¿Qué significa montaje en las películas?
En pocas palabras, el montaje consiste en filmar una película en muchas tomas de acuerdo con el contenido de la película y el orden psicológico de la audiencia, y luego conectarlas de acuerdo con la idea original. En una palabra: el montaje es un medio de conectar grupos de planos cortados. Por tanto, el montaje es un medio de conectar los planos realizados por la cámara según la lógica de la vida, el orden de los razonamientos, el punto de vista del autor y sus principios estéticos. Primero con la cámara, luego con las tijeras. El montaje cinematográfico se realiza principalmente mediante la recreación de directores, fotógrafos y editores. El guionista de la película diseña un plano para películas futuras, el director de la película utiliza el montaje para recrearlo basándose en este plano y, finalmente, el fotógrafo utiliza el poder expresivo de la película para encarnarlo.
En la producción cinematográfica, el director produce muchas tomas basadas en el guión o el tema de la película, y luego organiza y edita estas diferentes tomas de manera orgánica y artística de acuerdo con el concepto creativo original para hacerlas coherentes y contrastantes. Sexo, asociación, suspenso y diferentes ritmos, formando así selectivamente una película que refleja una determinada vida social, pensamientos y sentimientos, y es comprendida y amada por el amplio público. Las formas y medios de estas composiciones son las siguientes.
En resumen, se puede ver que el elemento básico de una película es la lente, y la principal forma y medio de conectar las lentes es el montaje, y se puede decir que el montaje es una expresión única. Método del arte cinematográfico Dado que en una película la unidad más pequeña es la lente, ¿cuál es el elemento básico de esta película: la lente? ¿Qué tiene que ver con el montaje? Sabemos que una lente es una pieza de película filmada desde diferentes ángulos, diferentes distancias focales, diferentes tiempos y procesada de manera diferente. De hecho, el montaje se ha utilizado desde el inicio del rodaje. En lo que respecta al objetivo, disparar desde diferentes ángulos naturalmente tiene diferentes efectos artísticos. Como disparo frontal, inclinación de ciprés, disparo hacia arriba, disparo lateral, retroiluminación, filtrado, etc. , el efecto es obviamente diferente. Para lentes de la misma distancia focal, los efectos son diferentes. Por ejemplo, plano general, panorama, plano medio, plano cercano, primer plano y primer plano extremo tienen efectos diferentes.
Además, las lentes procesadas de forma diferente también producirán efectos artísticos diferentes. Además, debido al uso de espacios, abreviaturas, mejoras y otras técnicas, también se logran diversos efectos artísticos específicos. Además, debido a los diferentes tiempos de disparo, hay lentes largos y lentes cortos, y la longitud de la lente también tendrá efectos diferentes.
La disposición, combinación y conexión entre tomas reflejan más claramente la intención subjetiva del fotógrafo. Debido a que cada parte de la lente no existe de forma aislada, debe tener una relación con las lentes superior e inferior conectadas a ella. Diferentes relaciones producirán diferentes efectos artísticos como coherencia, salto, fortalecimiento, debilitamiento, paralelismo y contraste. Por otro lado, la combinación de planos no sólo desempeña un papel al describir vívidamente el contenido del plano, sino que también genera nuevos significados que un solo plano puede no ser capaz de expresar. El primer intento de montaje de Griffith en la historia del cine fue combinar una toma de un hombre que se suponía estaba en una isla desierta con un primer plano del rostro de su esposa esperando en casa. Después de tal "combinación", el público siente "espera" y "dolor", creando una imaginación nueva y especial. Por otro ejemplo, el efecto artístico de organizar un grupo de tomas cortas y conectarlas mediante cortes rápidos es muy diferente del efecto artístico de organizar el mismo grupo de tomas y conectarlas utilizando métodos "ligeros" o "químicos". .
Para otro ejemplo, si los tres planos A, B y C siguientes están conectados en diferente orden, aparecerán diferentes contenidos y significados.
a. Un hombre se ríe; b. Le apuntan con una pistola; c.
