Habilidades de edición cinematográfica de los directores

12 técnicas de edición de películas de directores

Los métodos de edición de películas tienen como objetivo principal garantizar la distinción de la representación de los personajes, la coherencia de la trama, la racionalidad de las relaciones de tiempo y espacio, y el ritmo. Precisión de procesamiento. Entonces, ¿cuáles son las técnicas de edición de películas? ¡Lo siguiente es solo como referencia!

1. La edición debe ser compacta.

Pausas innecesarias en el diálogo de los actores. Acorte el espacio en blanco entre oraciones e incluso elimine los diálogos largos y sin importancia. Pero antes de cortar el diálogo, busque primero la opinión del director.

En términos generales, mi enfoque es editar una versión exacta desde el principio, en lugar de cortar una película más larga y luego reducirla. La capacidad de atención de la mayoría de los cinéfilos generalmente no supera los 90 minutos, lo que equivale a la duración de una película promedio. Si la película dura aproximadamente 100 minutos después del corte inicial, básicamente necesitas continuar cortando hasta 90 minutos para que la película sea más ajustada. Pero si la película está dos horas o más después del corte inicial, será necesaria una "cirugía mayor".

2. Música temporal.

A muchos editores les gusta editar películas con música de fondo temporal, tratando la música temporal como un marcador de posición.

Aquí hay dos razones por las que no defiendo este enfoque:

Primero, una vez que a la gente le gusta la música temporal, es difícil encontrar una banda sonora adecuada que se sienta bien.

En segundo lugar, la música temporal puede convertirse en tu "apoyo espiritual". Serás más indulgente cuando las escenas aburridas se combinen con música interesante. Prefiero tomar una escena cinematográfica poderosa y hacerla perfecta con una edición adecuada.

Si una escena se sostiene por sí sola, la banda sonora es la guinda del pastel. La única excepción es la ambientación musical de los planos del montaje. Por lo tanto, puedo hacerlo mejor al editar.

3. No utilices el método de edición del Abierto de Francia.

La serie de televisión francesa original utilizaba un método de edición de diálogos específico: el sonido y la imagen estaban completamente sincronizados y no había superposiciones.

El método comúnmente utilizado es: cortar la escena A - A termina de decir el diálogo - cortar la escena B - B termina de hablar - volver a cortar a la escena A y continuar editando de esta manera.

El maestro de edición Walter Murch llamó a este método de edición edición estilo Abierto de Francia. Pero, de hecho, el público responde mejor a los cortes que no se superponen con el sonido y la imagen.

Creo que este método de edición se acerca más a la vida real. Primero escuchamos a alguien comenzar a hablar y luego levantamos la vista para verlo. O una persona está hablando y miramos cómo reaccionan nuestros amigos. Este método de edición se acerca más a las reacciones naturales de las personas y hará que la película sea más fluida.

4. Coordinación de actuaciones.

Usar gestos, accesorios, líneas de visión o movimientos de los actores es uno de los métodos de edición.

Pero Walter Murch dijo que la mejor manera es dejar que las emociones se revelen de forma natural, o recortar un ritmo narrativo fluido es lo que menos hay que considerar.

Sin embargo, no hay que ignorarlo, porque los movimientos no coincidentes dificultarán que el público se introduzca en la obra. Sin embargo, un amigo editor me dice a menudo que "centrarse demasiado en las coincidencias limitará la edición". Si el público está plenamente involucrado, a menudo pasarán por alto las discontinuidades en las tomas. El trabajo del editor es integrar al máximo al público en la trama.

5. Mueve la cámara.

Los planos en movimiento son la principal forma de rodar películas de acción. Pueden ser cámaras de seguimiento, cámaras boom, estabilizadores de cámara o cámaras de mano.

Las películas de acción suelen presentar una atmósfera tensa. Cuando edito una película, me gusta editar mientras la cámara está en movimiento, de modo que plano tras plano esté en movimiento, pero muchos directores no están de acuerdo y prefieren editar antes de que la cámara comience a moverse o después de que deje de moverse. Pero prefiero un estilo de edición ajustado que mantenga ocupada a la audiencia.

6. No edites siempre en el mismo ángulo.

Si el director rueda muchos planos desde distintos ángulos, no recortes mecánicamente hasta el mismo ángulo, ni vuelvas a leer la misma serie de planos que utilizaste no hace mucho.

Por supuesto, solo hay dos ángulos en una escena de diálogo, por lo que es difícil evitar la edición repetida. Sin embargo, si el director filma con diferentes marcos de lentes según las diferentes necesidades, entonces también podría reflexionar. la intención del director a través del montaje. No se limite a reglas de edición, como toma maestra/una toma/inversa, toma maestra/una toma/inversa, etc. Puedes intentar mezclar y combinar.

7. Las lentes están dispuestas en grupos de tres.

Cuando es necesario cambiar de escena, suele ser un grupo de tres. Mantenga presionado durante al menos 1,5 a 2 segundos o más.

