Características de las películas americanas
1) Grandes empresas en Hollywood
En 1900, Hollywood era sólo una ciudad escasamente poblada a más de diez kilómetros del centro de Los Ángeles. Los Ángeles originalmente pertenecía a México, y California se convirtió en ciudad estadounidense solo después de ser incluida en el territorio de los Estados Unidos. En 1886, el agente inmobiliario Harvey Wilkerts compró un terreno aquí. Su esposa plantó una gran cantidad de acebos traídos de Escocia y nació el nombre de Hollywood (en inglés, Hollywood significa bosque de acebos). Hoy en día, Hollywood tiene un gran significado simbólico en la cultura estadounidense. Lugares prestigiosos como Sunset Strip, Beverly Hills, el Valle de San Fernando, Santa Mónica y Malibu Beach son nombres cargados de mitología moderna. Se puede decir que la historia del desarrollo de Hollywood es la historia del desarrollo del cine estadounidense.
En 1907, el director Francis Burgess llevó a su equipo de filmación a Los Ángeles para rodar "El Conde de Montecristo". Descubrieron que el hermoso paisaje natural, la abundante luz y el clima adecuado eran un lugar natural para filmar. A partir de 1909, el famoso productor Griffith rodó varias películas en Hollywood con fondos naturales. En aquella época, el centro del cine americano estaba en el Este, con Nueva York como base. Desde entonces, muchas compañías cinematográficas han venido aquí para filmar, iniciando el gran traslado de la industria cinematográfica estadounidense a Hollywood. Desde 1912, muchas compañías cinematográficas se han establecido en Hollywood. En 1928, las "ocho grandes compañías cinematográficas" habían formado una situación que dominaba el mundo. Las ocho principales compañías cinematográficas son:
Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Marcus Lowe es el presidente de Rockefeller Co., Ltd. En 1920, adquirió Metropolis Production Company. , y más tarde Goldwyn Company, y finalmente se fusionó con Louis B. Meyer Production Company para formar Metro-Goldwyn-Mayer. Rockefeller retuvo la parte de las salas de cine, mientras que MGM se encargó del estudio. Después de la muerte de Lowe's y de que Nicholas Schenck se convirtiera en presidente, Thalberg volvió al papel de productor. Thalberg murió en 1936 y tres años después, MGM estrenó "Lo que el viento se llevó". En 1973, MGM enfrentó limitaciones financieras y tuvo que abandonar la distribución y reducir la producción. En 1981, Kerkorian tomó el control de United Artists Studios, propiedad del conglomerado financiero Pan American Corporation, y formó MGM/United Artists Entertainment. En 1985-1986, Ted Turner, propietario de Cable News Network, compró el estudio y luego lo vendió a Kerkorian, conservando sólo la filmoteca. En 1990, el italiano Giancarlo Parretti y su holding Patai Communications adquirieron MGM con la ayuda de Time Warner. En 1989, MGM/United Artists tenía una cuota de mercado del 6%.
Paramount
El propietario del estudio estrella, Adolf Zucker, adquirió Lasky Feature Film Company en 1916. Después de varios cambios de nombre, en 1930 pasó a llamarse Paramount-Pablix. Su poder aumentó enormemente al utilizar el crédito de Wall Street para comprar algunas salas de cine. En 1932 se produjo una grave crisis financiera que llevó a la empresa a la quiebra. De 1933 a 1936, Paramount se reorganizó bajo el liderazgo de Barney Balaban. En 1946, las ganancias de la empresa alcanzaron un récord de 39 millones de yuanes. En ese momento, la Corte Suprema obligó a Paramount a vender sus salas de cine. Desde 1971, Frank Yablans, Robert Evans, Martin Davis y Frank Mancuso han sido presidente de la empresa. Como uno de los Cuatro Grandes, Paramount tenía una participación de mercado del 14% en 1989 e intentó adquirir Time Warner, pero fracasó después de una demanda.
20th Century Fox
La Fox Film Company de William Fox se fundó en Hollywood en 1917. En 1927, la empresa invirtió mucho en el desarrollo de la tecnología de películas sonoras de Fox y entró en disputas legales con las leyes antimonopolio.