¿Qué impresión dan al espectador estos tres primeros planos?
Si están conectados en el orden A-B-C, el público pensará que esta persona es un cobarde y un cobarde. Ahora, los disparos siguen siendo los mismos, si simplemente cambias el orden de los disparos anteriores, llegarás a la conclusión opuesta.
c. Una expresión de miedo en el rostro de una persona, B. Una pistola apuntando a. La misma persona se ríe.
Si los conectas en el orden C-B-A así, la cara del hombre se verá horrorizada porque hay una pistola apuntándole. Sin embargo, lo pensó y decidió que no era nada, así que sonrió... ante la muerte. Por tanto, da al público la impresión de que es un hombre valiente.
De esta manera, cambiar la secuencia de planos de una escena, sin cambiar cada plano en sí, cambia completamente el significado de una escena, llega a la conclusión opuesta y recibe efectos completamente diferentes.
Esta disposición organizativa coherente es el uso del montaje exclusivo del arte cinematográfico. Esto es también lo que llamamos el problema estructural del cine. En los ejemplos anteriores, podemos ver la importancia de esta estructura de permutación y combinación, que es un medio importante para organizar materiales para expresar ideas cinematográficas. al mismo tiempo. Debido a la diferente disposición y combinación, se producen diferentes efectos artísticos como positivo, negativo, profundo, superficial, fuerte y débil.
El maestro del cine soviético Eisenstein creía que el plano A más el plano B no es una simple síntesis del plano A y el plano B, sino que se convertirá en el nuevo contenido y concepto del plano c. Señaló claramente: "El plano c. diferencia entre las dos tomas del montaje La concatenación no es la suma de dos números, sino más bien el producto de dos números; este hecho era cierto antes y todavía parece serlo hoy. La razón por la que es más como el producto de dos. números que dos. La suma de números se debe a que el resultado de un arreglo es siempre cualitativamente (o "dimensionalmente" si se prefiere usar términos matemáticos) diferente de cada uno de sus componentes individuales. Un cuadro, el duelo de una mujer: esto también es un cuadro; estos dos cuadros pueden expresarse en especie. La "viuda" producida por la yuxtaposición de estas dos imágenes ya no es algo que pueda expresarse en especie, sino una especie de cosa. . Una nueva representación, un nuevo concepto, una nueva imagen”.
Se puede ver que el uso del montaje puede dar un nuevo significado a la conexión de planos, enriqueciendo enormemente el poder expresivo del arte cinematográfico. Para conocer el atractivo del arte cinematográfico, en relación con este tema, también podemos inspirarnos mucho en un fenómeno de la física: como todos sabemos, el carbono y el diamante son iguales en su composición molecular. Pero uno es sorprendentemente crujiente y el otro inusualmente duro. ¿Por qué? Los resultados de la investigación de los científicos demuestran que esto se debe a diferentes disposiciones moleculares (estructuras de caracteres). En otras palabras, los mismos materiales, debido a diferentes disposiciones, pueden producir resultados completamente opuestos, lo que realmente invita a la reflexión.
El teórico del cine húngaro Bela Balazs también señaló: "Una vez conectado el último plano, el significado inusualmente rico escondido en cada plano se emite como una chispa eléctrica.
"Se puede ver que este significado parecido a una "chispa eléctrica" está "al acecho" en un solo disparo del que la gente no se da cuenta. Sólo después de la "combinación" la gente puede tener una imaginación nueva y especial. Cuando hablamos de montaje, primero nos referimos Es la relación de combinación entre planos, incluida la relación de combinación entre tiempo y espacio, sonido e imagen, imagen y color, así como el significado y efecto producido por estas relaciones de conexión.
En definitiva, "montaje". es la esencia de la película." Método de conexión. Toda la película tiene una estructura, y cada capítulo, párrafo y párrafo también debe tener una estructura. En el cine, este tipo de conexión se llama montaje. De hecho, se trata de combinar las tomas en un clip, luego combinar los clips cortos en una sección grande y luego organizar la sección grande en una película. No hay misterio ni truco en este proceso. Se ajusta a la lógica de la razón y la emoción, la lógica de la vida y la visión. Parece "suave", "razonable", rítmico y cómodo. Es un montaje brillante y viceversa. No existe una explicación y exposición tan fácil de entender como el montaje.
