Pintura de áridos pequeños C13-18

Lectura refinada

1. Courbet: confiado, rebelde, loco, brillante.

Su autorretrato puede ser el más genial de la historia del arte occidental, que se diferencia de los autorretratos de otros pintores con rostros inexpresivos y ojos vacíos. Muestra a Courbet mirándote con el pelo levantado, un autorretrato inolvidable. Esta pintura también refleja plenamente la personalidad desenfrenada de Courbet y también tiene un toque de "exageración" y "espectáculo".

La pintura francesa del siglo XIX era un lugar donde los "monstruos" surgían en gran número... y Courbet era definitivamente el "rey mono entre los monstruos".

Pero hay una cosa más: ¡Courbet es autodidacta! De hecho, Courbet aprendió técnicas de pintura del cura del pueblo desde que era un niño. Después de llegar a París, también recibió educación en pintura ortodoxa en la Real Academia de Bellas Artes y en la Academia de Bellas Artes de Besançon... Para un pintor chino, es importante "aprender del maestro". Cuanto más famoso sea el maestro y más respeto se le tenga, más fácil será que se reconozca su trabajo. Los pintores extranjeros prestan atención a la "individualidad" y la "innovación", por lo que es raro escuchar palabras como "cierto pintor heredó el 100% del estilo de su maestro" o "sus pinturas son exactamente iguales a las de cierto maestro" para evaluar a un pintor. .

Courbet dijo que no tuvo maestros cuando los tuvo, porque en su opinión, no aprendió nada de estos maestros. Su estilo de pintura y sus temas fueron todos explorados por él mismo.

En la década de 1940 comenzaron a surgir sus originales "artes marciales", la más famosa de las cuales es su serie de "obras narcisistas" con él mismo como tema. Courbet fascinó a miles de fans femeninas (y también masculinas) con esta serie de selfies, dando con éxito el primer paso en el "self-marketing".

Si bien su fama se disparó, sus obras también fueron reconocidas por instituciones autorizadas, lo que se menciona a menudo en el primer libro: el Salón Oficial Francés. La única manera que tenía un pintor novato de hacerse famoso era entrar en un salón oficial. El salón oficial era la plataforma artística más autorizada y única en Francia en ese momento. Como institución autorizada, debe tener un estándar autorizado, que también sea responsable de los pintores que considera talentosos. Sin embargo, las personas que establecieron este estándar son todos artistas antiguos que fueron influenciados por la pintura clásica. El estilo artístico de estos "nuevos nuevos humanos" está lejos de sus estándares. De todos modos, una cosa es segura. No es el rechazo del salón lo que crea estos nuevos artistas, pero tarde o temprano se harán populares. La pregunta es dónde. Courbet es el mejor ejemplo.

Esto es lo que escribió en 1849 sobre el pueblo Hornung descansando después de una comida. La imagen muestra al padre de Courbet y a varios invitados que acudieron a su casa. Estaban descansando y escuchando música después de cenar. Son relajantes y confortables. ¡Pero este tema es raro en los salones porque no se puede servir en la mesa! Además de los cuentos de hadas, en los cuadros del salón también aparecen emperadores, generales, talentos y bellezas. Courbet, por otro lado, se centró en la gente corriente que se encuentra en todas partes de la vida diaria. Aunque no se sirve en la mesa, la temática es muy novedosa. Después de su exhibición en el Salón, la pintura fue bien recibida. Courbet también recibió del Salón la "medalla de oro a la inmunidad ante la muerte" (en el futuro, podría enviar cuadros a exposiciones sin aprobación).

Ese mismo año, Courbet también creó esta mampostería. Aunque no podemos ver sus rostros en la imagen, la imagen completa puede darle a la gente un sentimiento de tristeza... porque podemos ver claramente el futuro de nuestro hijo en la imagen, y él se convertirá en Como el anciano que me rodea, continúa hacer un trabajo físico duro...

Estas dos pinturas también sentaron las bases del estilo pictórico de Courbet. Creía que el clasicismo y el romanticismo eran demasiado falsos y artificiales. "Si quieres que dibuje un angelito con alas, entonces puedes tomar uno y mostrármelo primero". Courbet sólo pintó su "realismo" e insistió en prestar atención a la gente común en la vida diaria. Después de ganar honor, fama y dinero, empezó a pintar lo que le gustaba. Esta es su obra maestra más famosa "El funeral de O'Nan". Los "rebeldes" talentosos son especialmente populares.

