¿Quién es el pintor más famoso del mundo?
A: Ghiberti
Ghiberti (Lorenzo Ghiberti, 1378--1455) fue una figura que encarnó la transición del arte gótico al arte renacentista. Tiene una amplia gama de talentos y sus actividades creativas involucran diferentes campos, pero su mayor logro sigue estando en el campo de la escultura. Entre las obras representativas se incluye la "Puerta del Paraíso" (1424-1452), un relieve en bronce realizado para la puerta del Baptisterio de Florencia. Basándonos en técnicas de pintura, utilizamos protuberancias de diferentes alturas para moldear delicadamente el cuerpo y el rostro de cada personaje; utilizamos la perspectiva para reproducir la posición de los personajes y la profundidad del entorno espacial; En el tratamiento de los movimientos de los personajes y los patrones de vestimenta, todavía se conservan algunos hermosos estilos del gótico internacional.
B: Brunelleschi
Brunelleschi (Fillippo Brunelleschi, 1377--1446) hizo mayores avances al ser pionero en nuevos caminos y nuevos estilos. Gran contribución. Fue un hombre de múltiples talentos, se dedicó inicialmente a la creación de esculturas y artesanías en oro y plata, y fue uno de los grandes representantes de la arquitectura renacentista. Combinó creativamente formas arquitectónicas romanas antiguas con estructuras góticas. La iglesia sobre una base en forma de tambor se destaca claramente en el aire. Es solemne, ligera y elegante, y tiene un fuerte atractivo visual. Brunelleschi esperaba basar el diseño arquitectónico en la ciencia de las matemáticas y consideraba la proporción y la armonía como la esencia de la arquitectura clásica. Utilizó vocabulario arquitectónico clásico para lograr efectos brillantes, simples, elegantes y armoniosos, dando al edificio una belleza racional. Hizo una contribución inconmensurable al desarrollo de la pintura. Los resultados de su investigación sobre la perspectiva online proporcionan una base científica para nuevas creaciones pictóricas. Crear la ilusión de un espacio real con la ayuda de la perspectiva lineal fue una gran ambición y un logro destacado de los pintores del Renacimiento italiano.
C: Donatello
Donatello (1386--1466) fue el artista de primera generación del primer Renacimiento en Italia y la escultura más destacada del siglo XV. La admiración y referencia de. Se puede decir que el arte clásico es la característica única de los artistas del Renacimiento italiano. Durante su vida, Donatello creó una gran cantidad de esculturas vibrantes, solemnes y tranquilas. Obras representativas: "David" (hacia 1430-1432) es la primera obra que revive la antigua tradición de las estatuas desnudas. Donatello utilizó el método de composición correspondiente inventado por los antiguos griegos para mostrar a la gente la imagen de un joven con proporciones y estructura muy precisas. Esta figura bíblica ya no es un símbolo conceptual, sino un ser vivo, de carne y hueso. "Estatua de San Jorge" (1415--1417) "Estatua de Gata Meralda Ecuestre" (1445--1450)
D: Masaccio
Masaccio (Masaccio, 1401--1428? ) fue una figura clave con gran influencia en el desarrollo de la pintura renacentista. En su creación, se deshizo por completo del estilo elegante y del significado decorativo de la pintura del gótico tardío y dio máxima prioridad a la creación de imágenes y espacios reales.
Obra representativa: "Impuestos" (1425--1428) es un gran mural que representa temas religiosos (los murales eran un estilo de pintura muy popular en Italia en aquella época). Los diferentes personajes y las diferentes escenas parecen muy reales y llenos de volumen. Las expresiones y movimientos de los personajes se basan todos en expresar las diferentes relaciones y estados psicológicos entre ellos. En aquellos entornos arquitectónicos y naturales que cumplen con las leyes de la perspectiva lineal, los personajes se ubican en sus respectivas posiciones, tal como escenas reales de la vida. No hay ninguna sombra de la pintura gótica internacional que enfatice la disposición decorativa del cuadro y persiga hermosas líneas y colores. La figura completa puede resultar un poco torpe, pero es muy real. El ritmo lineal de la forma fortalece el mural. conmemoración. La autenticidad y el impulso son las características del arte de Masaccio.
