forma de las cosas.
La exploración de los pintores cubistas se originó a partir de la teoría y la práctica creativa de Cézanne. Consideran la frase de Cézanne "la naturaleza debe expresarse mediante cilindros, esferas y conos" como su búsqueda artística. En esencia, esto es el reflejo de la realidad social de la civilización industrial y la era de las máquinas de principios del siglo XX en el espíritu del pintor.
Picasso dijo una vez: "Hacemos cubismo no para hacer cubismo, sino para expresar lo que tenemos". Braque admitió: "El cubismo, o más bien yo, el cubismo fue el medio que creé y utilicé para adaptar la pintura a mi genio." La unión de sus dos temperamentos, y su reunificación a través de los esfuerzos de Grice y Legge, dieron como resultado un Cubismo Dinámico.
La aparición del método pictórico del cubismo pasó por un proceso de gestación. Después del postimpresionismo y el simbolismo, los artistas jóvenes generalmente se preocupan por cómo innovar formas para expresar las emociones internas y la psicología de las personas en una sociedad industrial que cambia rápidamente. Aparecieron nuevas escuelas en Francia, Alemania, Italia y Rusia. En Francia, con el auge del animismo, otro grupo de escritores y artistas se reunió en la "lavandería móvil" de Montmartre. Picasso, Braque, Laurentson, Apollinaire, Salmon, Renard, Gris, Léger, etc. Fueron apoyados por un comerciante de arte, D.-H. Carnweiler, que abrió una galería en París, conocida como la Sociedad Cubista. También participaron en actividades cubistas R. Deleon y A. Glaize. En 1910 se estableció una nueva sociedad cubista con J. Perón como centro. Debido a sus frecuentes actividades en Pitoux, Francia, se le llamó Grupo Pitoux. También estuvieron asociados al Grupo Pito el pintor holandés P. Mondrian y el pintor mexicano J. de Rivera. Dieron orden y reglas al cubismo analítico, promoviendo así el desarrollo del cubismo en una dirección más abstracta y subjetiva. A partir de 1912, Picasso y otros llevaron a cabo exhaustivos experimentos cubistas. Dentro de la estructura rota y transparente del cubismo analítico, todavía hay una fuerte sensación de luz y espacio. El pintor concentra objetos observados en diferentes estados y diferentes puntos de vista en un plano para producir un efecto de experiencia general. El cubismo sintético ya no parte de la disección y análisis de un determinado objeto, sino que crea nuevos motivos combinando una variedad de materiales diferentes e intenta acercar al artista a la realidad cotidiana de la vida a través del collage físico.
Aunque la Sociedad de la Sección Áurea, una rama del cubismo, continuó realizando exposiciones en 1920 y 1925, el cubismo como movimiento artístico perdió su vitalidad ya en 1914.
El cubismo es una escuela de arte llena de ideas. Persigue principalmente la belleza de las formas geométricas y la belleza producida por la disposición y combinación de formas. Niega el método tradicional de observar y expresar las cosas desde un punto de vista, simplificando la imagen tridimensional en una imagen plana y bidimensional. El interés por la luz y la sombra, la luz, el aire y la atmósfera deja paso al interés y la concepción artística de las líneas rectas y curvas apiladas y contornos y bloques entrelazados. No vemos las cosas desde un solo punto de vista, sino que damos forma a las cosas que observamos y entendemos desde diferentes puntos de vista en la imagen, mostrando así la continuidad del tiempo. Al hacerlo, es obvio que no nos basamos principalmente en la experiencia visual y el conocimiento perceptivo, sino que nos basamos principalmente en la razón, los conceptos y el pensamiento.
Bajo el lema antitradicional, el cubismo tenía una fuerte tendencia formalista. Sin embargo, su exploración de formas artísticas ha promovido en gran medida los campos de las artes prácticas que prestan atención a la belleza formal, como las artes y oficios modernos, las artes decorativas y el arte arquitectónico.
