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A mediados de los años 1960, con el surgimiento de una serie de películas como "La novicia rebelde" (1965) y "Doctor Zhivago" (1965), la película de Hollywood La industria mostró una nueva tendencia Un escenario de prosperidad. Desafortunadamente, los buenos tiempos no duraron mucho y pronto aparecieron los problemas. El futuro de las películas caras es sombrío, ya que las cadenas que solían comprarlas ya no se niegan a pagar mucho dinero por ellas. La industria cinematográfica estadounidense perdió una media de casi mil millones de dólares en ingresos de taquilla cada año (esta cifra no incluye el impacto aún mayor tras la popularidad de las grabadoras de vídeo domésticas). En 1969, Hollywood estaba perdiendo una media de más de 200 millones de dólares. un año.
Los productores de Hollywood están intentando encontrar una solución. Una respuesta es producir películas "contraculturales" para las generaciones más jóvenes. Quizás la película más influyente y popular fue "Happy Ride to Earth" (1969), de bajo presupuesto, de Dennis Hopper. Sin embargo, una gran cantidad de otras películas sobre tendencias universitarias y estilos de vida alternativos no lograron atraer más ingresos de taquilla. Lo que realmente ayudó a la industria cinematográfica estadounidense a recuperarse fue una serie de películas influyentes dirigidas por un grupo de directores jóvenes. Las obras más exitosas incluyen: "El Padrino" de Francis Coppola (1972); "El Padrino" de William Flandersken (1972); " (1973); "Tiburón" de Steven Spielberg (1975) y "Encuentros cercanos del tercer tipo" (1977); Halloween de John Carpenter (1978); Americana de George Lew Cass (1973), "Star Wars" (1977), " El imperio contraataca" (1980). Además, también se pueden citar "Dark Angel" (1976) de Brian De Palma y "Taxi Driver" y "Raging Bull" de Martin Scorsese, que también obtuvieron críticas favorables de la crítica.
Estos directores, junto con otros directores similares, son llamados "jóvenes de la industria cinematográfica" y poco a poco han ido sustituyendo a los antiguos directores de las grandes empresas. La mayoría de estos jóvenes directores se graduaron en varias escuelas de cine, como la Universidad de Nueva York, la Universidad del Sur de California y la UCLA. No sólo dominaron las técnicas de producción cinematográfica, sino que también aprendieron la estética y la historia del cine. A diferencia de los primeros directores de Hollywood, estos jóvenes directores están familiarizados con películas y directores famosos de la historia del cine. Incluso aquellos que no han ingresado a la escuela de cine tienen conocimientos y están llenos de admiración por la tradición clásica de Hollywood.
Al igual que la anterior "Nueva Ola" francesa, estos jóvenes directores apasionados por el cine también han realizado numerosas películas con fuertes colores personales. Estos "jóvenes de la industria cinematográfica" siguen el estilo de los géneros cinematográficos tradicionales, pero añaden muchos toques personales. Por ejemplo, "American Graffiti" no sólo es un musical favorito entre los jóvenes, sino también la reflexión de Lucas sobre su crecimiento en California en los años 1960. En la película "El Padrino", Coppola se adentra en una familia italoamericana y entreteje sus alegrías y tristezas internas. El guionista Paul Schrade incorporó sus observaciones y reflexiones sobre la violencia y la sexualidad en sus obras Taxi Driver y Raging Bull, así como en su película Hardcore (1979).
A medida que las películas se convirtieron en una parte importante de la vida de estos jóvenes directores, muchas películas nuevas de Hollywood se basaron en películas antiguas de Hollywood. Las películas de De Palma toman mucho de las películas de Hitchcock, especialmente "The 8th" (1980), que es una obvia nueva versión de "Psycho" (1960). ¿Qué sigue para Peter Bogdanovich? (1972) es una comedia de culto que se parece particularmente a "Bringing Up" de Howard Hawks. Carpenter's Assault on Precinct 13 (1976) se remonta a Hawkes's Bravo (1932), y su actor principal, John Wayne, también desempeñó un papel en el western de Hawks.