Se unió a la Comuna de París en 1871 y fue elegido presidente de la Asociación de Artistas de la Comuna. El 16 de mayo de 1871, Courbet dirigió un grupo de jóvenes enojados para derribar un pilar. Este pilar se llama "Pilar Vendom" y fue elaborado con 200 cañones. Este pilar es un símbolo del Imperio francés y, lo que es más importante, simboliza la gloria de la familia napoleónica. Tras la derrota de la Comuna de París, Courbet fue arrestado. Courbet pasó seis meses en prisión. Después de salir de prisión, recibió una factura del gobierno: 300.000 francos, que se utilizaron para reparar la columna Vendôme. Cuando se acabó el dinero, Courbet se exilió y bebió todo el día para ahogar sus penas. Pronto murió de alcoholismo en Lausana, Suiza.

Las obras de Courbet influyeron en muchos pintores de la época. Por ejemplo, Manet, el posterior "padre del impresionismo".

Su personalidad salvaje y desinhibida lo convirtió en un artista que "destaca entre la multitud" y conmocionó a todo el mundo de la pintura una y otra vez... ¿Es esta su verdadera expresión de personalidad o su autocomercialización deliberada? Ya sea "real" o "actuación", su espíritu intransigente y su actitud de innovación y cambio en el arte son dignos de nuestro respeto.

2. En opinión del autor, solo en términos de fama e influencia, los pintores se pueden dividir básicamente en cuatro niveles:

El cuarto nivel son los pintores. De hecho, es un artesano. La pintura es sólo una herramienta para mantenerse, un medio de supervivencia. Principalmente retratistas, siempre que el retrato se pinte para satisfacer al cliente.

El tercer nivel son los artistas. Sé más poderoso y ten tus propias ideas e incluso tu propio estilo.

Para ellos, pintar no es sólo un trabajo, sino también un hobby y una forma de expresar emociones personales.

Se utiliza principalmente la segunda marcha. Un pintor que pueda entrar en esta categoría básicamente puede describirse como "genial". No sólo han hecho contribuciones destacadas en la historia del arte, sino que sus obras incluso influirán en muchos artistas de tercer y cuarto grado.

El archivo 1 es una leyenda, lleno de genios brillantes y tiene un significado trascendental en la historia del arte. Ser incluido en este archivo requiere algo de "suerte". Puede ser "buena suerte" o "mala suerte". Debe ser un "narrador de historias". Al igual que en un concurso de talentos, si algo es bueno, si puedes agregarle un poco más de sabor, será aún mejor.

¡En el mundo de la pintura holandesa, los pintores de "primer grado" al menos pueden jugar a una mesa de mahjong! Los pintores de "segundo nivel" casi podrían formar varios equipos de fútbol. ) A esta mesa de mahjong la llamo los "Cuatro Reyes de los Países Bajos".

Dos de ellos son de Van Gogh y Rembrandt, y de Johannes Vermeer, 1632 ~ 1675. Porque no dejó casi nada más que pinturas.

3. Hombre Misterioso: Vermeer

Por lo tanto, se puede decir que el título "Hombre Misterioso" es digno de su nombre. ¿Cuántas pinturas dejó Vermeer? Este tema aún no está decidido, o se puede decir que hay 35+1 tarjetas y 1 tarjeta pendiente.

¡Porque se puede decir que sus más de 30 pinturas son obras maestras! La chica del pendiente de perla puede parecer un retrato simple, pero puede capturar los nervios visuales de cada espectador y hacerlo inolvidable. Una pintura de hace más de 300 años puede conmovernos a la gente moderna. Ésta es la magia del propio Vermeer.

Echemos un vistazo a su "autorretrato" (o presunto autorretrato) - "Estudio". De hecho, este pequeño agujero debería ser el ojo de una aguja. Vermeer clavó una aguja en esta posición, enrolló un hilo alrededor de la aguja y completó toda la composición basándose en las líneas auxiliares extraídas del hilo. ¿Por qué el agujero está ubicado aquí? Porque Vermeer quiere llamar su atención sobre esto, sin que usted lo sepa.