En 1929, Wall Street enfrentó dificultades financieras después de una crisis financiera. Después de la muerte de William Fox, la compañía se fusionó con 20th Century Productions de Daryl Zanuck y Frank Schenker en 1935 para convertirse en Twentieth Century Fox. En 1981, Fox Corporation fue adquirida por el magnate petrolero Marvin Davis, quien vendió la mitad de sus acciones al magnate de los periódicos australiano Rupert Murdoch. Fox ocupaba el sexto lugar en 1989, con una participación de mercado del 6%.
Warner Brothers
Warner Brothers formó Warner Bros. Production Co., Ltd. en 1923, anexó Vitagraph Corporation en 1925 e invirtió en su hijo en tecnología de audio desarrollada por Vitifone Corporation en cooperación. con la Compañía Eléctrica Occidental. El primer cine sonoro, The Jazz Singer (1927), agotó los esfuerzos de Sam Warner y murió ese mismo año. Warner Bros. se dedicó a la producción de películas para televisión en la década de 1950. En 1957, Jack Warner retuvo sólo una pequeña participación en Warner Corporation. En 1967, Warner Corporation fue adquirida por Seven Arts Production Company y en 1969 fue adquirida por Kinney National Service Company. La compañía de Burbank, dirigida por Stephen Ross, pasó a llamarse Warner Communications, Inc. en 1971, y sus divisiones de cine, grabación y televisión conservaron el nombre de Warner Bros. y fueron dirigidas por Ted Ashley. De 1983 a 1984, Warner atravesó una grave crisis financiera. Con Terry Seymour, la empresa se recuperó gracias al éxito de películas como "Gremlins" y "Batman". En 1989, Warner ocupaba el primer lugar entre los ocho principales estudios cinematográficos, con una cuota de mercado del 19%. En ese momento, Time Inc. se fusionó para convertirse en Time-Warner.
Radio-Keith-Orpheum (RKO)
RKO es la empresa más joven entre las ocho principales empresas de Hollywood. Fue fundada por David Sarnoff en 1928. Se formó mediante la fusión de varias empresas. con la Radio Corporation of America de Joseph Kennedy. Productores independientes como Walt Disney, Orson Welles y Selznick se unieron a RKO y realizaron contribuciones destacadas al desarrollo de la empresa. En 1948, la empresa estaba controlada por el magnate aeronáutico Howard Hughes. En 1955, RKO fue adquirida por General Long Range Wireless Company de Thomas O'Neill, una subsidiaria de una empresa de neumáticos, y los derechos para producir cientos de películas se transfirieron a Coca-Cola. En 1958, la producción televisiva se reanudó en Desilu Studios bajo el liderazgo de la actriz Lucille Ball. Debido a decisiones desfavorables tomadas por los líderes de la empresa, RKO finalmente desapareció de Hollywood.
Universal
Carl Lemley fundó Universal Studios en 1912 tras fusionar varias empresas. Después de la muerte de Lemley en 1936, un consorcio compró Universal. Después de salir de la crisis financiera de la década de 1930, Universal se fusionó con International Productions en 1946. En 1962, Universal International fue adquirida por American Music Corporation. Desde 1976, Ned Tannan, Frank Price y Sidney Schenbeck han dirigido sucesivamente Universal. Universal ocupaba el segundo lugar en 1989, con una cuota de mercado del 17%. En 1990, Universal fue adquirida por la japonesa Panasonic Corporation por 6.000 millones de dólares.
United Artists
Fundada en 1919 por Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin, Mary Pickford y Griffith, y dirigida por Heller Abrams, y desde 1926 por Joseph Schenck. Después de una profunda reorganización, Arthur Crim y Robert Benjamin asumieron el liderazgo de United Artists en 1951. En 1967, United Artists fue adquirida por el conglomerado financiero Pan American Corporation.
Columbia Pictures
Fundada en 1924 por los hermanos Joe Brandt, Harry Cohn y Jack Cohn, con base en CBS, que se estableció en 1920.
