Jack Nicholson (conversación con Jack Nicholson en su mejor momento)

Revisor: Qin Tian

Actualmente, Jack Nicholson es uno de los actores más populares de Hollywood. Con él a bordo y con el proyecto aparentemente factible, recaudar dinero no sería difícil.

Pero si lo piensas de nuevo, parece extraño. No es Robert Redford, de ninguna manera, y sus películas rara vez se clasifican como éxitos de taquilla en cuanto a intención o logros. Incluso su situación actual es ambivalente: ha aparecido en películas que a primera vista parecen bastante respetables; se han completado nuevas películas de Antonioni y Polanski, películas de Ken Russell y Mike Nichols le siguen de cerca; pero también debemos recordar que las películas recientes de Antonioni y Polanski han sido decepcionantes en taquilla después de El día del delfín, el atractivo de taquilla de Mike Nichols flaqueó.

El día del delfín (1973)

Si echamos una mirada retrospectiva a la carrera de Jack Nicholson hasta la fecha, esto no resulta especialmente sorprendente. Aunque recientemente recibió una nominación al Oscar por "Propósito especial" (su tercera nominación al Oscar), nunca ha sido cauteloso. También es el tipo de actor que suele ser nominado pero nunca gana un Oscar.

Asignación especial (1973)

Desde interpretar a un joven mediocre e ingenuo en la película de Roger Corman hasta protagonizar "Shoot" y "Twister" de Monte Hellman, Nicholson se ha labrado un nicho en la industria cinematográfica como escritor, productor y actor. Después de Easy Rider, comenzó a ganar cierta fama e influencia. Su uso de la situación hasta ahora es un ejemplo sorprendente de un puente común en las películas de los años 60: llenar un cheque en blanco.

Easy Rider (1969)

Por supuesto, esto está dentro del ámbito de la "posibilidad"; el truco está en saber cuáles son los límites de la "posibilidad". Cuando trabajó por primera vez con Corman como actor, Nicholson no tenía una ambición clara de hacer nada más.

Como muchos otros actores, comenzó a escribir guiones y coescribió el guión de Far Cry con el también actor Don Devlin. El productor de la película, Robert Lippert, lo admiraba tanto que más tarde lo invitó a él y a Monte Hellman a escribir otro guión; Coleman rechazó la película, calificándola de "un trabajo sin desarrollar y de baja calidad".

Pero Coleman se ofreció a financiarlos si podían hacer dos westerns de acción por un precio determinado. A partir de entonces, Nicholson continuó escribiendo y produciendo, creando oportunidades de empleo para sí mismo.

Luego está Easy Rider.

Jack Nicholson: Era la primera vez que participaba en el proceso de producción. Todavía me estoy peinando con Bob Rafson. Posteriormente, Dennis Hopper y Peter Fonda trajeron el proyecto. Nos lo mostraron a mí y a Bob primero. Promocionamos a través de financiación, facilitando transacciones, etc.

Luego comenzaron a rodar en Nueva Orleans. Tuvieron problemas de producción y tuvieron que reemplazar empleados. Así que invité al equipo en el que había estado trabajando de forma independiente a formar el núcleo del equipo Easy Rider de Dennis. No sé qué pasó entre Dennis y Rip Torn, quien se suponía que interpretaría mi personaje; pero Burt Schneider vino a verme y siempre pensé que no sólo quería interpretar el personaje sino también ser productor ejecutivo.

Mientras estaban filmando, yo ya no estuve involucrado en ningún trabajo de producción y me centré principalmente en mi propia actuación. Luego, a petición de todos, monté la película, desde la apariencia de mi personaje hasta el final. Mientras tanto, Henry Jaglo editó la primera mitad. Esta es la penúltima etapa de todo el proceso de edición e involucra a muchas personas que trabajan en estrecha colaboración.

P: ¿El éxito de "Easy Rider" tuvo una gran influencia en el rodaje de "He Said to Drive"?

Nicholson: Más o menos, pero para ser coproductor y coguionista de "Hair", estaba escrito en mi contrato que necesitaba prepararme para la película.

Conduce, dijo (1971)

En ese momento pensé que esta película no sería una película comercial. Hay muchas otras películas universitarias en el mercado.

Si bien estoy seguro de que puedo manejar el tema, siento que no es suficiente.