La aparición del cubismo es también inevitable para el desarrollo del propio arte. En la pintura tradicional, las pinturas sólo se basan en la naturaleza objetiva, y sólo se representa una parte y un lado de la naturaleza. Con los cambios en la vida moderna de la gente moderna: objetividad y microscopicidad, velocidad y variabilidad, así como las limitaciones de las máquinas en las personas, se requieren pinturas que muestren tal diversidad y complejidad, la visión de la belleza geométrica del antiguo Platón griego y La deliberada de Cézanne; La representación de la estructura de las cosas y la perspectiva atemporal, junto con la ilustración de la escultura africana negra, llevaron a la creación del arte cubista.
Características principales
Artistas que buscan constantemente nuevas ideas, Braque y Picasso, buscan nuevos temas y expresiones espaciales en la pintura. Fueron influenciados por Paul Cézanne, Georges Seurat, la escultura ibérica, el arte tribal africano (aunque Braque lo refutó) y el fauvismo. Los pintores cubistas aceptaron la idea de P. Cezanne de crear imágenes visuales tridimensionales y luego se dedicaron a la búsqueda de imágenes psicológicas tridimensionales.
Los artistas cubistas buscaron la fragmentación, el análisis y la recombinación de formas para formar una imagen separada, con muchos fragmentos combinados sirviendo como objeto de presentación del artista. El artista describe el objeto desde múltiples ángulos y lo coloca en la misma imagen para expresar la imagen más completa del objeto. La superposición de objetos en varios ángulos crea muchos ángulos lineales verticales y paralelos, y las sombras dispersas hacen que las imágenes cubistas pierdan el sentido tridimensional causado por la perspectiva tradicional de la pintura occidental. El fondo y el tema del cuadro se intercalan alternativamente, dando al cuadro cubista las características de una pintura bidimensional.
El cubismo se diferenciaba de otros movimientos artísticos como el futurismo. No tiene ningún "manifiesto" para expresar su programa creativo, dejando sólo algunas observaciones dispersas. Los pintores cubistas no tuvieron una orientación teórica sistemática y cada uno exploró según sus propias ideas. Picasso decía: "Quiero pintar según mi imaginación, no según lo que veo". Braque también decía: "El pintor no quiere constituir una anécdota, sino crear un hecho pictórico en los primeros tiempos del cubismo". En la obra solo se utilizan tonos grises. Debido al uso de colores neutros, todo el espacio no mira particularmente hacia adelante o hacia atrás. El concepto de cubismo también ha pasado por un proceso de desarrollo y cambio. Su desarrollo ha pasado por tres períodos: el período Cézanne de 1907 a 1909; el período del Cubismo Analítico de 1909 a 1912. Primero, rompieron el método de pintura tradicional que sólo puede expresarse desde un punto de vista fijo, y luego los dispusieron en el mismo plano de pintura. A medida que la exploración se profundizó, descubrieron que ese "análisis" a menudo hacía que la imagen perdiera su forma original y cayera en una forma abstracta. Por tanto, de 1912 a 1914 entraron en el período del "cubismo sintético". Su punto de vista es que en lugar de representar la forma externa de objetos objetivos, es mejor introducir objetos objetivos en las pinturas para que los objetos concretos puedan integrarse con formas estructurales abstractas.