Entre 1927 y 1939, Columbia logró un gran éxito gracias al liderazgo de Frank Capra. En 1973, la empresa fue adquirida por Ellen Hirschfeld y David Begelman. En 1982, la empresa fue adquirida por Coca-Cola y nombró presidente al productor independiente británico David Putnam. Putnam se fue en 1987 cuando Columbia se fusionó con Samsung. Columbia se convirtió en el tercer estudio más grande en 1989, con una participación de mercado del 15%, y ese mismo año fue adquirido por la japonesa Sony Corporation.
2), la historia y la situación actual de Hollywood
Las primeras películas estadounidenses fueron todas películas mudas, a menudo llamadas la era del cine mudo. La mayoría de las películas de la era muda fueron comedias y el comediante más famoso fue Charlie Chaplin. Sus "City Lights", "Modern Times", "The Great Dictator" y otras películas se han hecho famosas en la historia.
En 1923, apareció el cine sonoro, que aportó enormes cantidades de dinero a Hollywood.
En 1927, bajo la dirección del jefe del estudio MGM, Louis B. Meyer, se estableció oficialmente la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Pronto, Meyer propuso el establecimiento de premios de la Academia para alentar y reconocer a aquellos cineastas que han logrado logros sobresalientes en la industria cinematográfica. Así, el 16 de mayo de 1929 se celebraron los primeros Premios de la Academia en el Hotel Roosevelt de Hollywood. El Premio de la Academia fue una figura desnuda de estaño y cobre dorado de 13,5 pulgadas de alto. En 1931, cuando el bibliotecario de la academia vio esta estatua dorada, se sorprendió y dijo: "¡Realmente se parece a mi tío Oscar!" A partir de entonces, el nombre Oscar se extendió. A partir de la séptima sesión, los Premios de la Academia pasaron a llamarse oficialmente Oscar. Los Oscar se dividen en dos categorías: premios a los logros y premios especiales. Los premios a los logros incluyen: Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actuación, Mejor Fotografía, Mejor Diseño Artístico, Mejor Música, Mejor Sonido, Mejor Maquillaje, Mejor Cortometraje, Mejor Documental, Mejores Dibujos Animados y Mejores Películas en Lengua Extranjera, etc. Entre los numerosos premios cinematográficos del mundo actual, los Oscar son sin duda los más autorizados, los más influyentes y los que cuentan con la gama más amplia de premios. Simboliza el mayor logro del arte cinematográfico estadounidense.
A principios de la década de 1930, Estados Unidos había superado la crisis económica y Hollywood había iniciado una época dorada de 20 años. A principios de la década de 1930, el Grupo Rockefeller y el Grupo Morgan comenzaron una feroz batalla por el control de Hollywood. En 1935, los dos grupos principales controlaban básicamente las ocho principales empresas de Hollywood. Y las productoras de Hollywood, que han encontrado respaldo financiero, también han comenzado a ejercer una gran creatividad. En las décadas de 1930 y 1940, las películas de género, los westerns, las películas policiales y de gánsteres y los musicales creados y desarrollados por Hollywood fueron muy populares entre el público. Hollywood produjo muchas películas geniales durante su época dorada. Entre ellos, "Lo que el viento se llevó" es el clásico más encantador de la época dorada de Hollywood; "Citizen Kane" siempre figura entre los "Diez mejores rankings de películas" a lo largo de los años. Otros como “Ha nacido una estrella”, “El rastro de lágrimas”, “El mago de Oz”, “Cumbres borrascosas”, “El pasaje”, “Philadelphia Story”, “Butterfly Dream”, etc., no sólo han conseguido Grandes ingresos de taquilla, pero también todos lograron un éxito artístico.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Hollywood también utilizó las películas como armas para luchar contra los nazis. Entre todas las películas antifascistas, "Casablanca", filmada por Warner Bros. a finales de 1942, es la más famosa, y su heroína Ingrid Bergman se hizo mundialmente famosa por ella. Además, películas como "Daily Blood" protagonizada por Henry Fonda, "El gran dictador" de Chaplin, "Confesiones de un espía nazi", "Los descendientes de Hitler" y "Los nazis" también han revelado profundamente la fea cara de los nazis.