El montaje se puede dividir en montaje escénico y montaje narrativo, incluyendo montaje psicológico, montaje lírico, montaje paralelo, montaje cruzado, montaje repetitivo, etc.
El nacimiento y desarrollo del montaje
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Cuando los hermanos Lumière hicieron la primera película de la historia a finales del siglo XIX, No lo necesitaba en absoluto. Considere el montaje. Como siempre coloca la cámara en una posición fija, que es la distancia del panorama (o la distancia entre el público en la fila central del teatro y el escenario), filma los movimientos de la gente de principio a fin. Más tarde se descubrió que la membrana se podía cortar y luego pegar con drogas, por lo que algunas personas intentaron colocar la cámara en diferentes posiciones y disparar desde diferentes distancias y ángulos. Descubrieron que varias lentes pueden producir efectos sorprendentemente diferentes utilizando diferentes métodos de fijación. Este fue el comienzo de la técnica del montaje, y también el comienzo de que la película rompiera con las ataduras de los métodos narrativos y de expresión del drama escénico y tuviera sus propios medios independientes. En la historia general del cine, la creación del rodaje en plano dividido se atribuye al estadounidense Edwin. Porter consideró El gran robo del tren, que proyectó en 1903, como el comienzo de una "película" en el sentido moderno porque vinculaba cosas que sucedieron en diferentes contextos, incluido el andén, la cabina, la sala de telégrafos, escenas interiores como como vagones de tren y valles sirven para contar una historia que incluye varias líneas de acción. Pero es universalmente reconocido que Griffith dominó la técnica de combinar diferentes planos, lo que finalmente hizo que la película se deshiciera del método de expresión dramática. El montaje se desarrolló considerablemente durante el período del cine mudo.
Desde 1927, el cine tiene sonido. En esta época, el cine ha sufrido un gran shock desde la creación hasta la teoría. Con el sonido en la imagen, ya no es un simple comentario visual y la película puede reflejar la vida de manera más fiel. Muchas de las cosas que eran suposiciones legítimas en las películas mudas, así como la forma directa del autor de expresar su punto de vista, ya no se aplican. Por eso hay muchos artistas cinematográficos famosos como Chaplin y René. Clare, durante un tiempo, se mostró escéptica respecto del cine sonoro, algo que el teórico Eindham siempre negó.
Por otro lado, algunas personas piensan que el montaje es un producto del cine mudo y no tiene cabida en el terreno del cine sonoro. Los hechos han demostrado que, aunque el sonido limita la aplicación de algunas técnicas de montaje, el cine ha pasado de ser un arte puramente visual a un arte audiovisual, y los personajes de la pantalla se han convertido en una imagen completa que puede verse y oírse, lo que ha cambiado enormemente. amplió la aplicación del montaje. Se añade sonido a la imagen. A partir de entonces, el montaje no es sólo la relación entre imágenes, sino también la relación entre sonido y sonido, sonido e imagen. Los llamados sonidos incluyen voces humanas, sonidos naturales y música. El sonido también incluye líneas, comentarios, monólogos interiores y ruido de la multitud. Por lo tanto, la combinación de imágenes y sonidos implica la combinación de imágenes y voces humanas, la combinación de sonidos naturales y música, y la combinación de sonidos y sonidos implica la combinación de estos sonidos. Debido a esta complejidad, la composición sonora y la composición sonora de las imágenes de las películas tienen infinitas posibilidades, abriendo un mundo nuevo infinitamente amplio para el arte audiovisual (ver sonido de películas). Las películas se han desarrollado desde películas en blanco y negro hasta películas en color, y el color se ha convertido en uno de los medios de expresión cinematográfica, trayendo nuevos temas de montaje en color a las películas y enriqueciendo una vez más el mundo del montaje cinematográfico.