E: Alberti
El famoso humanista Alberti (Leon Battista Alberti, 1404--1472) era un conocedor y un típico todoterreno. Daba gran importancia al papel de las matemáticas. esta ciencia en las bellas artes.
Le preocupaban las cuestiones teóricas y no consideraba el arte como una pura habilidad, sino como una manifestación de sabiduría. Esta actitud era común entre los artistas durante el Renacimiento. Escribió obras sobre pintura, escultura y arquitectura, publicadas en El ". Diez libros de arquitectura", publicado en 1485, tuvo una influencia considerable en el desarrollo de la arquitectura renacentista. Se puede decir que su preferencia por las formas geométricas como cuadrados y círculos son las características de esta época y de su propio arte.
(2) El arte del Renacimiento temprano en otras regiones de Italia
Florencia jugó un papel importante e innegable en el desarrollo del nuevo arte, pero en otras ciudades del centro y norte de Italia, entre ellas, También han surgido algunos artistas destacados que también han hecho grandes contribuciones a la expansión de los logros y la influencia del nuevo arte.
A: Francesca
Francesca (Piero della Francesca, 1416?--1492) es la figura más famosa dedicada a actividades creativas en las ciudades del centro de Italia. Este pintor inquieto también concedía gran importancia a la perspectiva y la consideraba la base de la pintura. Escribió "Sobre la perspectiva en la pintura" (1482). En su serie de pinturas religiosas, las figuras geométricas permanecen tranquilas en ambientes arquitectónicos y naturales que cumplen estrictamente con las reglas de la perspectiva. Los colores brillantes crean una atmósfera de luz, dándoles una sensación solemne y tranquila.
Obras representativas: murales “La Leyenda de la Vera Cruz” (1452--1464) y “La Flagelación de Cristo” (hacia 1456--57).
B: Giovanni Bellini
Giovanni Bellini (Giovanni Bellini, hacia 1429--1516) fue el pintor más destacado de Venecia en el siglo XV. Se puede decir que él inició la Escuela de Pintura de Venecia, famosa en la historia del arte. A diferencia de los pintores florentinos que enfatizaron el uso de formas lineales y la atención a la gestión gráfica, y a diferencia de Mantegna, Giovanni Bellini fue un pintor que sabía usar el color.
Obra representativa: "El San Francisco Encantado" (hacia 1485) El paisaje ocupa la mayor parte del cuadro, todo está bañado por el sol y los maravillosos colores parecen destellar con brillo. Utilizar paisajes naturales para teñir la atmósfera se convirtió más tarde en una de las características básicas de los pintores venecianos.
C: Messina
Messina (AntoneUo da Messina, hacia 1430--1479). Ha hecho grandes contribuciones al retrato. Los retratos del Renacimiento temprano a menudo se trataban de perfil completo, pero cambió el tema a un perfil de tres cuartos, para que los personajes de la pintura miraran al público de manera más natural y más. El enfoque íntimo se convirtió más adelante en el modo de retrato más popular. Las obras de Messina presentan pinceladas suaves, colores brillantes y un ambiente tranquilo.
Obra representativa: "El Martirio de San Sebastián" (hacia 1475--1477).