No mucho después del final de la Segunda Guerra Mundial, cuando Hollywood era vibrante y próspero, el "Comité de Actividades Antiamericanas" del Congreso de los Estados Unidos comenzó a investigar "los elementos comunistas que se habían infiltrado en el cine estadounidense". industria." El Comité de Actividades Antiamericanas inició un juicio el 20 de octubre de 1949 y los "Diez de Hollywood" fueron condenados a prisión. Un gran número de directores, productores, actores y guionistas fueron incluidos en la lista negra, dejándolos sin empleo o en el exilio. Esta agitación duró diez años y dañó gravemente la vitalidad de Hollywood.
Además, la popularidad de las películas en la década de 1950 también tuvo un impacto en Hollywood, provocando que Hollywood viviera una crisis que duró 30 años. La mejor película de este período fue "El Padrino", que ha sido aclamada como "la mejor película estadounidense desde "Ciudadano Kane".
A finales de los años 70, un nuevo amanecer volvió a surgir en Hollywood. A partir de ese momento y durante toda la década de 1980, "Los Kramers", "Gente normal", "Madre e hija", "Enamorándonos", "En el estanque dorado", "Rain Man" y "Para Miss Daisy", películas como "Drive" mostró la preocupación del público en general por la ética familiar e incorporó serios temas sociales en historias conmovedoras y tortuosas, despertando fuertes repercusiones en la sociedad estadounidense. Dustin Hoffman y Meryl Streep son los maestros de la performance en este tipo de películas.
George Lucas y Steven Spielberg fueron dos magos del director que surgieron en Hollywood en los años 1970 y 1980. George Lucas combinó la comedia y los géneros occidentales con alta tecnología y fantasía para crear la franquicia Star Wars que ha fascinado a generaciones. Spielberg filmó "E.T.", "Encuentros en la tercera fase", "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones"), "El color púrpura" y "El imperio del sol" en los años 1980, y "E.T." La lista de Schindler", "Parque Jurásico", "Salvar al soldado Ryan" y otras películas.
Después de experimentar la mejora del sistema cinematográfico en los años 80, las principales compañías cinematográficas de Hollywood llegaron a su período de cosecha a principios de los años 90. Desde 1995, casi todos los años se han producido una decena de éxitos de taquilla con una taquilla de más de 100 millones de yuanes. Las películas de Hollywood de la década de 1990 que tuvieron éxito comercial y valor artístico incluyen: "El silencio de los inocentes", "Pretty Woman", "Forrest Gump", "El Rey León", "La lista de Schindler" y "Braveheart". "Titanic", etc.
3) Perspectiva económica del cine estadounidense
Durante décadas, la industria cinematográfica estadounidense ha sido la fuerza dominante en el mercado internacional. Según las Naciones Unidas, las exportaciones de películas estadounidenses mostraron una tendencia ascendente continua hasta principios de los años 1980, y luego comenzaron a disminuir a mediados de los años 1980. Por otra parte, las importaciones de películas estadounidenses han mostrado una tendencia ascendente desde 1953. Esta tendencia divergente en las importaciones y exportaciones puede explicarse por el aumento de la inversión extranjera directa en la industria cinematográfica estadounidense. El cierre de la brecha entre las importaciones y exportaciones de películas estadounidenses refleja un comercio más equilibrado.
Desde principios del siglo XX, muchos países han impuesto restricciones al comercio de productos culturales. El Acuerdo de Beirut de 1948 dispuso la eliminación de derechos de importación, licencias y restricciones cuantitativas en el comercio internacional de materiales audiovisuales para uso educativo. El Acuerdo de Florencia de 1950 se centró en la libre circulación de productos intelectuales como libros, publicaciones periódicas y periódicos. Sin embargo, estos acuerdos internacionales no cubren productos culturales recreativos ni identidades culturales. De hecho, tanto el Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio (GATT) como el código de Invisibles de la OCDE sancionan cuotas de reserva para exhibiciones cinematográficas con el fin de preservar la identidad cultural de cada país. Para proteger el desarrollo de sus industrias culturales nacionales, los países suelen plantear la cuestión de la soberanía cultural como la razón principal. En esencia, la soberanía cultural (Soberanía Cultural) no se trata del consumo de productos artísticos en sí, sino de la elección de productos culturales por parte de los consumidores. El gobierno utilizará juicios de valor para promover y estimular el consumo de productos culturales nacionales, porque estos productos culturales expresan los valores y la cultura del país. Por ejemplo, Canadá y Estados Unidos comparten muchas características culturales, como el inglés como el mismo idioma (aunque casi una cuarta parte de los canadienses afirman que el francés es su idioma nativo), el capitalismo como sistema económico y el judaísmo-cristianismo como religión. Irónicamente, precisamente debido a estos mismos valores culturales, los canadienses creen que la mayor amenaza a su soberanía cultural proviene del dominio de los productos culturales estadounidenses más que de los de otros países (Morris, 1978). La soberanía cultural es un argumento central en apoyo de las barreras comerciales, y a menudo se plantean cuestiones económicas y políticas en apoyo de las restricciones comerciales.
