Una breve historia de la escultura romana

Además de sus propias contribuciones únicas, los escultores romanos preservaron para la posteridad obras valiosas que de otro modo se habrían perdido por completo en el arte mundial a través de sus copias populares de las primeras obras maestras griegas, especialmente aquellas hechas de precioso bronce por artistas griegos. .

Desarrollo

Al igual que la escultura griega, los romanos utilizaban piedra, metales preciosos, vidrio y arcilla, pero preferían el bronce y el mármol. Sin embargo, debido a la gran demanda de reutilización del metal, la mayoría de los ejemplos de escultura romana que se conservan son de mármol.

El gusto romano por la escultura griega y griega hacía que, una vez agotada la oferta de originales, los escultores se vieran obligados a realizar copias, cuya calidad podía variar en función de la diferente habilidad del escultor. De hecho, las propias Atenas y Roma tenían una escuela dedicada a copiar originales griegos famosos, dirigida por Pasiteles, Archesilaos, Evander, Glykon y Apollonios S. Un ejemplo del trabajo de esta escuela es el Orestes del siglo I a.C. y las estatuas de mármol de Electra. , que ahora se encuentran en el Museo Arqueológico de Nápoles. Los escultores romanos también produjeron muchas copias en miniatura de originales griegos, a menudo en bronce, que fueron coleccionadas por amantes del arte y exhibidas en vitrinas en sus hogares.

Sin embargo, la escultura romana sí empezó a encontrar nuevas formas de expresión artística, alejándose de sus raíces etruscas y griegas. A mediados del siglo I, los artistas romanos buscaban un mayor realismo óptico al capturar y crear luces y sombras. En la antigüedad, incluso los pintores impresionistas utilizaban técnicas formales ligeras y abstractas.

La escultura también se volvió más memorable, incluyendo enormes y extraordinarias estatuas de emperadores, dioses y héroes, como la colosal estatua de bronce de Marco Aurelio a caballo o las más impresionantes estatuas de Constantino I. Grandes estatuas (sólo la (cabeza, manos y algunos miembros sobreviven), los cuales se encuentran ahora en los Museos Capitolinos de Roma. Al final del Imperio, las esculturas de figuras tendían a carecer de proporción, especialmente cuando las cabezas se agrandaban, y las figuras tendían a ser más planas y presentadas de frente, mostrando la influencia del arte oriental.

Es en el retrato donde realmente destaca la escultura romana.

También es importante distinguir entre dos “mercados” diferentes para la escultura romana. El primero es el gusto de la clase dominante aristocrática por la escultura más clásica e idealista, y el segundo es que el mercado más remoto de "clase media" parece preferir la escultura naturalista y la escultura emocional, especialmente en retratos y obras funerarias (aunque las limitaciones de los artistas que viven lejos de los grandes centros urbanos también pueden estar relacionados con diferencias estilísticas). Un contraste interesante entre estos dos enfoques se puede encontrar en el monumento a Trajano en Roma y el Trofeo Adamlici que conmemora la misma campaña de Dacia.

Escultura de estatuas y retratos

Al igual que los escultores griegos, a los romanos les gustaba utilizar estatuas para representar a sus dioses. Cuando los emperadores romanos comenzaron a reclamarse a sí mismos como dioses, a menudo se convirtieron en objeto de estatuas enormes e idealizadas, que a menudo representaban sujetos levantando sus brazos ante las masas y adoptando una postura de autoridad apropiada, como el Augur en Prima Botta Stud es el mismo.

Las estatuas también se pueden utilizar para la decoración del hogar o del jardín. Se pueden miniaturizar, especialmente con metales preciosos como la plata. Una de esas estatuas exclusivas de los romanos es la de la familia Lares. Suelen ser de bronce y representan el espíritu que protege a la familia. A menudo se exponen de dos en dos en los nichos de la casa. Eran jóvenes de pelo largo y brazos en alto. Suelen vestir túnicas y sandalias.

Sin embargo, es en el ámbito específico de la pintura de retratos donde la escultura romana realmente destaca y se distingue de los artistas griegos y otras tradiciones artísticas. El realismo en la escultura de retratos romanos puede haberse desarrollado a partir de la tradición de guardar máscaras de cera de los miembros de la familia fallecida en las casas ancestrales, que eran usadas por los dolientes en los funerales familiares. A menudo se trata de representaciones precisas, que incluso documentan defectos faciales específicos y aspectos físicos menos atractivos.