Aunque las pinturas cubistas no son "tridimensionales" y resulta difícil comprender la relación entre objetos e imágenes, creen que el "realismo" del espacio tridimensional dibujado mediante técnicas realistas tradicionales es falso. . Howgate, el teórico que los defendió, dijo: "Es una estafa dibujar una elipse si la copa es redonda, y también es una estafa dibujar un óvalo cuando la copa es redonda. Esta "teoría" engañosa es en realidad ". palabras fuertes". Dado que los cambios de perspectiva en la visión están determinados por la estructura especial del globo ocular, los humanos comprenden correctamente el mundo basándose en este órgano específico. Aunque parece que el edificio del fondo es más pequeño que el libro que tienes en la mano, todos saben que el edificio del fondo es mucho más grande e incluso pueden estimar cuántas veces es. El cubismo, sin embargo, reinventó una forma de entender los objetos que, en términos generales, combinaba en un solo plano la impresión de un objeto desde arriba, desde abajo, izquierda, derecha, frente y atrás. Las primeras obras del "cubismo analítico" son como recortes de papel pegados, y las obras posteriores del "cubismo sintético" son como vidrios rotos apilados. El primer teórico del cubismo, Grice, dijo: "Por mucho que los ojos puedan ver, hay tantos fenómenos en el objeto, tanto como el cerebro comprende, tanta sustancia como la materia. Esto se centra completamente en la subjetividad personal del pintor, usando". personal " "La comprensión en el cerebro" reemplaza las leyes del mundo objetivo mismo. Y añadió: "La pintura debe utilizar su propio lenguaje para controlar y guiar al público, en lugar de pedirles que comprendan". Entonces, ¿tiene el cubismo algún principio claro para la expresión artística? ¿Qué tipo de gramática utilizan para "controlar" y "guiar" a la audiencia? Le preguntan al pintor francés Braque, fundador de esta escuela de pintura. El pintor cubista respondió: "Preferiría hacerlo borroso que hacerlo más claro". "Está lejos de hacer feliz a la gente, pero sí de confundirla. Cuando el cubismo estaba de moda en 1911, un grupo de personas que adoraban el new Varios jóvenes artistas visitaron a Picasso. Un joven preguntó cuidadosamente al maestro cubista si debía dibujar los pies humanos redondos o cuadrados según los principios del cubismo. Picasso respondió con autoridad: "¡En la naturaleza no hay pies!". "Así que el joven elegante despertó de su sueño y se fue volando feliz con este famoso dicho. [1]
Influencia principal
La característica principal de la creación cubista es destruir y desmembrar todas las imágenes de los objetos en la imagen, y luego juntarlas subjetivamente y combinarlas para expresar diferentes lados de los objetos en una forma llamada muestra tridimensional. espacio bidimensional y tridimensional, e incluso mostrando una estructura y un tiempo invisibles a simple vista (espacio cuatridimensional), representa una tendencia racional frente al fauvismo salvaje.
Se cree que las pinturas impresionistas y fauvistas imitan la naturaleza y son obras de arte esencialmente expresivas cuyo significado reside en nuevos conceptos de manipulación espacial, que de hecho fueron la fuente directa de las escuelas de pintura abstracta y no representacional que dominaron el arte en el siglo XX. . Comparado con las características románticas del estilo expresionista, se puede decir que el estilo cubista es clasicista y formalista.
El cubismo es un movimiento y escuela pictórica con gran influencia en el arte moderno occidental. Su actividad artística está directamente relacionada con la visión artística de Cézanne. El propio pintor cubista afirmó también que "quien entiende a Cézanne, entiende el cubismo". Se esfuerzan por reducir los elementos descriptivos y expresivos de su obra, intentando organizar una estructura geométrica. Si bien sus obras aún mantienen un cierto grado de concreción, sus objetivos son fundamentalmente muy diferentes de la representación objetiva. A partir de Cézanne desarrollaron un lenguaje pictórico llamado "visión simultánea", que combinaba diferentes visiones de un objeto desde múltiples ángulos en la misma imagen de un cuadro. El pintor creó una nueva técnica y lenguaje artístico, utilizando objetos reales para hacer un collage de la imagen, fortaleciendo aún más los cambios de textura de la imagen y planteando la cuestión de qué es real y qué es una ilusión entre la naturaleza y la pintura. El cubismo era un estilo de pintura, pero también tuvo una profunda influencia en la escultura y la arquitectura del siglo XX.