Al mismo tiempo, muchos directores también aprecian el estilo de las películas europeas. Por ejemplo, Martin Scorsese aprendió mucho sobre expresión visual del director italiano Visconti y del director británico Mike Powell. Algunos directores soñaban con realizar sofisticadas "películas artísticas" inspiradas en modelos europeos. Quizás el ejemplo más famoso de esto sea The Talk (1974) de Coppola. Esta misteriosa historia, basada en Amplificación (1966) de Antonioni, intenta unificar realidad y ficción. Robert Altman y Woody Allen son otra forma. Dieron rienda suelta a su creatividad alimentándose de las películas europeas. Por ejemplo, "Tres mujeres" de Altman (1977) y "Heart of Mine" de Woody Allen (1978) estuvieron profundamente influenciadas por las obras de Ingmar Bergman.
Ultraman y Woody Allen pertenecen a la generación anterior. Sin embargo, entre estos "jóvenes de la industria cinematográfica" siguen surgiendo directores de éxito de esta época. Lucas y Spielberg se convirtieron en los creadores de cine más poderosos. Todos se dedicaron a la serie Indiana Jones y formaron un estilo personal distintivo entre la nueva generación de Hollywood. Coppola no logró conservar su productora, pero sigue siendo sin duda el director más importante. La popularidad de Scorsese sigue creciendo. A finales de los años 1980, se había convertido en uno de los artistas cinematográficos estadounidenses vivos y el más valorado por los críticos de cine.
En la década de 1980, estos nuevos artistas talentosos ganaron reconocimiento social y crearon un nuevo Hollywood.
Muchas de las grandes influencias vinieron de Lucas y Spielberg, pero hubo un grupo de otros directores exitosos que parecían más jóvenes: "Terminator I" (1984) y "Terminator II" (también traducida como "The End" de James Cameron). , 1991), "Batman" de Tim Burton. 》(1988). Dos películas sorprendentemente exitosas en 1993 y 1994 devolvieron la vida a Hollywood: "Parque Jurásico" de Spielberg y "Forrest Gump" de Zemeckis.
El renacimiento de las películas comerciales convencionales también se puede atribuir a un grupo de artistas cinematográficos de fuera de Hollywood, muchos de los cuales eran directores del Partido Conservador británico y Reddler Erl" y Fred "Sepis"; Wolfgang; "Petersen, Alemania; Paul Walhaven, Países Bajos; Lenlei Haarlem y otros finlandeses. En la década de 1980, más artistas cinematográficas también se convirtieron en líderes exitosas en películas comerciales, como Amy Heckerling, Martha Koenigs y Penop Sphinris.
Un grupo de directores que originalmente eran productores independientes también han realizado películas comerciales convencionales, utilizando los fondos proporcionados por los medios para dar a conocer al público a las estrellas de cine. David Leitch pasó de hacer películas nocturnas como Eraserhead (1978) a películas relativamente clásicas como Blue Velvet (1986), mientras que el canadiense David Kornberg se especializa en películas de terror o thrillers de bajo presupuesto como "Thriller" (1975). "Zona muerta" (1975). El "Nuevo Cine de Hollywood" también ha atraído a algunos directores minoritarios entre los cineastas independientes. Wang Ying es un director asiático de éxito. Protagonizó películas como "Missing Chen" (1982), "Smoke" (1995), Spark Lee (1986), "Dreams Come True", etc. Por ejemplo, "Family Reunion" de Regina Hudlin (1990), "Boys and the Gang" de John Thain Leighton (1991), "New Jack City" de Maglio Piper (191).
Por supuesto, también hay algunos directores que insisten en tomar el camino de la producción independiente, manteniéndose más o menos alejados de la productora y ocupando una posición marginal. En "Odd" (1984) y "Under the Law" (1986) de L.B., Jamie Jammus encontró un recurso narrativo al mostrar a excéntricos trabajadores administrativos a través de una cámara en movimiento. Alison Andersen Andy explora a las jóvenes rebeldes modernas, ya sea en formato pequeño; pueblos como Gas Station Boarding House (1992) o en grandes centros urbanos como Mivida Rocca (1994); sin embargo, Just The Other Girl de IRT L (1994), de Lesny Harris, se centra más en los problemas de las mujeres de color en los suburbios;
Estilísticamente hablando, no existía ningún género cinematográfico independiente en las décadas de 1970 y 1980. La mayoría de estos jóvenes directores continúan y desarrollan principalmente la tradición de las películas clásicas estadounidenses, como heredar la fluidez del montaje, la claridad de los cambios de tiempo y el desarrollo de las estructuras de la trama. Algunos directores han aprovechado las nuevas y dinámicas tecnologías de expresión visual para enriquecer y mejorar las estrategias narrativas tradicionales de Hollywood. Desde Tiburón, Spielberg ha explotado eficazmente la tradición de enfoque profundo heredada de Ciudadano Kane. Durante el rodaje de "Star Wars", Lucas desarrolló tecnología de control de movimiento para fotografía macro cinematográfica, y su compañía cinematográfica "Electric Phantom Studio" también se convirtió en líder en nuevos efectos especiales. Con la incorporación de "Electric Phantom Studio" (1LM), Zemeckis utilizó la tecnología digital para crear imágenes en la película "Forrest Gump" y Lucas también tomó la iniciativa en el uso de la tecnología digital para mejorar la tecnología de sonido.