De hecho, "controlar" la atención visual del espectador es una técnica común de los pintores holandeses. Pero otros pintores suelen utilizar los dedos u otras partes del cuerpo de los personajes para señalar el punto que quieren que veas. Sólo Vermeer controla tu visión de forma inconsciente. Este es también el truco habitual de Vermeer, que oculta pistas obvias para hacer la imagen más intrigante...

Hasta cierto punto, Vermeer también debería ser considerado un "fotógrafo", pero los fotógrafos comunes y corrientes presionan el obturador. "hacer clic", pero el fotógrafo de la Universidad de Victoria necesita presionar el obturador una vez cada seis meses: la llamada "cámara humana".

Vermeer ha ascendido al trono de "Super Master" con más de 30 pinturas porque cada una de sus pinturas contiene muchos detalles cuidadosamente diseñados, enganchando al público como pistas en una novela de detectives, la gente no puede evitarlo. pero adivina el significado detrás de la pintura.

Metáfora: Muchos pintores utilizan metáforas, pero Vermeer las utilizó mucho.

Controlar la visión: a Vermeer le gusta usar sus pinturas para controlar la visión del espectador, y al mismo tiempo intenta usar varios accesorios para mantenerte fuera de la imagen... Quizás esta sea la llamada "belleza de la distancia". Además de utilizar mesas y sillas, Vermeer también utiliza el color para controlar la visión. "Delft Landscape" es el "Rolls Royce" de la pintura de paisajes.

Para lograr el propósito de manipular la visión, a menudo guía al público ordenando el mobiliario de la habitación. El movimiento y la quietud son opuestos. Vermeer creó deliberadamente la "ilusión" de ondas de agua para resaltar el silencio de toda la pintura.

4. "Pintor de Oro" Gustav Klimt Gustav Klimt: el "doble genio" del arte y el diseño.

Nunca hablaba de su trabajo, ni siquiera de sí mismo. Una vez dijo: "Si quieres entenderme, ve a ver mis cuadros".

¡Su padre era escultor y tallaba oro! Estas figuras geométricas decorativas aparecieron posteriormente con frecuencia en la obra de Klimt. Ésta es también la razón por la que las obras de Klimt son muy decorativas. Klimt es sin duda el más "desarrollado" de los maestros artistas. Podría ser una "cámara del cuerpo humano" o un montón de cosas abstractas. Lo mejor es la combinación perfecta de realismo y abstracción sin ningún sentido de contradicción. Obra representativa: Retrato de Adele Bloch-Bauer, 1907.

Klimt también fue un artista rentable. Él sabe lo que le gusta a la gente. Las obras de Klimt a menudo traen a la gente un ensueño sin fin, y hasta el día de hoy no se sienten anticuados. Y sabe combinar perfectamente diseño y arte. El diseño presta atención a la creatividad y el arte presta atención al sentimiento.

5. Egon Schiller de Egon Schiller

Nadie hubiera pensado en ese momento que brillaría en los próximos 20 años e incluso reemplazaría a Kerry Mutter, convertido en el nuevo dios del arte de Viena... Klimt era el "noble" de Schiele. En ese momento, Schiele ya había encontrado su propio estilo, algo que muchos pintores no pudieron hacer en vida. Lo hizo cuando tenía 19 años. Cuando se habla del estilo pictórico de Schiele, hay que mencionar la "escuela" a la que pertenece. A los expertos y estudiosos les gusta clasificarlo como "expresionismo". Un estilo de pintura que es colorido, distorsionado, no persigue habilidades pictóricas, es descuidado, insulso, carece de perspectiva, es irracional (crea basándose en sentimientos) y utiliza el horror y el sexo como temas principales.

El método de operación específico es el siguiente:

1. Prepare las herramientas (pintura, lienzo, pincel, etc.).

) necesarios para pintar;

2. No empieces a pintar primero, deja que tu cerebro esté vacío y tu cuerpo se relaje

3. las pinturas más coloridas;

4. Ahora, con el primer cuadro que se te ocurra, píntalo sobre el lienzo con estas pinturas de tu elección.

Nota: No te preocupes por si el cuadro “se parece”, deja que tu mano guíe el pincel y sigue tus pensamientos sobre el lienzo.