Al mismo tiempo, me di cuenta de que si un programa tiene dos personajes centrales (ninguno de los cuales tiene toda la razón, ninguno está completamente equivocado y cuyos intereses se distribuyen de manera muy equitativa), se ha roto el banco La primera regla general: la primera pregunta que la gente se hará es, entonces, ¿cuál es el interés fundamental? Le envié esto a la persona a cargo como uno de los tres proyectos que quería hacer y no estuvieron de acuerdo. Ellos piensan en películas universitarias positivas y yo pienso en películas universitarias negativas.

Mi idea en ese momento era simplemente hacer esta película. No estoy particularmente preocupado por la comercialización. Siento que este es un tema que me permite decir mucho. Una de las razones por las que me gustan las películas universitarias es que cuando las personas son ingenuas y jóvenes, tienen derecho a exponer una filosofía que no es adecuada para personajes mayores;

Si miramos los colegios y universidades como un micromundo, entonces el diálogo entre los personajes debería ser más filosófico. Este escenario específico no lo hace parecer demasiado académico, como si vieras a dos lecheros caminando juntos hablando sobre la poesía de jugar béisbol o hablando sobre la dinámica psicológica/sexual de jugar un deporte de equipo.

Todos estos son temas tratados en la película. Pero son el corazón de la película: eso es todo. La película tiene dos personajes centrales, Gabriel y Héctor. Gabriel era un joven con espíritu político revolucionario que estuvo influenciado por Wilhelm Reich. Creía en la teoría política de Reich. Sus acciones han ido implementando los pensamientos de Riker: tiene razón, lo que dice es correcto, pero nadie le cree, lo que lo vuelve loco y finalmente institucionalizado.

Trevian y yo tuvimos una acalorada discusión sobre la censura de la película porque quería eliminar una línea sobre Héctor teniendo sexo con Olive de Karen Black. En el clímax, dijo: "Iré enseguida. lejos".

Estoy seguro de que pensó que estaba loco por discutir por un compromiso tan pequeño, pero para mí, esta cita es la culminación de toda la película: la lucha entre los personajes y su liberación de esta diferencia. capacidades del poder de casta. Oliver es el más libre de todos los personajes. Gabriel queda atrapado por el estrés de sus propias alucinaciones. Héctor no es muy inteligente ni obediente por naturaleza. Tiene dificultades para conectar sus capacidades físicas con su estatus social.

Héctor y Gabriel representan filosofías completamente opuestas, pero conviven, ni del todo equivocados ni del todo correctos, ni completamente de acuerdo entre sí. Sería una tontería intentar obligar a uno de ellos a ser el protagonista indiscutible: viven en la misma habitación y participan en las mismas actividades, pero son completamente opuestos.

Sin embargo, cuando Héctor intenta hacer algo en su escena de negociación de contratos, intenta ser un revolucionario a su manera. Héctor también está tratando de continuar su carrera como atleta profesional mientras hace algo nuevo basado en su ética personal. Esta película casi podría verse como una historia de Bill Walton. La propia carrera de Wharton explica la filosofía expresada por Héctor.

¿Conoce otras películas que se basaron en personajes de películas después de su realización? Tenía todo tipo de cosas y, para ser honesto, lo que estábamos haciendo era bastante visionario. Esperemos que la película tenga más éxito para entonces. Si es un éxito de taquilla, quizá ahora esté un paso más cerca de volver a dirigir la película. Pero todavía estoy muy satisfecho con esta película, ya sea que mucha gente la haya visto o no.

P: "Drive, He Said" y "The Last Day" sólo se lanzaron en una escala limitada. ¿Cuál es el valor comercial de una película de este tipo según el modelo de distribución actual?

Nicholson: A menos que haya una forma de promocionar las películas como obras de arte, es decir, que una película sólo se proyecte en una o dos salas y el precio de la entrada se ajuste según el grado de especialización de la película. mercado y la intensidad de la demanda. Si no dependiera económicamente de la industria cinematográfica, estaría dispuesto a intentarlo.

La belleza está muriendo (1972)

Pero este método es menos útil en el arte más tradicional, como "La belleza está muriendo", que es muy Kafka. Todo el mundo conoce a Kafka, todo el mundo dice que es un gran escritor. Pero la suya no es una publicación que hará rico a nadie.

Ahora realmente siento, para decirlo ingenuamente, que si yo fuera el agente de Kafka, o si publicara un libro de Kafka, encontraría una manera de obtener una compensación adecuada para él y su trabajo.