Aunque el cubismo es extremadamente odiado por el mundo, después de todo tiene un significado trascendental. Se convirtió en fuente de inspiración para muchos pintores de las décadas siguientes y en símbolo de ruptura con la tradición. Este movimiento vigoroso y fructífero es inseparable de la estrecha colaboración entre Picasso y Braque. Bajo el lema de antitradición, el cubismo tenía una fuerte tendencia al formalismo. Aunque el movimiento artístico cubista alcanzó su apogeo hace sólo siete años, tuvo un impacto extremadamente amplio. La exploración de las formas artísticas por parte del cubismo influyó en artistas de toda Europa en la primera década del siglo XX, inspirando una serie de movimientos de reforma artística como el futurismo, el estructuralismo y el expresionismo, especialmente reflejados en la influencia de las artes y oficios modernos, las artes decorativas, y arte arquitectónico y otras áreas del arte práctico que se centran en la belleza formal.
Figuras representativas
Pablo Picasso
Pablo Picasso, 1881-1973, España, Les Demoiselles d'Avignon;
Picasso;
Picasso nació en Málaga, una ciudad portuaria del sur de España. Su padre era profesor de arte y alguna vez trabajó como curador de arte. Picasso, de 14 años, fue admitido en la clase superior de la Escuela de Arte de Barcelona donde enseñaba su padre. Cuando se graduó a los 16 años, su cuadro "Visitando a los pacientes" participó en la Exposición Nacional de Arte y tenía un nivel de modelado muy realista. Posteriormente ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de Fernando de Madrid. Pero prefiere absorber libremente la nutrición artística en las galerías de arte y en las calles.
Picasso, de 19 años, llegó a París. Debido a la pobreza, ha estado viviendo en el fondo de la sociedad. En ese momento pintó algunos cuadros al óleo con el tema de los amigos pobres, y los cuadros estaban llenos de fríos tonos azules. Este es su "período de melancolía". En abril de 1904 se instaló en los barrios bajos de París y vivió una vida libre y romántica. En este momento, pintó muchos cuadros con el tema de la vida de los artistas errantes, y el color apareció rosa cálido. Este fue su "período rosa". Posteriormente, fue influenciado por el arte de Cézanne y estudió la estructura de la pintura basándose en Cézanne. Sus obras muestran una tendencia geométrica, comenzando a descomponer las imágenes en varios planos para luego volver a ensamblarlas. En 1907, creó la obra que hizo época "Las señoritas de Aviñón", que marcó el comienzo del período de investigación y creación del cubismo analítico. Pronto utilizó técnicas de collage para crear, lo que marcó el final de su cubismo analítico y avanzó gradualmente hacia el "cubismo sintético". La principal tendencia en las pinturas de Picasso después de los 32 años fue el modelado rico, es decir, el uso del espacio, el color y la línea, que recuerda a Cézanne.
Desde entonces, Picasso ha entrado en un período de exploración inquieta tras otro. Sus obras, como su vida, no tienen unidad, continuidad ni estabilidad. No tiene ideas fijas, es cambiante, apasionado o maníaco, adorable y odioso, sincero y pretencioso, adorable y molesto, impredecible e impredecible, pero siempre es leal a la libertad. Nunca ha habido un pintor en el mundo que recreara el mundo a su antojo, con una franqueza asombrosa y una creatividad ingenua, y con total libertad para ejercer el poder a su antojo. Quería crear todo sin reglas ni prejuicios, no tenía reglas a seguir en su camino artístico. Pasó del naturalismo al expresionismo, del clasicismo al romanticismo y de nuevo al realismo.
De lo concreto a lo abstracto, de un lado a otro, se opone a todas las limitaciones y a todas las visiones sagradas del universo. Sólo le conviene la libertad absoluta.
Fernand Léger
Fernand Léger, Francia, 1881-1955.
Nació en Agen, Francia. A los 19 años llegó a París para servir en el ejército en el Palacio de Versalles. Cinco años después, se instaló en Beehive y comenzó a dejarse influenciar por el arte de Cézanne. En 1910 conoció a Picasso y Braque. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial en 1914, fue reclutado nuevamente por el ejército. Pintó cuadros que mostraban soldados y máquinas de guerra en el frente, y los aspectos mecánicos de las máquinas de guerra influyeron especialmente en sus sentimientos. Se retiró porque fue envenenado en la batalla de Verdún.