Algunos países importadores se quejan de que los desequilibrios en el tamaño del mercado, como los factores demográficos, brindan oportunidades para que los productores estadounidenses disfruten de economías de escala. De esta manera, los costos más bajos por unidad de producto hacen que los productores estadounidenses sean más competitivos en los mercados internacionales. Por lo tanto, Europa y Canadá han estado prestando atención al impacto cultural de las películas estadounidenses desde principios de los años noventa. En la década de 1920, Alemania impuso cuotas a las películas estadounidenses importadas (Feldman y Nelson, 1977). A medida que Alemania utiliza sus propias películas con fines propagandísticos, sus restricciones a las películas estadounidenses han aumentado. De hecho, tanto el GATT como los Estándares Intangibles de la OCDE ahora autorizan la retención de cuotas cinematográficas para salvaguardar las identidades culturales de los países. Según Wildman y Siwek, tanto los países industrializados como los en desarrollo han impuesto barreras comerciales a las grabaciones de vídeo (Wildman y Siwek, 1988). Estados Unidos también ha estado utilizando barreras comerciales limitadas en la industria cultural, principalmente barreras arancelarias. A diferencia de los países europeos, Canadá utiliza subsidios gubernamentales o inversiones en producción para promover el desarrollo de su industria cinematográfica nacional, en lugar de utilizar barreras a las importaciones para proteger su industria de producción cultural nacional (Feldman y Nelson, 1977). Sin embargo, según una investigación de Wildman y Siwek, frente a la competencia extranjera, la supervivencia de las industrias culturales nacionales no requiere apoyo económico gubernamental. A través de un estudio de las estadísticas de producción y comercio televisivo en Italia y América Latina, proponen que el desarrollo de la televisión comercial es la clave para fortalecer a los productores de programas y cine locales. Afirman que la competencia extranjera sólo debilita a los medios apropiados y controlados por el Estado (Wildman y Siwek, 1990).
Wildman y Siwek también creen que las restricciones al comercio de películas y programas de televisión, especialmente las restricciones cuantitativas, no satisfarán la demanda de los consumidores, que a menudo no se satisface a través de canales normales. piratería (Wildman y Siwek, 1988). La conveniencia de las nuevas tecnologías de copia y la transmisión por satélite han convertido la piratería en un problema mundial, y un informe reciente presentado por la Motion Picture Export Association al Representante Comercial de Estados Unidos señaló que la piratería de cintas de vídeo existe en la mayoría de los países. El Consejo de Exportación de Cine de Estados Unidos estima que la piratería le cuesta a Estados Unidos el comercio con Canadá entre 25 y 50 millones de dólares. Esta es sólo una estimación muy aproximada. Wildman y Siwek creen que la piratería de vídeos es causada por países sin legislación sobre propiedad intelectual y con una débil aplicación de las leyes de derechos de autor existentes (wildman y siwek, 1985). Por ejemplo, en 1984, la Corte Suprema de Estados Unidos dictaminó que era legal utilizar equipos de grabación de televisión para copiar programas de televisión transmitidos en el hogar con fines no comerciales (Vogel, 1986).