En esta película, pienso en mi personaje como un solitario: Kafka, una persona que vive sola en una habitación, lo cual es una imagen muy específica. Más personas se identifican con ella de lo que pensamos. Cuando actúo, trato de representar honestamente al mismo grupo, y este personaje también pertenece al mismo grupo.

Pero no nos gusta verlos en la vida real, por lo que no se puede esperar que los cinéfilos acostumbrados a ver héroes gallardos o deleitarse con villanos audaces se identifiquen con estas personas de una manera tradicional. Pero al mismo tiempo, eso no significa que la película no deba estar disponible para quienes quieran verla. Este es un proceso de educación de la audiencia.

En una mesa redonda reciente a la que asistí, hablamos mucho sobre la responsabilidad social de los actores. Ahora creo que la responsabilidad de los actores no es sólo apoyar a los candidatos, sino también apoyar películas como "El último día", de lo contrario no habrá posibilidad de realizarla. Esta es una manera que tienen los actores de influir en el sistema: educando a la mayor cantidad posible de público. Como todos sabemos, esta es, en última instancia, la forma más importante de influir en la sociedad.

P: Dado que "Drive" y "The Last Day" son películas no estadounidenses y no utilizan narrativas tradicionales para transmitir significado, este tipo de educación divertida puede ser particularmente necesaria, dijo.

Nicholson: Las narrativas de ambas películas son bastante implícitas, pero el significado es más explícito. Esta puede ser una característica de las películas europeas. Ya sabes, cultivar los gustos del público estadounidense mediante una mayor familiaridad con las películas en idiomas extranjeros no ha funcionado como se esperaba: las audiencias de películas en idiomas extranjeros han ido disminuyendo en los últimos años.

Aunque el estreno de "Cries and Whispers" tuvo un buen desempeño, Roger Corman cree que la razón del progreso de las películas en lengua extranjera en Estados Unidos es simplemente porque son más explícitas sobre el sexo, mientras que en Estados Unidos Estados Una vez que una película hace tal intento, el público se mantendrá alejado de ella, dejando solo fanáticos apasionados.

Gritos y susurros (1972)

Esto es algo que me da escalofríos. Pero parece ser cierto: a través de películas como "The Last of Us" y "Eight and a Half", todas las audiencias estadounidenses se han educado mejor y tienen una visión más compleja y matizada de la narrativa, los personajes y la naturaleza humana, pero ahora Todos estos parecen haber desaparecido.

Ahora parece que la razón del éxito de Zoom probablemente sea porque tiene una escena de una mujer teniendo sexo juntas. Este es un éxito que Antonioni nunca ha tenido antes y nunca tendrá en el futuro.

Ampliación (1966)

P: ¿Cuál cree que es el punto de venta del nuevo libro de Antonioni "El pasajero"?

Nicholson: Esta nueva película es bastante arriesgada; todas las películas que he hecho en los últimos años han implicado grandes riesgos, pero afortunadamente la gente está dispuesta a arriesgarse: tal vez la conviertan en algo así. película. El riesgo de esta película es que, si bien su estructura es su fuerza, el hilo narrativo está muy fragmentado de una manera que hace que parezca que hay un segundo o tercer punto narrativo.

Passenger (1975)

El tema básico de "Passenger" es el cambio de identidad: trata sobre la fantasía y el reino subconsciente de un hombre. Él dice: "¿Por qué no me alejo de la vida que estoy viviendo ahora y me convierto en una persona completamente nueva? Libera toda la energía mental encerrada en tus fantasías y te dice por qué puedes o no puedes hacer algo". y qué tan importante es, real o irreal.

El éxito de esta película depende de su capacidad para expresar de manera convincente un tema profundo y de muy alto nivel. La estructura es un misterio; el protagonista que decide cambiar se encuentra en una situación muy misteriosa, y la película involucra al espectador en una búsqueda muy larga, elaborada y esquiva.

Antonioni me pareció muy disciplinado en su trabajo. Es un trabajo muy duro y a veces nos ponemos nerviosos, pero así es la naturaleza de este tipo de trabajo. Por supuesto, Antonioni siempre ha sido un maestro.

Algunos directores pueden hacer sentir a la gente que algunas cosas de la película pueden haber sucedido por casualidad, o que los críticos de cine pueden haberla sobreinterpretado. Pero para Antonioni todo lo que aparece en la película es intencionado.

Se merece su puesto y la gente que trabaja con él lo acepta: no es tan alto como un dictador y es abierto en muchos sentidos. Me dijo que trataba cada escena como un documental sobre el material original; no quería tener demasiadas ideas preconcebidas sobre la escena.