Transferidos a la piedra, tenemos entonces muchos ejemplos de retratos privados que se alejan mucho de los retratos idealizados de la escultura temprana, presentando a los sujetos envejecidos, arrugados, llenos de cicatrices o fofos, en definitiva, estos retratos dicen la verdad;

Una vez más, los sujetos de los retratos oficiales de la élite gobernante continuaron siendo idealizados en relación con los sujetos de las clases bajas. Por ejemplo, la estatua de Augusto como Pontifex Maximus fue tallada (a finales del siglo I a. C.) para que el emperador pareciera más joven que su edad real y tuviera un nuevo rostro. Sin embargo, en la época de Claudio, a mediados del siglo I, especialmente bajo los emperadores Nerón y Flavio, los retratos oficiales a veces buscaban ser más realistas. Al mismo tiempo, los retratos femeninos también son conocidos por sus elaborados peinados y son, sin duda, las principales instigadoras de las tendencias de la moda.

Bajo Adriano hubo un retorno a la imaginería idealizada, como en la escultura griega clásica (como el Coloso Antíoco del 130 d.C.), pero con una representación más natural del ojo en las obras de mármol. Ha habido importantes innovaciones. a este respecto. Anteriormente las pupilas y los iris sólo se pintaban en esculturas, pero ahora también se tallan como en bronce y en obras de Songkhla.

Antonis vuelve de nuevo al realismo, con el regreso de las patas de gallo y los rasgos caídos. En aquella época también existía la tendencia de pulir las partes de la piel del mármol, especialmente en contraste con el cabello, que se tallaba profundamente sin pulir. Además, durante este período se puso de moda tener el torso completo, no solo los hombros debajo de la cabeza. (Véase, por ejemplo, el busto de Cómodo como Hércules, c. 190-2, en el Museo Europeo de Bitoli, Roma). El Busto de Caracalla (c. 215 d.C.) es otro buen ejemplo del mismo museo de un retrato elitista de un emperador que abandonó su idealismo y tenía barba corta, cabeza fuerte, boca culta y ojos de mirada mezquina, que traicionar claramente su carácter.

Durante el Imperio tardío, el retrato de élite se volvió formulado, abandonando todos los intentos de capturar verdaderamente los atributos físicos del sujeto. Por ejemplo, los retratos de emperadores como Diocleciano, Galerio y Constantino I (ver las enormes cabezas de bronce en el Museo Europeo de Bitoli) casi no tienen rasgos distintivos, lo que puede indicar las diferencias entre emperadores y mortales. Distancia, cercanía. a Dios.

Esculturas utilizadas en edificios

Las esculturas en la arquitectura romana pueden haber sido meramente decorativas o pueden haber tenido fines más políticos. Esculturas arquitectónicas como las del Arco de Triunfo (la celebración más común de la victoria militar) detallan eventos clave de la campaña, lo que refuerza que el emperador era el agente del mensaje de la victoria y la civilización en todo el mundo conocido. Un ejemplo típico es el arco triunfal de Roma (alrededor del 315 d. C.), que también ilustra a los "bárbaros" derrotados y esclavizados imponiendo el mensaje de superioridad de Roma a los demás. Del mismo modo, en una columna como la Columna de Trajano (c. 113 d. C.), la escultura puede mostrar al emperador como un buen líder: meticulosamente preparado, militarmente innovador y motivando adecuadamente a sus tropas. Esta representación de personas reales y personajes históricos específicos en la escultura arquitectónica contrasta con la escultura griega, que a menudo utilizaba figuras de la mitología griega, como las amazonas y los centauros del Partenón, en forma metafórica: una gran victoria militar.

Los altares también se pueden utilizar para mostrar a personas importantes de manera favorable. Quizás la primera obra de este tipo sea el Retablo de Domicio Ahenobapos en Roma (c. 100 a. C.), que probablemente representa al orador Africanus Gordianus II. El retablo más famoso es el Ara Pacis de Augusto en Roma (terminado en el año 9 a. C.), un gran retablo de ladrillo y piedra que representa a oyentes y participantes religiosos. A diferencia de las esculturas oficiales posteriores, la figura del emperador es discreta, pero lo que hace que este monumento sea significativo es la representación de la acción de la figura. Pareció ser captado instantáneamente, tal como en la foto, un niño en bata, la hermana de Augustus diciéndoles a dos personas que hablaban que se callaran y así sucesivamente.