3: El arte del Alto Renacimiento en Italia
En el primer cuarto del siglo XVI, Italia vivió un período de tensión política y guerra casi continua. Fue durante este período extremadamente turbulento que se formó el arte del Alto Renacimiento. Este es un concepto claro y noble, un arte grande y comedido, en definitiva, es el arte del equilibrio clásico. La aparición de los tres maestros del Renacimiento, los famosos artistas Leonardo da Vinci (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (1483-1520), marcó el comienzo de la literatura y el arte italianos. alcanzó su glorioso apogeo. Cada uno de ellos era un individualista destacado que, a pesar de las chispas de inspiración mutuas, nunca formaron un grupo. Los tres lograron extraordinarios logros técnicos y una perfecta coordinación de mente, ojos y manos. Los problemas que avergonzaban a los artistas anteriores se resolvieron sin demasiado esfuerzo. La forma artística de sus obras siempre revela maravillosamente el contenido intelectual. Durante el Alto Renacimiento, un grupo de artistas representados por Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael perfeccionaron aún más las exploraciones italianas del siglo XV, integrando razón y emoción, realidad e ideales en las bellas artes. Ha logrado una unidad perfecta y ha alcanzado un alto nivel. grado de armonía en la relación entre forma y espacio, estableciendo así un estilo clásico para el arte representacional y proporcionando el mejor ejemplo a seguir para las generaciones futuras. En el desarrollo posterior del arte occidental siempre se puede sentir su poderosa influencia. Ya sea que lo elogies o lo niegues, todo es porque eres consciente de su existencia.
A través de la introducción y las obras de estos artistas, se puede ver el estado del arte del Alto Renacimiento italiano.
(l): Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452--1519) nació en la ciudad de Vinci Quizás nunca haya habido uno en la historia de la humanidad. Una persona polifacética como Leonardo da Vinci. La amplitud de su trabajo y sus logros son realmente alucinantes. El arte es sólo una de las formas en que desea entender el mundo. No ocupa todo su tiempo y energía, pero ha logrado logros asombrosos en este campo. La introducción del conocimiento de las ciencias naturales en el arte fue una importante contribución de los italianos en el siglo XV. Leonardo da Vinci heredó esta tradición y la mejoró enormemente.
Obras representativas: La famosa "La Última Cena" (aproximadamente 1495--1498). La composición perfecta, la forma y el espacio armoniosos, la rica representación psicológica y la profunda humanidad revelan la belleza clásica. "Mona Lisa" (alrededor de 1503-1506) Leonardo da Vinci pasó varios años pintando este busto. Hizo que la esposa del hombre de negocios tuviera las manos juntas de forma natural y el cuerpo y la cabeza girados hacia los lados en diversos grados. pero también parece tranquilo. El sólido cuerpo de carne y hueso de Mona Lisa y su misteriosa sonrisa se combinan con el fondo distante como un paisaje chino, dejando un espacio infinito para la imaginación y permitiendo a las generaciones futuras realizar diferentes interpretaciones. Este sentimiento, que es tan complejo y rico como la vida real y que hace que la gente no pueda describirlo con palabras, es la cualidad única de las más grandes obras de la literatura y el arte, y estableció un modelo de retrato de medio cuerpo para las generaciones futuras.
(2): Miguel Ángel
El mayor escultor de Occidente, Miguel Ángel Buonarroti (1475--1564). Si bien estaba comprometido con la comprensión de los logros de los antiguos, también estaba comprometido con la disección del cuerpo humano y el estudio de la estructura y el movimiento del cuerpo humano, lo que lo convirtió en la mejor persona para utilizarlo plenamente. Uno de los artistas más expresivos. A diferencia del arte de Leonardo da Vinci, que está lleno de una belleza profunda e inteligente, las obras de Miguel Ángel son conocidas por su fuerza e impulso, y tienen un espíritu majestuoso y heroico. Quizás sea el artista más cercano al reino de Beethoven. En sus esculturas y pinturas, imágenes gigantescas y majestuosas se mantienen erguidas. Incluso las imágenes femeninas que creó tienen un espíritu valiente, como si fueran las mujeres amazónicas de la mitología.
Obra representativa: La estatua "David" (1501--1504) es la obra maestra inmortal más conocida de la historia del arte y la obra que demuestra más claramente las características del arte italiano durante el Alto Renacimiento. Al tallar la imagen de David en una piedra preciosa que había estado abandonada durante mucho tiempo, realmente realizó su ideal de liberar vida de la piedra. Con habilidades soberbias y una gran confianza, talló este coloso heroico perfecto.