Cada forma de trabajar tiene sus propios obstáculos. La gente siempre dice: "¿Qué quería Antonioni? ¿Qué pasa, Miguel Ángel?" Pero él casi nunca les decía directamente porque una vez que lo explicaba, se quedaba muy limitado. Hay algunas similitudes entre Mike Nichols y Antonioni. También noté el enfoque de Truffaut en su trabajo: la orientación como respuesta a todas las incertidumbres es amable, pero creo que también es muy decidido y no te disuade de hacer preguntas estúpidas. El trabajo es más complejo que lo que llamaríamos el trabajo de otras personas porque hay una diversidad tan contradictoria en su equipo, que esta variedad evolucionó a partir de su estilo personal: cualquier enfoque vale: gasta tu dinero y toma tus propias decisiones.

El enfoque básico de Antonioni hacia los actores es "no actuar", dijo Lines, actuando. No construye una estructura dramática, sólo perfila la forma. Cuanto más simple, más clara es la forma.

Si desordenas el contenido y destruyes la interioridad del personaje de la película, entonces estás trabajando en la dirección opuesta con él, porque busca claridad para poder ver la forma. Si rompes esto, irás en contra de su estilo de trabajo. Fue difícil para mí aprender, pero me alegro de haberlo hecho. También hizo que fuera más fácil trabajar con Roman Polanski cuando trabajaba en Chinatown.

Chinatown (1974)

Roman es un tipo diferente de dictador. Le encanta discutir, pero no sabe qué hacer sin una. No estoy hablando de pelear. Sólo un argumento. Pero nunca perdió, así que en realidad no fue una discusión. Este es su método creativo.

Si no hay avances, dejará de discutir. Pero Roman seguirá manteniendo este hábito. Así que sus preguntas tenían como objetivo mantener a la gente lo suficientemente concentrada y motivada para hacerle preguntas. Esta vez también lo consiguió.

Nosotros (Chinatown) es la única película de Paramount que se estrenará según lo previsto este año. Roman es una persona muy razonable. Había muy pocos disparos que necesitaban ser disparados una y otra vez, todos solo necesitaban ajustar algunos pequeños movimientos.

Sabes, estos directores suelen tener razón. A la hora de realizar una toma, no hay absolutamente ninguna razón para renunciar a encender la cámara en un momento determinado hasta conseguir el efecto deseado.

Creo que puedo actuar mientras la cámara pueda grabar. Esta es una de las cualidades esenciales de un actor de cine profesional. Por supuesto, tus habilidades desaparecerán en algún momento. Pero creo que esto es obvio para todos. Cualquier director experto diría "Tal vez estoy al borde de mi subconsciente" y trataría de llevarte más allá para ver si hay algo especial en ti a medida que te acercas a la locura, o se detendría en ese momento.

P: A lo largo de tu carrera casi siempre has trabajado con directores de cine contemporáneos. Minnelli es una excepción y, por supuesto, Antonioni, pero es un cineasta muy moderno. ¿Hiciste esto a propósito?

Nicholson: Más o menos. Pero no muchos directores senior a quienes respetaba y con quienes quería trabajar me lo pidieron. El problema es que, una vez que alcanzas cierto nivel de fama y experiencia, pierdes contacto con nuevos actores.

Mike Nichols criticaba a menudo a mi viejo amigo Buck Henry por no recomendarme cuando estaba lanzando Catch-22. Pero pronto fue una de las primeras personas en ver Easy Rider, lo que hizo que me prestara más atención y me involucrara en El hombre que cazaba el amor. Mike es mayor que yo, pero él y yo somos contemporáneos en lo que respecta al cine; de ​​hecho, llevo mucho tiempo trabajando en el cine.

Buscando amor (1971)

Trabajaría con cualquiera que fuera eficaz, y probablemente sea cualquiera que pudiera sobrevivir en la industria el tiempo suficiente.

Por eso comencé a trabajar con Ken Russell, aunque sólo pasé unos días en el set de "Into the Dark", interpretando a un médico. Las películas de Russell despertaron mi interés. Hay algunas partes que me gustan y otras que no. Quiero saber cuales son sus hobbies.

Me encanta trabajar con gente nueva y jóvenes. Es interesante para mí que siempre, sin darme cuenta, trabajo con alguien que parece notablemente más pequeño que yo. Esto es lo que espero con un extraño miedo, porque puedo sentir sus contornos...