A los ojos de la gente corriente como nosotros, las obras de muchos maestros expresionistas realmente parecen pinturas ciegas. Sin embargo, en realidad están lejos de ser tan simples como parecen, al igual que cuando un maestro de artes marciales alcanza su punto máximo, no necesita ningún movimiento complicado para matar a su oponente. Aunque ambos pertenecen al expresionismo, las obras que expresan pueden ser muy diferentes en función de las diferentes experiencias de vida de cada pintor y de su diferente comprensión y dominio de las técnicas pictóricas. En otras palabras, en primer lugar, depende de si tienes "materia" en tu mente; en segundo lugar, si tienes "kung fu" en tus manos, y finalmente, depende de tu preferencia entre los dos (cuál representa más); porcentaje). El expresionismo no tiene un método de pintura unificado, es más como "Shui Po Liang Shan", cada héroe tiene su propia habilidad. Mientras expreses tus verdaderos pensamientos, todos seremos buenos hermanos. Por tanto, el expresionismo también puede considerarse una "mezcolanza". Los artistas que no saben en qué género deberían pertenecer son básicamente arrojados al expresionismo. También hay superestrellas, como Edvard Munch, cuyo "Scream" es un nombre muy conocido.

Schiele pintó bodegones, paisajes y retratos. Pero lo que mejor se le da y lo que más le gusta dibujar es el cuerpo humano. Varios rasgos icónicos del cuerpo humano de Schiller:

1. Hermosas líneas fluidas son el sello distintivo de su trabajo. Tan famoso como los colores de Van Gogh y los efectos de luces y sombras de Rembrandt, es un truco que puede "matar" de forma invisible. La perspectiva y la tridimensionalidad que han preocupado a los maestros del arte durante siglos fueron resueltas por Schiele en unas pocas líneas.

2 Métodos de pintura. Además de las líneas, el estilo pictórico de Schiele también es único. Por lo general, comienza con un dibujo lineal y luego agrega el color que cree que está justo donde cree que está. El color es como dije antes: "No para perseguir la realidad, sino para expresar emociones".

Por eso, a menudo hay muchas manchas de colores en su piel humana. Desde una perspectiva realista, estos puntos se parecen un poco a moretones o granos, pero, curiosamente, toda la imagen se siente muy armoniosa, como si esos puntos deberían estar ahí.

3 temas. Respecto al tema de las pinturas de figuras de Schiele, sólo hay una palabra: "sexo". Entre sus más de 65.438 pinturas de figuras, 9 contienen implicaciones sexuales.

Estas personas dejaron muchas obras y hechos clásicos, que tocaron a innumerables personas, pero nos dejaron temprano... Por supuesto, es lamentable que alguien muera joven, pero para otro Pensándolo desde otro ángulo , también es una especie de felicidad que dejaron los clásicos allí en su gloria y arreglaron sus vidas en el momento más glorioso. Mirando retrospectivamente las pinturas, los dibujos e incluso los diseños de carteles de Schiele... incluso hoy en día, no parece anticuado. Y él siempre será joven y guapo en nuestros corazones.

Como dijo una vez: "El arte no es moda, el arte debe ser eterno".

6 Edouard Manet, "El rompecorazones", 1832 ~ 1883: por Conocido como el " Padre del Impresionismo".

Con dinero, estatus y buenas habilidades para pintar, es difícil que te busquen. El "Mark" francés es muy popular, incluidos Monet, Zola y Degas. Tiene amigos en toda la industria.

Aunque Manet no pertenece al Impresionismo, es buscado y admirado por todo el Impresionismo. Todo proviene de uno de sus cuadros, "Almuerzo sobre la hierba". Si el movimiento impresionista supuso una gran explosión en la historia del arte, entonces las pinturas de Manet fueron un detonante. El tema y la composición son "homenajes" al maestro, y a la figura se le añade un elegante traje. ¿Cuál es el problema? El aprendizaje está realmente en esta prenda.