(3): Rafael
Rafael Sanzio (1483--1520), cuyas obras siempre han sido consideradas como la encarnación más perfecta del espíritu del arte clásico. Ingres lo llamó el dios de la pintura. Rafael es el maestro que mejor crea la imagen de la Virgen en la historia del arte occidental. Su serie de estatuas de Madonna unifican armoniosamente la belleza perceptiva y la belleza espiritual, transmitiendo así los mejores deseos y las emociones eternas de los seres humanos. La accesibilidad, la intimidad y la naturaleza son las mayores características de las obras de Rafael. En sus escritos, el conocimiento profundo y la consideración cuidadosa se integran en el mundo artístico relajado compuesto de líneas suaves. Todo parece ser la expresión natural de la naturaleza y el sonido de la naturaleza. Inocencia y belleza, solemnidad y naturaleza, brillo y claridad, armonía y sencillez, son las cualidades más respetadas del arte clásico y se reflejan más vívidamente en Rafael. Por lo tanto, los artistas que defienden el estilo clásico lo consideran un modelo ideal. Tal como dijo Reynolds: él mismo se convirtió en el modelo para todas las generaciones futuras de pintores.
Obra representativa: "La Bella Jardinera" (hacia 1606). Rafael combina armoniosamente las bellas imágenes de la Virgen, Jesús y San Juan con líneas redondas y suaves, creando una atmósfera mundana, del mundo bondadoso. de Dios. Este mundo está muy alejado del espíritu de la Edad Media, y su encanto puro, claro, sencillo y natural se acerca más al espíritu de Grecia.
(4): Tiziano y los destacados representantes de la Escuela Veneciana
En el desarrollo del arte renacentista italiano, Florencia y Roma jugaron un papel sumamente importante durante la mayor parte del siglo XV. Los artistas están activos en estas dos ciudades.
Otras ciudades como Venecia, ciudad del norte de Italia, alguna vez fueron el centro del comercio entre Oriente y Occidente. Su sistema político y su sistema político, así como su atmósfera comercial, hicieron que su vida social estuviera impregnada de un fuerte color secular. alegría. En esta situación única, el arte veneciano también mostró una mirada única, diferente de Florencia y Roma. Sus pinturas dan pleno juego al poder expresivo de los colores llenos de encanto sensual, muy diferente de las pinturas florentinas y romanas que enfatizan las líneas y los bocetos.
A: Tiziano
Tiziano (Tiziano, 1488/90--1576) se ha convertido en una figura destacada del círculo de la pintura veneciana con sus ricas creaciones a lo largo de su larga vida. En su práctica creó un estilo lleno de alegría, vitalidad y grandeza. Junto con Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, se convirtió en la principal figura representativa que simbolizó los gloriosos logros del arte italiano del Alto Renacimiento.
En su obra representativa "Cristo con corona de espinas" (hacia 1570), el pintor veneciano destaca por su buen uso del color. El principal factor que constituye el encanto de sus obras es el color. Ésta es la diferencia entre los artistas florentinos y los artistas venecianos. Esta diferencia a menudo permite a las generaciones posteriores de pintores al óleo obtener inspiración técnica más directamente de las obras de pintores venecianos como Tiziano. La pintura al óleo, una forma que puede expresar la luz y el color, fue perfeccionada en Italia por Tiziano y otros. En las obras de Tiziano de sus últimos años se desarrollaron plenamente las características del lenguaje pictórico al óleo. Al crear, utiliza pinceladas amplias y desenfrenadas para aplicar diferentes colores, usándolos para dar forma a la forma y realzar el impulso. Aquí no hay formas y líneas claras, ni la atmósfera brillante y alegre de sus trabajos anteriores. La configuración de colores rica y solemne se ha convertido en un arma poderosa para expresar el fuerte sentimiento trágico. En esta obra, que muestra las magistrales técnicas de pintura al óleo de Tiziano, podemos ver su desarrollo espiritual y lingüístico.