El papel del montaje
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A través del método del montaje, la narrativa de la película gana una gran libertad en el uso del tiempo y el espacio. Una habilidad (o un salto directo) puede saltar de París a Nueva York en el espacio, o puede abarcar décadas en el tiempo.
Además, la yuxtaposición e intersección de acciones en dos espacios diferentes puede causar suspenso tenso o expresar la relación entre personas que viven en dos lugares, como el mal de amores de los amantes en dos lugares. Los montajes en diferentes períodos pueden describir repetidamente la relación entre la experiencia psicológica pasada del personaje y sus actividades internas actuales. Esta libertad de transformación del tiempo y el espacio permite que las películas brinden a los novelistas libertad para expresar sus vidas en gran medida. El uso del montaje permite a los artistas cinematográficos comprimir o ampliar en gran medida el tiempo real de la vida, produciendo así el llamado "tiempo de película" sin dar a la gente la sensación de violar el tiempo real de la vida.
El montaje, esta capacidad de manipular el tiempo y el espacio, permite al artista cinematográfico extraer las partes que cree que pueden ilustrar mejor la esencia de la vida, las personalidades y relaciones de los personajes, e incluso la propia vida del artista. en su análisis de la vida, sienta, junte, descomponga la combinación, retenga las partes más importantes y esclarecedoras, abandone y omita muchas cosas triviales y refine la vida de manera trivial para obtener la narrativa y la riqueza más vívidas. La actuación de Griffith en "Party Against Alienation" es que cuando observa la agonía de la esposa del convicto de su marido inocente en la sala del tribunal, sólo se concentra en sus manos con espasmos. En "El Destacamento Rojo de Mujeres", Qionghua vio al propietario Nan Batian y abrió fuego en violación de la disciplina de reconocimiento. La siguiente escena fue cuando el capitán golpeó la mesa con el arma de Qionghua para evitar informar al comandante de la compañía. La acción se interrumpe, pero la trama continúa y las relaciones entre los personajes se desarrollan. Este tipo de descomposición y combinación le da a la película la capacidad de ser altamente condensada y resumida, de modo que una película de menos de dos horas puede presentar la vida de una persona e involucrar décadas de cambios sociales como "Ciudadano Kane".
El montaje tiene dos funciones innegablemente importantes. Una es permitir que la película alterne libremente perspectivas narrativas, como desde la narrativa objetiva del autor hasta la expresión subjetiva interna del personaje, o ver un cierto estado de cosas a través de los ojos del personaje. Sin esta alternancia, la narrativa de la película sería monótona y torpe. El segundo es influir en la psicología de la audiencia cambiando el ritmo de la acción a través de la lente.
Las diversas funciones del montaje han convencido a generaciones de artistas y teóricos cinematográficos de que "el montaje es la base del arte cinematográfico", "sin montaje no habría película" y que las películas deberían adoptar una forma especial de pensamiento - pensamiento de montaje.
Las principales funciones del montaje son:
* Seleccionar y aceptar materiales mediante el corte y combinación de planos, escenas y párrafos, de modo que el contenido de la actuación pueda priorizarse y resumirse altamente. y condensado.
*Guiar la atención de la audiencia y estimular la asociación de la audiencia. Aunque cada toma solo muestra un contenido determinado, una determinada secuencia de tomas puede estandarizar y guiar las emociones y la psicología de la audiencia, e inspirarla a pensar.
*Crear un tiempo y espacio cinematográfico y televisivo único. Cada toma es un registro del tiempo y el espacio real. Después del montaje, el tiempo y el espacio se reconstruyen para formar un tiempo y espacio cinematográfico y televisivo único.
Tipos de montaje
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En la práctica, se han resumido dos modos de montaje: el montaje narrativo y el montaje escénico.
1. Montaje narrativo
El montaje narrativo es una forma de conectar diferentes planos para narrar una trama y mostrar una serie de acontecimientos basándose en las reglas de desarrollo, las conexiones internas y la secuencia temporal de las cosas. método de empalme. El montaje narrativo se puede dividir en narrativa secuencial, flashback, inserción y subnarrativa.
