Ilustrador de patrones de ropa: ¿Cómo te convertiste en el ilustrador de moda más popular del mundo contemporáneo?

1. Diseño de patrones de ropa y combinación de colores.

Un buen ilustrador de ropa primero debe comprender la combinación de ropa, por lo que debería leer más libros sobre combinación de ropa, hacer un buen uso de elementos populares para diseñar ropa en el trabajo, mantenerse al día con las tendencias de la época e incluso estar a la vanguardia de los tiempos.

2. Dibujar ilustraciones de ropa.

El trabajo principal de un ilustrador de ropa es hacer dibujos. Después de combinar la ropa, exprésala en la obra de arte.

3. Utilizar ordenadores para posprocesar manuscritos dibujados a mano.

Un buen manuscrito dibujado a mano, tras el procesamiento informático, puede ser el toque final. Por lo tanto, un ilustrador no solo debe poder dibujar a mano, sino que también debe aprender software de computadora para dibujar y dominar su manejo.

4. Boceto de figuras de moda.

Los ilustradores no sólo deben representar ropa, sino también dibujar personajes en la ropa, ya sean bocetos de personajes encantadores, brillantes o simples.

¡El ilustrador de moda contemporánea más popular! ¿Cómo se hizo? Es el ilustrador más solicitado.

Es también el mejor portavoz de la moda.

David Downton, David Downton,

nació en Londres en 1959.

Cuando era niño,

el mejor regalo para él era un gran trozo de papel blanco.

Sin embargo,

Lo que David no esperaba era que

con el tiempo, pudiera ganarse la vida pintando.

▲David Downton pintaba cuando era joven.

▲El estudio es tu propio cuadro, nada menos que el estudio de Picasso.

▲Puedes crear trabajos increíbles en un banco de trabajo "divertido e informativo".

David inicialmente estudió diseño gráfico,

su primer trabajo fue a principios de los años 80.

Portada de revista de informática.

▲ Ilustración de moda de David Downton en 1998 en Nueva York. Fabricado en tinta y papel de acetato de celulosa.

▲Ilustración de moda de 1998 de David Downton de Christine Lacroix, utilizando papel de caja de tinta.

Durante 15 años,

David fue ilustrador independiente.

Pase lo que pase,

Le encantaba la vida de ilustrador independiente.

▲Ilustración de David Downton de 1999 del diseño de moda de Jean Paul Gaultier. Combina un vestido negro con gafas de sol negras para lucir aún más impresionante. David utiliza a Kate Moss como modelo, mostrando el encanto clásico de la moda con un estilo popular. Esta obra es bastante famosa en la industria de la moda y es una de las obras más representativas en el campo de la ilustración de moda de los últimos años.

▲ Ilustración de moda de 1999 de David Downton para Valentino. Al igual que Lacroix, Eric y otros, sus colores están llenos de modernidad.

▲ Paloma Picasso, ilustración de moda londinense de 1999 de David Downton. Los materiales son gouache, papel para cartuchos de tinta y revestimiento de papel de acetato.

▲David Downton completó las pegatinas de botellas cortadas en papel en Londres en 1999, utilizando a Iman como modelo. El papel Pantone se recubre con acetato y luego se entinta.

La obra de David tiene líneas simples y suaves.

Tiene una gran textura y el estilo no es artificial.

Un gesto elegante que se puede mostrar bien.

Debido a este estilo de pintura único,

Algunas personas comenzaron a invitarlo a hacer ilustraciones de moda.

Entre ellos se encuentra

Carmen dell'Orefice, un mito de 85 años,

También fue una de las musas de David.

▲ Ilustración de moda de David Downton en Nueva York en 2000. La modelo es Carmen Dale Orpheus y el diseñador es Thierry Mugler. La pintura se dibujó primero con pasteles al óleo sobre papel Pantone, se cubrió con papel de acetato de celulosa y luego se pintó con tinta.

▲Retrato realizado por David Downton en 2001 de Anna Page, editora en jefe de una famosa revista de moda europea. Capturó con éxito el alma de esta "madrina de la moda".

Colores exagerados, expresiones juguetonas, actitud rebelde, combinados con pinceladas aparentemente salvajes pero muy hábiles ~ ¡perfecto!

▲ David Downton pintó un retrato de la directora de diseño de Chanel, Amanda Harriet, en 2002.

Siempre te ha admirado por Lacroix, Antonio,

Eric, estos artistas.

Así,

existen similitudes en color y línea en estilos pictóricos anteriores.

Realizó ilustraciones para exposiciones de alta costura para revistas.

Del 65438 al 0997, participó activamente en los desfiles de alta costura de París.