Características del producto y del mercado
El "star system" que aparece en diversas formas siempre ha sido un método utilizado por Estados Unidos para diferenciar los productos cinematográficos. En el sentido de que los "éxitos de taquilla" dependen de las estrellas, hay muy pocos éxitos de taquilla debido a la escasez de estrellas de renombre. El resultado de esta situación es que todos los grandes estudios cinematográficos dependen de una o muy pocas películas cada año para obtener ganancias. A finales de la década de 1980, se estrenaban anualmente entre 60 y 80 películas importantes, pero una película tenía menos de 25 estrellas capaces de ganar más de 3 millones de dólares. En 1997, los salarios de algunas estrellas alcanzaron los 20 millones de dólares, lo que provocó un fuerte aumento en los costos de producción cinematográfica. En consecuencia, los ingresos de taquilla de varios éxitos de taquilla representan la mitad de todos los ingresos de taquilla de las películas.
El star system resulta en parte en altos costos de producción y costos de marketing, lo que crea barreras para que nuevas empresas ingresen a la industria cinematográfica, lo que en última instancia conduce a un alto grado de concentración en esta industria. Se estima que entre 1965 y 1988, la participación del mercado de taquilla de América del Norte en manos de los cuatro principales productores cinematográficos estadounidenses fluctuó entre 48 y 69.
Todavía se puede discutir si la industria cinematográfica estadounidense está bajo el control de un oligopolio o una competencia monopolística. De 1965 a 1988, el índice de concentración promedio (Ratio de concentración) de las cuatro grandes empresas fue de 58,64, mientras que el índice Herfindahl Hyrschman durante el mismo período. El período fue 1236. (Nota: El índice Herfindahl Hirschman, o HHI para abreviar, es un indicador de la concentración del mercado en los Estados Unidos. A partir de 38,2 a 39,2, por cada participación de mercado empresarial adicional de 1, el índice HHI aumenta en 78 puntos.) Estas cifras ilustrar.
Si bien el poder de mercado de las grandes empresas existe en esta industria, el creciente número de productores independientes en la industria y la composición cambiante de las Cuatro Grandes ilustran esto. La industria se está desarrollando en una dirección competitiva. Un pequeño número de fabricantes independientes, como Orion, han comenzado a ocupar una cuota de mercado menor a medida que el mercado continúa desarrollándose. Sin embargo, los productores independientes dejan sus películas a las grandes empresas para su comercialización y distribución, porque una distribución exitosa requiere una gran inversión de capital y amplios canales de distribución, lo que es muy difícil para las pequeñas empresas que tienen la fuerza en ambos aspectos. Además, la concentración de salas de cine también es bastante grande, con unas 40 salas de cine en manos de las seis principales y grandes cadenas de cines. Para potenciar este efecto centralizado, en la década de 1980, las principales cadenas de televisión gastaron enormes sumas de dinero para construir un gran número de salas multipantalla en Estados Unidos, el Reino Unido y Canadá (Vogel, 1986). En 1982, había aproximadamente 7.300 empresas integrales dedicadas a la producción, distribución y exhibición de películas en los Estados Unidos, pero sólo 11 de ellas tenían ingresos anuales de más de 100 millones de dólares estadounidenses (Trade in Service, 1986).
La creciente competencia de la televisión y otros medios de entretenimiento ha obligado a la industria cinematográfica a adoptar nuevas medidas para afrontar la situación. Además de mejorar el sistema estelar. También aumentó la inversión en publicidad para subdividir aún más las películas y dividir el mercado cinematográfico. En 1980, el costo publicitario promedio por película era de 540.000 dólares EE.UU., que aumentó a un promedio de 9,9 millones de dólares EE.UU. en 1991 (Motion Pictures Association of America, 1991). En 1985, los gastos totales en publicidad de la industria cinematográfica fueron de aproximadamente 352 millones de dólares, lo que representa el 17% de todos los gastos publicitarios de la industria del entretenimiento (1.500 millones de dólares) (leading National Advertisers 1985a). En Estados Unidos, la industria del entretenimiento ocupa el quinto lugar en gastos de publicidad por industria (Leading Nationed Advertisers 1956). Como señalan Wildman y Siwek, si el tamaño del mercado interno es una causa externa de la ventaja relativa que tienen las empresas nacionales tanto en cantidad como en calidad de las películas, entonces la ventaja relativa y los enormes costos sólo pertenecen a aquellos países que disfrutan de grandes beneficios internos. mercados (Wildman y Siwek, 1988).