El fuerte sentimiento de Legg por las máquinas se tradujo en dibujar objetos en conos, cilindros y poliedros. En contacto con la realidad exterior, innovó sus propios métodos de inspiración y expresión. La mayoría de los temas creativos de Legg provienen de elementos producidos por la civilización industrial. También introdujo imágenes humanas en el mundo mecánico, dando a las imágenes una sensación mecánica e inhumana. Algunas personas llaman a su cubismo "cubismo mecánico".
No hay rastros de antigüedades en las obras de Legge, ni referencias a la historia y la literatura, ni mitos, lirismo y romance, sólo fuerza y voluntad, orden y generosidad, honestidad y salud. Los críticos lo han llamado un "primitivo moderno" o un "hombre clásico moderno". En sus pinturas, Legge siempre piensa en la vida ruidosa, rápida y tensa, en los grandes edificios, en el medio ambiente y en los nuevos espacios a los que nos vemos obligados a trasladarnos. Insinuó este nuevo espacio no sólo con el color, sino también con las formas que capturó en fuerte contraste.
Georges Braque
Georges Braque, 1882-1963, Casa de Estaque;
Entre los pintores cubistas, Georges Braque Lack (1882-1963) fue tan influyente como Picasso. Tanto él como Picasso fueron fundadores del movimiento cubista y el nombre "cubismo" proviene de sus obras. Además, fue responsable de muchas de las innovaciones del movimiento cubista, como la introducción de letras y números en las pinturas, el uso del collage, etc. Las obras de Braque son en su mayoría bodegones y paisajes, con un estilo sencillo, riguroso y unificado. Más que todos los demás pintores cubistas, aportó un análisis irreductiblemente específico e incisivo, una rara armonía de color y una elegante fluidez de líneas que ninguno de sus compañeros pudo lograr.
Braque nació en el seno de una familia de pintores en Argentay-sur-Seine. Su padre y su abuelo eran pintores aficionados, lo que hizo que desde pequeño se interesara por la pintura. Del 65438 al 0893, la familia Braque se mudó a Le Havre, donde pronto estudió en una escuela de arte local. Del 65438 al 0902 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París, bajo la tutela de Beaune, y posteriormente fue trasladado a la Academia del Ámbar. Fundó su propio estudio en 1904. Después de visitar el Salón de Otoño en 1905, se interesó por la pintura fauvista y pasó los dos años siguientes participando en el movimiento pictórico fauvista. Sin embargo, el tono "tranquilo y cantabile" de sus obras es muy diferente de aquellas auténticas obras fauvistas con colores fuertes y pinceladas atrevidas y excitantes. "Su temperamento es extremadamente estable, por lo que no abusa de la libertad del pintor fauvista para entregarse a él". En 1907 conoció a Picasso y se sintió profundamente atraído por su obra "Las señoritas de Aviñón". Se hicieron amigos íntimos y juntos planearon el movimiento cubista.
En 1908, Braque llegó a Estaque. Allí es donde Cézanne pintó muchos de sus paisajes en sus últimos años. Allí, Braque comenzó a explorar las formas geométricas detrás de la apariencia de la naturaleza a través de pinturas de paisajes. Su casa de Estac es típica de su época. En esta pintura, las casas y los árboles se simplifican en formas geométricas. Esta expresión procede evidentemente de Cézanne. Cézanne resumió las diversas formas de la naturaleza en cilindros, conos y esferas, mientras que Braque fue un paso más allá y persiguió esta representación geométrica de los objetos naturales. Comprimió la profundidad espacial de la imagen de una manera única, haciendo que la casa en la imagen pareciera una caja de cartón torcida, en algún lugar entre un efecto plano y tridimensional. La disposición del paisaje en el cuadro no se superpone por delante y por detrás, sino que avanza de arriba a abajo, de modo que algunos objetos llegan a la parte superior del cuadro. Todas las escenas del cuadro, tanto las más profundas como las más profundas, se presentan con igual claridad. Debido a que el estilo pictórico de Braque mostró claramente la influencia de Cézanne en esa etapa, esta etapa también se llama el "Período del Cubismo de Cézanne".