Montaje escénico
El montaje escénico, también conocido como "montaje de columnas", se basa en la conexión interna entre imágenes, a través de los cambios e influencias entre imágenes, imágenes y sonidos, genera conceptos. y significados que no pueden ser generados por una sola imagen en sí, y estimulan las asociaciones del público. El montaje escénico se subdivide en paralelo, intersección, contraste, metáfora simbólica, etc.
En la actualidad, en la producción de cine y programas de televisión, existen muchos fenómenos que no prestan atención a las reglas del montaje. El fenómeno más común es el fenómeno de una toma hasta el final en la producción de animación. . Esto tiende a arruinar el flujo del espectáculo y aburrir a la audiencia. Como forma de arte cinematográfico y televisivo y medio de expresión único, el montaje no sólo guía el procesamiento de vídeo y audio en el programa, sino que también juega un papel muy importante en la comprensión de la estructura general del programa.
Aún no existe una visión unificada sobre cuántos tipos diferentes de montaje existen y cómo se debe clasificar el montaje.
La clasificación de Pudovkin es más específica. Cree que hay cinco tipos diferentes de montaje:
El primero es el montaje comparativo, como la conexión entre la quema de trigo y los niños hambrientos durante la crisis del capitalismo.
El segundo es un montaje paralelo, como la representación paralela del creciente equipo de trabajadores y el derretimiento gradual del hielo del río Neva en "Madre" de Pudovkin.
El tercer tipo es un montaje de metáforas o símbolos, a menudo llamados hoy en día "metáfora", como una gaviota volando que simboliza el anhelo de libertad.
El cuarto tipo es un montaje de "desarrollo de acción sincronizado" o superpuesto, como el rescate de último segundo en "Lai Marriage" mencionado anteriormente.
El quinto es el montaje de "tema recurrente", es decir, cosas que representan un determinado tema aparecen repetidamente en pantalla en momentos clave.
Eisenstein, Béla Balazs y Einstein tienen diferentes categorías de montaje, hasta 36 tipos. Algunos creen que las clasificaciones demasiado complejas son inútiles. Los métodos artísticos cambian constantemente y no se pueden resumir en un estándar gramatical determinado. Los artistas crearán nuevas técnicas en cualquier momento.
Es por esta razón que Maldam finalmente dividió el montaje en tres categorías: montaje narrativo, montaje de pensamiento y montaje rítmico.
El teórico del cine francés contemporáneo Jean Mitry cree que el propósito del montaje es sólo captar la atención del público y centrarla en las cosas representadas. El primero es expresar significado a través de la trama misma y la narrativa vívida que requiere la trama, y el segundo es el lirismo, la expresión vívida y la interpretación apasionada. En resumen, también podríamos dividir el montaje en tres categorías: narrativo, lírico y racional (simbólico, contrastivo y metafórico). No existe una brecha insuperable entre ellos. A menudo, al narrar, también expresa sentimientos o transmite los pensamientos del autor.
Una breve discusión sobre la teoría del montaje
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Ni Griffith ni sus sucesores pensaron en resumir o explorar las leyes y regulaciones de la teoría del montaje. . Las primeras personas que exploraron seriamente el montaje fueron el director soviético Kuleshov y sus alumnos Eisenstein y Pudovkin. Sus teorías, a su vez, influyeron en teóricos y artistas cinematográficos de Europa y Estados Unidos.
Eisenstein tiene un dicho famoso sobre la teoría del montaje: "La yuxtaposición de dos planos de montaje no es la suma de dos números, sino el producto de dos números". En palabras del teórico del cine húngaro Béla Bar In Raz. palabras: "Una vez que los planos superior e inferior se conectan, el significado extremadamente rico escondido en cada plano se lanza como una chispa". Por ejemplo, en el "Country Teacher" mencionado anteriormente, Varvara respondió "para siempre" y luego El disparo. de dos flores tiene un significado que no existe por sí solo, expresando los sentimientos del autor y de los personajes de la obra.