Al principio, estaba aturdido y completamente desprevenido.

Pero

Los desfiles de moda de París realmente son,

artistas inspiradores.

París tiene las mujeres más bellas y los mejores trabajos de diseño.

Aquí todo es encantador.

Mientras la modelo desfila por la pasarela,

David nunca dibuja.

Como esto le resultaba imposible,

simplemente tomó fotografías o miró su reloj,

para sentir realmente cada momento conmovedor.

Pintaba en cada oportunidad que tenía.

No se le escapaba ningún momento en el que su modelo estuviera inmóvil.

Por ejemplo, durante el proceso de montaje,

A veces incluso durante el desfile cuando las modelos se toman un descanso. ...

▲Los cosméticos también son sus herramientas. Es una relación persistente entre plumas y ambos tonos son adecuados.

David dijo: "Cuando comencé a dibujar, pensé que era mi responsabilidad recrear la ropa de acuerdo con la pasarela en el escenario". Sin embargo, mi primer desfile de moda fue en el desfile de Versace. piso. Antes de que Kate Moss desapareciera, ¡solo le dibujé los brazos! Por lo tanto, es mejor apreciar cualquier detalle que el modelo actual tenga en exhibición. "

▲El draft también está cambiando.

David cree que lo más importante es la sensación del cuerpo debajo de la ropa.

Luego hay algunas Detalles como la proporción y el color.

Sin embargo, esto es más difícil de hacer.

▲El borrador también está en movimiento.

David dibujó innumerables bocetos de diseño. Luego selecciona los mejores y, cuando termina de dibujarlos, comienza a "descomponerlos y reconstruirlos".

Continúa dibujando

hasta que parecen naturales.

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Es famoso en medios de comunicación de todo el mundo, como The Times y The Independent.

Y "Harper Benjamin" (Edición australiana), etc.

Escribe reportajes sobre moda

Y realizó tres exposiciones individuales en Londres

También ha realizado exposiciones individuales en Nueva York

En los últimos años,

Para Vogue Women. Ilustración para la serie de moda. ▲David Downton pintó la portada del "Saturday Evening Post" en 2004. Este trabajo fue. creado en París y está realizado en gouache, acuarela y papel.

▲Cartel publicitario diseñado por David Downton para el desfile de Topshop en septiembre de 2004. Esta marca es obra de un joven diseñador.

▲David Downton fue seleccionado por "Commissioned by Vogue" (Edición China) como una ilustración de Valention Fitting. Realizada con tinta, gouache y papel, papel acetato. ▲Ilustración de moda de David Downton para YSL en 2006. Tinta, acuarela y papel.

▲ Ilustración de moda realizada por David Downton para YSL en 2006, compuesta de tinta, gouache, carboncillo y papel.

▲David Downton fue una ilustración de moda por encargo de la revista Madame (. Edición alemana) en 2007. La pintura se dibujó primero sobre papel con pasteles al óleo, se cubrió con papel de acetato de celulosa y luego se pintó con tinta y gouache.

▲La ilustración de David Downton fue un encargo del Times de Londres en. 2007. Los materiales son tinta, gouache y papel.

▲David Downton para su revista en 2008. La ilustración para "PourquoiPas" es Tita Wantis. Los materiales son tinta, gouache y papel. Papel de acetato cubierto con film.

Haz que David pinte a los bailarines de manera realista~

Tienes que trabajar duro y moler el mortero de hierro hasta convertirlo en una aguja~

Si quieres tener la capacidad de supera a los demás,

¡Definitivamente podrás practicar hasta el extremo!

Ilustraciones de moda: el "diablo de la moda" de 500 años Las ilustraciones de moda existen desde hace casi 500 años. Ahora que se ha producido la ropa, el concepto o la imagen del diseño de la ropa debe transformarse en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de vestuario utilizan principalmente "bocetos de vestuario" para intercambiar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la prenda propiamente dicha.

A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.

1. El comienzo de la ilustración de moda

La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos.

Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.

Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.

Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un público femenino cada vez más ávido de las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las ilustraciones femeninas.

2. El plato de moda en el siglo XIX

El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.

La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.

Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.

A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.

Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX

Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras.

Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.

En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.

Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre presentó imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.

Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.

4. La edad de oro de la ilustración de moda

El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.

Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.

Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de ropa en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.

El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados ​​principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados ​​de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".

Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.

verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y resurgimiento de la ilustración de moda

En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. Más tarde, la promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir y agregar artículos o trabajar en campañas publicitarias.

Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.

Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.

En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir.

Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.

6. La ilustración de moda hoy

En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.

La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.

Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.

Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.

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