Por ejemplo, en la escena en la que el protagonista entra a la habitación y mira a su alrededor, editar tomas de puntos de vista en grupos de tres puede mostrar visualmente a la audiencia toda la escena que ve el protagonista, imitando nuestro mundo real y permitiendo a la audiencia estar allí.

8. Concéntrate en editar los ojos del actor.

Los actores llaman la atención en la televisión, en el cine y en el escenario con su cara, pero lo más importante son sus ojos.

Cuando edito escenas de diálogos intensos, siempre presto atención a los ojos de los actores. ¿Transmiten las emociones adecuadas? ¿Cómo reaccionaron los actores ante la obra? La actuación del actor determina mi montaje. Este principio me permitió centrarme más en ofrecer diálogo a los actores principales y eliminar las reacciones de los demás.

9. Eliminar el "aire" en la actuación del actor.

Similar al primer punto: me gusta la edición ajustada. Tenga en cuenta que la mayoría de los actores exageran sus actuaciones más allá de lo apropiado. Los actores enfatizarán las pausas, agregarán más errores de los que exige el guión, tartamudearán más y mirarán más tiempo, pero es trabajo del editor hacer que la actuación vuelva a la normalidad cortando apropiadamente. Elimine la acción y los diálogos extensos para que la película sea realista y no artificial.

10. Desarrollar una trama.

Se dice que existen tres tipos de películas en el mundo: tipo guión, tipo rodaje y tipo edición.

No importa qué tipo de edición hagas, debes prestar mucha atención al contexto de la historia y no tener miedo de cambiar el guión o el contenido del rodaje, siempre que tenga sentido. Muchos editores utilizan guiones gráficos para presentar visualmente la historia. Esto puede ayudarle a asegurarse de presentar su historia de la manera más lógica a su audiencia.

11. Utilizar dispositivos de asistencia digitales.

Los medios digitales, como los NLE modernos y las técnicas de acabado, proporcionan a los productores muchas herramientas auxiliares.

Por ejemplo, las imágenes digitales se pueden ampliar muchas veces. Puedes utilizar estas herramientas para acercar una toma y capturar escenas amplias o primeros planos, lo cual es fácil de hacer si estás filmando con una cámara digital RED con película de 35 mm. Siempre que mantengas la calidad de la imagen, no temas hacer zoom y disparar.

Muchos editores suelen hablar del uso de varias pantallas para editar. Por lo general, cuando el tiempo de los dos actores no coincide con el preestablecido (como en una toma por encima del hombro o un primer plano doble), pero se puede editar el ritmo de la escena apropiado para ralentizar el tiempo entre los dos actores.

Si la cámara está bloqueada y la superposición de los movimientos del actor no es demasiado compleja, entonces se puede crear una toma OTS completamente nueva de una manera más sencilla. Produce un efecto visual donde los dos actores se desvían en el ritmo de sus actuaciones.

12. Toma tus propias decisiones pero considera también a las demás.

Como editor, tu responsabilidad es formar la trama y captar el ritmo de la película.

El punto más importante es ayudar al director a conseguir efectos visuales creativos. Pero también debes tener tus propias ideas. La mayoría de los editores completan el primer corte de forma independiente. Esta es tu primera oportunidad de poner tu propio sello distintivo en la película. Una vez completado el montaje inicial, el director trabajará con el editor para convertir el montaje en la versión que el director desee.

Las decisiones que tomas al editar y cambiar la actuación de un actor afectan la experiencia de la audiencia. Por ejemplo, eliminar partes repetitivas del diálogo puede aumentar la tensión en la escena. Esto transmite la idea de que, incluso una vez finalizado el rodaje, no se puede descuidar el trabajo de edición.

Las decisiones que toma el editor pueden cambiar fácilmente la emoción que transmite la escena, por lo que cualquier decisión debe estar guiada por la trama. Por supuesto, sólo puede realizar dichas modificaciones si existe una razón lógica y el director está de acuerdo. Si no, proporcione alternativas.

Me gusta revisar el encuadre antes de elegir la mejor escena.

Inicialmente, el director podría haber marcado el tercer y cuarto plano de los cuatro como fotogramas, y yo podría empezar a utilizar el primer plano y luego la segunda mitad del cuarto plano.

Mientras reintroduzco el diálogo de los actores, a menudo corto escenas que contienen muy pocas tomas de encuadre. Si bien ya ha pensado en los motivos de las ediciones que ha realizado, esté preparado para los cambios.

La mayoría de los directores no revisarán cada toma en la posproducción, sino que harán modificaciones en función de la versión de tu interpretación, independientemente de si aprecias la actuación del actor o no. Si aprecian una actuación diferente de un actor, pueden sugerir cambios de edición o encontrar la parte correcta de la toma. Cuanto más fresca se sienta la escena editada y ofrezca la interpretación más convincente, más apreciará el director su técnica. ;