Eisenstein aplicó la dialéctica a su teoría del montaje, enfatizando el conflicto entre planos contrastantes. Para él, un plano no es "una cosa independiente". Sólo cuando choca con el plano opuesto puede evocar sentimientos emocionales y comprensión del sujeto. Él cree que una sola lente es sólo una "imagen" y sólo cuando estas imágenes se fusionan se puede formar una "imagen" significativa. Es este "poder de montaje" el que hace que la combinación de planos no sea una narrativa parecida a un ladrillo, sino una "narrativa altamente emocionante y emotiva". Es este "poder del montaje" el que incorpora las emociones y la razón del público al proceso creativo, permitiéndole experimentar el mismo camino creativo que siguió el autor al crear la imagen.
Los prejuicios de Eisenstein son inseparables del temprano entusiasmo de la Unión Soviética por el montaje. Kulishov cree que el material de una película es un plano, y la actuación de los actores y la disposición de la escena son sólo la preparación del material. Hizo un famoso experimento en el que pegó tres clips diferentes en un primer plano de un actor, sin ninguna expresión. El primero es una olla de sopa, el segundo es un ataúd con el cadáver de una mujer y el tercero es una niña con un juguete. Se dice que los espectadores pensaron que el primer clip mostraba una expresión de primer plano que indicaba un deseo de sopa, el segundo mostraba una profunda tristeza y el tercero mostraba una sonrisa feliz. Obviamente, esto exagera el papel del montaje y borra el papel del arte escénico. En aquella época, incluso Pudovkin dijo: "Un plano es sólo una palabra, un concepto de espacio y un objeto de muerte. Sólo en combinación con otros objetos se puede dar vida a la película. Eisenstein incluso comparó el montaje con los jeroglíficos". Decir que el montaje es como añadir la palabra "boca" a una palabra "perro" en jeroglíficos significa que el perro está ladrando.
A Eisenstein se le ocurrió el llamado "montaje de vodevil" cuando se dedicaba a actividades teatrales. Después de fracasar en el escenario, decidió que el cine era el lugar para realizar el "montaje de vodevil". El llamado "montaje de vodevil" consiste en utilizar tomas, episodios o programas potentes que salen de la estructura argumental para lograr el efecto de atrapar a la audiencia, para que acepte las opiniones que el autor quiere inculcar.
El montaje de Pudovkin tiene una perspectiva más amplia. Ya no presta atención al contraste y la metáfora del montaje, sino que lo considera un medio de narrativa y expresión. Al principio de su artículo "Sobre el montaje", declaró: "Conecte bien los planos separados para que el público finalmente sienta que se trata de un movimiento completo, ininterrumpido y continuo, un tipo de movimiento que estamos acostumbrados a llamar montaje". técnica." Por supuesto, este tipo de trabajo no es una operación mecánica rígida, ni tampoco una disposición ciega y aleatoria. Para organizar el metraje en "movimiento continuo e ininterrumpido", "debe haber conexiones obvias entre los segmentos". Este tipo de conexión sólo puede ser externa, por ejemplo, una persona fue fotografiada en la toma anterior y una persona se cayó en la siguiente toma, pero lo más importante es que es una "conexión interna profunda y reflexiva", señaló además. Hay innumerables formas intermedias entre los extremos de las conexiones externas simples y las conexiones internas profundas. Pero en definitiva, “tiene que haber una conexión u otra hasta que aparece un fuerte contraste o contradicción”. Por ello, dio una definición de montaje: “En las obras de arte cinematográfico se utilizan diversas técnicas para expresar y explicar de manera integral la realidad”. Creía que el montaje depende del talento del director. "Este talento hace que el director sea bueno para convertir las posibles conexiones internas entre los fenómenos de la vida en conexiones claras y visibles que se pueden sentir directamente sin explicación". Por eso, Bela Balazs dijo que la película no es una simple copia, sino una creación real. Un buen director no sólo muestra el metraje sino que también lo explica.