(5) Artistas de otras regiones
A: Sarto
Sato (Andrea del Sarto, 1486--1530) nombre real Andrea Ya Dagnolo di Francesco. Después de que los tres maestros del Renacimiento abandonaran Florencia, Sarto se convirtió en el pintor local más famoso. Sarto era un pintor experto en las formas y la luz, y sus magníficas habilidades le valieron el título de Pintor Perfecto.
La obra representativa es el retablo “Nuestra Señora de Hapi” (1517). La solemne composición clásica y la elegante imagen tienen las características del alto arte renacentista, pero hay un significado diferente en el tratamiento de la luz.
4: Arte Manierista
Una gran cantidad de brillantes obras de arte creadas por maestros como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael establecieron un modelo perfecto. A los ojos de la gente, son las encarnaciones más ideales y perfectas. Cuando se enfrentan a ellos, los artistas posteriores no pueden evitar sentir como si estuvieran frente a un vasto océano. Algunos jóvenes artistas italianos, inspirados por las creaciones de Miguel Ángel y Rafael, intentaron imitar y desarrollar sus estilos sin importar el espíritu inherente de sus obras, otros más talentosos y ambiciosos se dedicaron al lenguaje formal. Hay cambios e innovaciones en las obras; , y se centran en mostrar sus propias características en las obras. En general, sus creaciones se desviaron de los ideales y principios básicos del alto arte renacentista y abandonaron su estilo artístico natural, armonioso y sencillo. Persiguen un estilo con efectos visuales únicos y un fuerte sentido de la forma. Las obras que producen tienen a menudo un sabor deliberadamente elaborado, frío y distante, y son bastante subjetivas e imaginarias. Pero para aquellos con gustos únicos, resultan bastante atractivos. Este fenómeno artístico se hizo popular después del Alto Renacimiento y antes del Barroco, y los historiadores lo llaman arte manierista. Los chinos también lo tradujeron al manierismo o al arte manierista basado en textos occidentales. Florencia es la cuna y el centro más importante del arte manierista. Bajo Sarto aparecieron Pontormo y Russell, los primeros representantes del manierismo.
(1) Pontormo
Pontormo (1494--1557), cuyo verdadero nombre es Jacob Carucci, tiene un estilo personal distintivo. Sus obras revelan más factores nuevos.
En la obra representativa "Cristo descendiendo de la cruz" (ca. 1526--1528), las figuras que llenan el cuadro son casi completamente planas en el primer plano. Estas figuras con colores claros y líneas suaves parecen flotar. nubes. En un vacío sin sentido real del espacio. Carecen de volumen y peso, como finos recortes de papel.
Toda la imagen está llena de una sensación de ensueño y un trasfondo poco realista.
(2) Rosso
Russell (Giovanni Battista Rosso Fiorentino, 1495--1540) es un pintor talentoso con un estilo único. Russell fue invitado a trabajar en Francia por el rey Francisco I, que amaba el arte italiano, dejando así el manierismo en Fontainebleau e influyendo en la cara del arte francés.
La obra representativa "El Descendimiento de Cristo" (1521) tiene el mismo tema que la obra maestra de Pontormo antes mencionada, pero tiene sus propias características. Cruces geométricas, escaleras y figuras angulosas y rígidas forman un mundo pictórico estancado y congelado. Todos los personajes de la imagen permanecen congelados como poseídos por un hechizo, creando una sensación extraña y aterradora que intensifica el significado trágico de la obra.
(3) Bronzino
El pintor florentino Bronzino (Agnolo Bronzino, 1503--1572) es una figura representativa del apogeo del manierismo. Bajo la tutela de Pontormo, desarrolló su propio estilo. Sus obras son conocidas por su exquisita pincelada, frías emociones y colores deslumbrantes.
Obra representativa: "Ellenora de Toledo y su hijo Giovanni de' Medici" (hacia 1550) es un perfecto ejemplo de su estilo pictórico. El fondo azul oscuro realza las figuras inmóviles con ropas preciosas. La dama finamente tallada tiene una expresión indiferente, como una figura de porcelana, con una elegancia fría.