Otra estrategia de las compañías cinematográficas estadounidenses para hacer frente a la creciente competencia es trasladar la producción cinematográfica al extranjero para reducir los costos de producción y eludir las barreras comerciales. La inversión extranjera directa, tanto las entradas como las salidas de los Estados Unidos, ha crecido rápidamente de 1977 a 1993, los activos totales de las filiales de la industria cinematográfica estadounidense en otros países aumentaron 5,1 veces, mientras que las ventas durante el mismo período sólo aumentaron 6,4 veces. Al mismo tiempo, los activos de otros países en la industria cinematográfica estadounidense aumentaron 271,1 veces y las ventas aumentaron 233,1 veces. Sin embargo, la gran mayoría de la inversión extranjera directa en los Estados Unidos parece ser inversión de cartera y la inversión en el país. Industria cinematográfica El control de la producción y el contenido sigue en manos estadounidenses.
Los datos históricos muestran que los activos y las ventas de las filiales estadounidenses en otros países también son buenos.
Por ejemplo, en 1984 los principales estudios y productores independientes de Hollywood *** produjeron 318 películas, 151 de las cuales fueron filmadas en otros países con un valor estimado de 2 mil millones de dólares, pero estas películas fueron consideradas "importadas" por las filiales estadounidenses de. El valor de "importaciones" similares realizadas por filiales extranjeras en los Estados Unidos alcanzó los mil millones de dólares (Oficina de Evaluación Tecnológica, 1986). Aunque estos datos no son completos, también muestran que en la mayoría de los años, Estados Unidos también mantiene una enorme ventaja en la competencia de activos.
Otra característica de la industria cinematográfica estadounidense es la existencia de un mercado secundario o mercado auxiliar. Los recientes avances en la tecnología de grabación de vídeo han dado como resultado un aumento significativo en la participación de la industria en los ingresos de los mercados secundarios. El mercado secundario incluye alquiler y venta de vídeos, vídeos domésticos de pago, televisión por Internet, televisión por cable óptico de pago y organizaciones sindicadas. A través de estrategias de ventas "escaladas" o diferenciadas en el tiempo, la industria cinematográfica adopta estrategias de fijación de precios aleatorias en diferentes canales de ventas (Office of Technological Assessment, 1986). En este completo conjunto de enlaces de venta, los cines son el primer y más importante enlace, seguidos de las cintas de vídeo, la televisión de pago, etc. Los mercados secundarios pueden generar ingresos para películas taquilleras como "Lo que el viento se llevó", "La novicia rebelde" y "Star Wars" durante décadas. La tecnología de procesamiento de imágenes por computadora puede evitar daños o deterioro del material original de las películas cinematográficas populares, extendiendo así el tiempo de existencia de estas películas en el mercado secundario. El fuerte crecimiento del mercado secundario ha aumentado considerablemente los ingresos de las productoras cinematográficas, permitiendo compensar los elevados costes de producción cinematográfica (Block, 1986). Además, la existencia de mercados secundarios permite a las compañías cinematográficas dirigirse a diversos segmentos del mercado, lo que puede aumentar la diferenciación del producto y reducir el riesgo de fracaso (Smith y Smith, 1986).
En pocas palabras, la industria cinematográfica estadounidense ha diferenciado sus productos mediante el uso del estrellato, los efectos especiales y la publicidad masiva, aumentando tanto los costos como los ingresos. Recientemente, la industria cinematográfica estadounidense ha comenzado a trasladar la producción al extranjero para reducir los costos de producción, mientras utiliza el mercado secundario para intentar aumentar los ingresos mediante precios aleatorios. Durante esta serie de procesos, la industria cinematográfica estadounidense permaneció muy concentrada, con sólo unas pocas grandes productoras cinematográficas y cadenas de cines dominando la industria. Al mismo tiempo, había controles y equilibrios en el mercado en un estado competitivo. Esta estructura industrial está respaldada por el enorme mercado interno, que ha sido cultivado por el star system durante décadas y ya es un mercado muy maduro. Estas características únicas de la industria ilustran el patrón del comercio cinematográfico estadounidense.