Principio de prohibición del montaje
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Bazin propuso que si el contenido principal de un evento requiere dos o más elementos de acción al mismo tiempo existe , el montaje debe estar deshabilitado. De lo contrario, el montaje, lejos de ser la esencia del cine, sería su negación.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el crítico de cine francés Bazin tuvo un gran impacto en el mundo. La base de su teoría se basa en "la naturaleza fotográfica de la película". Cree que todo arte se basa en la participación humana, pero la fotografía tiene el privilegio de no permitir que la gente intervenga. La esencia del cine proviene de la esencia de la fotografía, y su atractivo artístico proviene de la misma fuente: revelar la verdad. Kracauer de Alemania también dijo que "el cine es esencialmente una extensión de la fotografía". Creían que la tarea del cine es registrar el mundo objetivo.
En segundo lugar, no renuncies a la comodidad de componer el espacio y el tiempo cinematográfico, las funciones únicas de concentración y resumen, y el vasto mundo del montaje sonoro e cinematográfico sólo porque prefieras las tomas con profundidad de campo. y disparo continuo. Debemos comprender y valorar plenamente el papel de las lentes de profundidad de campo y el disparo continuo, pero también debemos ver sus limitaciones. Las lentes de profundidad de campo no pueden eliminar el marco de la imagen, a diferencia de los ojos, que no se ven afectados por el marco y también se ven perturbados por problemas de perspectiva. Las personas están en diferentes niveles y las escalas de las cosas cercanas y lejanas también son diferentes. Necesitamos utilizar espejos de ajuste de escena para coordinarnos, por lo que la "fotografía de la naturaleza" todavía depende de la intervención humana. De hecho, los planos largos sólo utilizan la programación de escena y plano en lugar de una combinación de montaje para lograr la sustitución del alcance y el contenido de la imagen. Por eso algunas personas llaman a esta técnica "montaje en cámara" o "montaje en profundidad".
Además, el disparo continuo solo se puede utilizar en una escena, y es imposible utilizar el disparo continuo para todos los eventos en diferentes lugares y en diferentes momentos. Hitchcock intentó rodar toda la película plano a plano entre las cuerdas, eliminando por completo el montaje, pero el efecto no fue el ideal.
La realidad no se basa en el montaje ni en el disparo continuo. De hecho, el montaje puede utilizarse para encubrir lo que es falso, pero no es necesariamente falso. Por otro lado, el disparo continuo con lentes de profundidad de campo no garantiza resultados realistas.
La principal razón por la que Bazin se opuso al montaje fue que creía que el director se convertía en un guía que dirigía al público, anulando la ambigüedad de la película. Pero para la narrativa cinematográfica es necesario un montaje que cumpla con los requisitos psicológicos del público y los requisitos de transferencia de la línea de visión. El arte permite y requiere la guía de los artistas. Como formas ideológicas, las obras literarias y artísticas son el producto de la vida de las personas reflejadas en las mentes de los artistas. El realismo no es una representación fotográfica de la vida, sino un reflejo de la vida según la cosmovisión del artista. El uso del montaje por parte del director no pretende añadir nada a la realidad, como acusaba Bazin, sino revelar lo que existe en la realidad basándose en sus propios sentimientos. No existe un registro puramente objetivo. La "realidad" captada por la llamada cámara de "ojos fríos" sigue siendo inevitablemente algo elegido desde la perspectiva del director.
La Escuela del Montaje apareció en la Unión Soviética a mediados de los años 20, y sus representantes fueron Eisenstein, Kuleshov y Pudovkin.
Intentaron explorar nuevos métodos de expresión cinematográfica para expresar el arte cinematográfico revolucionario de la nueva era. Su exploración se centró principalmente en el experimento y la investigación del montaje, crearon una teoría sistemática del montaje cinematográfico y aplicaron la exploración teórica a la práctica artística, creando "obras clásicas". de montajes como "El acorazado Potemkin" y "La madre y la tierra".