A medida que algunos nuevos participantes se unen a Hollywood, las formas, estilos y métodos narrativos tradicionales de las películas comerciales originales se han enriquecido y fortalecido. Vemos un ejemplo específico del análisis de la película de Starfire Lee en el capítulo 11 de este libro. Otro ejemplo similar es The Joy Luck Club (1993), de Wang Ying, que se desarrolla en varias familias chino-estadounidenses y sigue a cuatro madres inmigrantes y sus cuatro hijas americanizadas. Para mostrar la vida de estas mujeres, la película sigue los principios narrativos de los pasajes de memoria de "Ciudadano Kane". En la película, las tres madres supervivientes recuerdan sus vidas antes de llegar a Estados Unidos, y para cada una de ellas se diseña una secuencia de flashback bastante larga. La película utiliza las escenas retrospectivas de cada madre para establecer aún más los flashbacks de la experiencia de vida de cada hija en los Estados Unidos en la estructura de la trama, lo que resulta en una rica serie de temas paralelos entre la realidad y los sueños. A veces, la yuxtaposición de madre e hija crea un marcado contraste, mientras que otras veces se mezcla para enfatizar las similitudes entre las dos generaciones (Imagen 12.35). Las voces en off de estas mujeres siempre dan a la audiencia una sensación de significado más allá de la narrativa. Además, hicieron que Wang Ying y su director de fotografía utilizaran la técnica tradicional del flashback para realzar el impacto emocional de la película.
Hay movimientos más estilizados en las películas de Scorsese Taxi Driver, Raging Bull y The Age of Innocence (1993), que utilizan el movimiento de la cámara y la cámara lenta para amplificar el impacto emocional. Palma se convirtió en un estilista aún más formidable, con sus películas mostrando tomas largas, construcciones elaboradas y equipos de filmación multicámara. Coppola experimentó con transiciones rápidas entre el blanco y el negro en Douyu (1983), utilizó los efectos de sonido de micrófonos en primer plano y en segundo plano en una sola toma y transmitió el ambiente de una época a través de viejos efectos especiales en The Cotton Club (1984).
Una actitud más experimental se reflejó en otro grupo de directores independientes, los hermanos Coen, que buscaron descubrir las fuentes de expresión cinematográfica en cada película. En "Rising Arizona" (1987), la fotografía de seguimiento de alta velocidad del primer plano y del fondo se combina con primeros planos distorsionados de gran angular para crear un estilo exagerado parecido al de una tira cómica (Figura 12.36). De todos modos, apareció un esfuerzo similar en la road movie de Craig Araki The End of Life (1992). En películas como Allegiance (1991), Hal Hartle debilitó la estructura argumental de la farsa popular y utilizó primeros planos lentos y reflexivos y composiciones dinámicas de primer plano y fondo (Figura 12.37).
Para las películas producidas por la empresa, el regreso al Hollywood tradicional se produjo en las décadas de 1970 y 1980. Estos jóvenes y talentosos directores adaptaron las reglas del Hollywood clásico para adaptarlas a los intereses del público contemporáneo. Al mismo tiempo, se ha desarrollado aquí una vibrante tradición de producción independiente, que encuentra una audiencia entre cinéfilos, espectadores jóvenes y audiencias minoritarias, y representa una práctica que busca buscar experiencias que sean diferentes de las de la subcultura comercial dominante. de significado.