Napoleón III era un líder muy apasionado por el arte, pero pocos de los artistas que le gustaban podían dejar su nombre en la historia del arte. Al contrario, la mayoría de los artistas que rechazaba eran rojos y morados. Desde Courbet, presentado anteriormente en este capítulo, hasta Manet y luego los impresionistas, todos se han convertido en maestros de la historia del arte. Una persona que ama tanto el arte se ha convertido en el coleccionista más ignorante de la historia. ¡Bueno! Fue la "Exposición fallida" del Salón de Napoleón III la que hizo que Manet triunfara. Para la gente corriente, este cuadro "Almuerzo sobre la hierba" es probablemente una imagen desconcertante de una mujer desnuda. Para un grupo de artistas "nuevos", esta pintura no solo subvirtió todos los conceptos artísticos dominantes en ese momento, sino que también vio esperanza en esta pintura: también fue una obra rechazada por el Salón, ¡qué sensacional! Si Lunch on the Grass es el rayo que atraviesa el cielo nocturno, entonces Olympia es el verdadero "golpe al cuerpo". ¡Las autoridades creen que esta pintura es la flagrante provocación de Manet contra el arte dominante!

El Bar del Parque de Atracciones de la Diosa: Manet utilizó sus obras para "rendir homenaje" al maestro que admiró por última vez. Esta vez fue Velásquez, el "pintor de espejos" que más admiraba.

El público mira este cuadro, de cara a la mujer detrás de la barra, pero puede ver todo lo que hay en la barra desde el espejo. Esto es exactamente lo que ve la mujer...

Manet tiene muchas obras maravillosas Título: el. padre del impresionismo y fundador del arte moderno, en su lápida sólo hay una breve frase grabada, supuestamente escrita por Degas: "Eres más grande de lo que imaginábamos".

7.Berthe Morisot puede convertirse en artista femenina. Primero, ella tiene dinero. Su "dinero" está en sus huesos y es tan rica que ni siquiera se da cuenta de lo rica que es. Lo que siguió fue el nacimiento de una familia artística. Mi abuelo es el maestro del arte rococó: Jean Honoré Fragona, que pintó "El columpio". Una artista que marcó el comienzo del apogeo del arte rococó. Su maestra fue Camille Corot, el maestro de Barbizon. Representante de la Escuela francesa de Barbizon, fue el paisajista lírico más destacado del siglo XIX y el artista que dejó pinturas más abundantes del siglo XIX. Su vida actual encarna los sueños de innumerables personas: ser rico, hacer cosas artísticas y viajar. Más tarde, Morisot llevó el concepto de pintura al aire libre al impresionismo y se convirtió en uno de los fundadores del impresionismo. Si las pinturas de Renoir están llenas de felicidad, la actuación de Morisot es de calidez y armonía. En su obra maestra "La Cuna", uno puede sentir el amor y la ternura maternal solo en los ojos y los movimientos de su hermana Emma. Su truco es que las mujeres sobre las que escribe son siempre atractivas. Quizás esta sea la ventaja de las pintoras. Parecen capaces de pintar el mundo interior de una mujer. Cada vez que me paro frente a las mujeres que ella pinta, no puedo evitar sentirme atraído por sus ojos. A veces son sólo dos simples puntos negros, a veces ni siquiera te mira, pero aún así puede captar la atención del espectador sin esfuerzo.

Morisot apareció en los lienzos de Manet 12 veces y era su modelo favorito. El más famoso de ellos es este retrato. En opinión personal de Xiao Gu, esta pintura es comparable a "La joven de la perla" y "Mona Lisa" en términos de grado de movimiento y valor artístico, pero no es tan misteriosa como esas dos pinturas. Los ojos oscuros de Morisot parecen especialmente conmovedores sólo en los lienzos de Manet.

Aplicación práctica

1. No hay nada de malo en utilizar tecnología de alta tecnología para hacer que sus pinturas sean más precisas. La clave es dejar que la tecnología sirva a las personas, permitiéndote más tiempo y energía para perfeccionar lo que deseas.

2. Prestar atención al carácter decorativo de la obra, y combinar a la perfección realismo y abstracción.

3. Realismo, centrándose en la gente común y corriente en la vida diaria. Ya sea fotografía o pintura, puedes prestar atención a este tipo de obras, que provienen de la vida y son más elevadas que la vida.

Siguiente paso

1. Practica líneas dibujadas por humanos.

2. Aprenda a agregar color en la pintura de figuras. Puede agregar algunos trazos a voluntad en lugar de un efecto de color completo.

3. Conozca los diversos detalles y orientación visual de las obras de Vermeer.

Cita diaria

El diseño enfatiza la creatividad y el arte enfatiza el sentimiento.