Escultura Funeraria

Los bustos y estelas (lápidas) funerarias se encontraban entre las formas de escultura más comunes en el mundo romano. Estas esculturas podrían representar a los difuntos individualmente, así como a sus parejas, hijos o incluso esclavos (ver la lápida de Ampudis, un comerciante de maíz del siglo I d. C., ahora en el Museo Británico). Las figuras suelen vestir túnicas largas y las mujeres pueden colocarse las manos en la barbilla en señal de arrepentimiento. Los altares de los cementerios también son comunes. Estos altares podrían representar escenas en relieve de la vida del difunto o escenas de valores, y las personas más ricas podrían representar a miembros de la familia de diferentes generaciones.

Desde el siglo II d.C., el entierro (a diferencia de la cremación más tradicional) se ha vuelto más común, por lo que se ha desarrollado un mercado para los sarcófagos. Estaban talladas en piedra, a menudo con escenas mitológicas en alto relieve en todos los lados e incluso en la tapa. El sarcófago "Asia" es el más profusamente decorado, casi en relieve circular. El modelo proconnesiano tiene una escultura sobre la corona de la niña, mientras que el modelo "romano" tiene lados en blanco para apoyar el sarcófago contra la pared. En el siglo II d. C., las esculturas también podían incluir retratos de habitantes, a menudo en forma de héroes, tal vez generales victoriosos, o más tarde, todavía en forma de paneles especiales o tondos en el frente.

Ejemplos destacados

Los Titos, dos grandes paneles en relieve del arco triunfal romano, fueron los primeros intentos exitosos de crear profundidad y espacio a través de la escultura. Los paneles representan escenas del regreso triunfal del emperador después de la Batalla de Judea en el año 71 d.C., uno representa a Tito montado en un carro de cuatro caballos y el otro representa el botín del Templo en Jerusalén. La perspectiva se logró con éxito retrocediendo la figura hacia el fondo para que esté más cerca del primer plano, tallando la figura en mayor relieve hacia el centro de la escena y doblando el fondo del panel ligeramente hacia adentro. Esto crea una escena exuberante de profundidad y movimiento.

La estatua ecuestre de Marco Aurelio, de bronce dorado, de 3,52 metros de altura, es una de las estatuas de bronce antiguas más magníficas que existen. Probablemente fue construido entre 176 y 180 en una zona desconocida de Roma. La estatua conmemora la victoria del emperador sobre las tribus germánicas en el año 176 d.C. o su muerte en el año 180 d.C. La extraordinaria conservación de la estatua se atribuye al hecho de que es posible que se haya confundido al emperador con Constantino. A finales de la década de 1980 se llevaron a cabo trabajos de restauración muy necesarios, ya que la estatua se marchitaba lentamente al aire libre, pero ahora ocupa un lugar de honor en una sala especialmente construida en el Museo Europeo Bitoli en Roma.

El Retrato de Cómodo como el héroe Heracles (c. 190-2 d.C.) es un ejemplo sorprendente de cómo los retratos de élite en el arte romano eran simultáneamente realistas e idealistas. Los rasgos del emperador son claramente discernibles y su expresión grita confianza e indiferencia al espectador. Sin embargo, el artista también expuso intencionalmente o no la arrogancia y debilidad del famoso emperador. En la poderosa descripción de Mortimer Wheeler:

El Emperador suave y afeminado, con brazos flácidos y un rostro flácido y afeminado envuelto por un halo de perforación y exceso de pelo, olía a pomada. Las manos esbeltas y cuidadas presentan el cuero cabelludo y el palo de un león, así como una pequeña "manzana de las Hespérides", una expresión sutil pero brutal del juego. No hay duda de que, como se revela, agrada a este sádico pervertido. (1964, 170)

Conclusión

La escultura romana no sólo nos proporciona un registro invaluable de las primeras obras maestras griegas, sino que también contribuyó con grandes obras por derecho propio. Las contribuciones únicas a esta forma de arte incluyen el uso de narrativa histórica y un realismo sin precedentes en el retrato. Estos retratos pueden ser de grandes emperadores vestidos como dioses, o representaciones más humildes de mortales menores, acercándonos a una persona que vivió hace mucho tiempo al representar rasgos físicos y expresiones emocionales específicas.