Me gustaría preguntarle si tiene alguna información sobre el violín.

El violín moderno tiene una historia de más de 300 años y ha sido uno de los instrumentos más importantes de la música occidental desde el siglo XVII. La producción en sí es un arte muy exquisito. El violín tiene un tono hermoso, cercano a la voz humana, un amplio rango y una fuerte expresividad. Desde su nacimiento, siempre ha ocupado una posición destacada entre los instrumentos musicales y ha sido el favorito de la gente. Si el piano es el "rey de los instrumentos musicales", entonces el violín es la "reina" entre los instrumentos musicales. A lo largo de los siglos, compositores famosos de todo el mundo han escrito una gran cantidad de obras clásicas para violín, los violinistas han inyectado su alma en este instrumento y han desarrollado un arte interpretativo exquisito. El violín se puede tocar tanto en conjunto como en solitario. El violín es un instrumento de arco de cuatro cuerdas y el miembro principal de la familia del violín (otros miembros de la familia son: viola, violonchelo y contrabajo). Los violines modernos se originaron en Cremona, Italia, que se convirtió en el mayor centro de fabricación de violines entre 1600 y 1750. Entre los fabricantes de violines famosos se incluyen: Nicola Amati, Antonio Stradivari y Giuseppe Guarneri; los instrumentos que fabricaron todavía se utilizan en la actualidad. Es un tesoro de valor incalculable. La afinación de quinto grado del violín es: sol, re1, la1, mi2, con un rango de más de 3 grupos y medio. Es un instrumento indispensable para todas las orquestas y el segundo instrumento en importancia.

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El violín se compone de más de 30 partes. Sus componentes principales incluyen clavijero, cuerpo, mástil, clavijas, cuerdas, puente, mentonera, arco, panel, paneles laterales, columnas de sonido, etc. El violín tiene cuatro cuerdas, divididas en: 1 cuerda (cuerda Mi), 2 cuerdas (cuerda La), 3 cuerdas (cuerda Re) y 4 cuerdas (cuerda Sol). Los componentes principales del violín

El cuerpo del violín (caja de canto) mide unos 35,5 cm de largo y se compone de paneles curvos, paneles traseros y paneles laterales. La tapa suele estar hecha de abeto, que tiene una textura más suave; los paneles traseros y laterales están hechos de arce, que tiene una textura más dura. El clavijero y el mástil están hechos de arce macizo y el diapasón es de ébano. La calidad del sonido de un violín depende básicamente de su madera y estructura correspondiente, de la frecuencia de vibración de la madera y de su reacción ante la vibración de las cuerdas. Un piano de alta calidad puede difundir el tono fundamental y los armónicos de cada sonido emitido con la misma sensibilidad. El violín tiene 4 cuerdas. Originalmente eran cuerdas desnudas hechas de intestinos de oveja. Aproximadamente desde el siglo XVIII, la cuerda G grave se cubría a menudo con alambre de plata para que respondiera mejor. En los tiempos modernos, las cuerdas de sol, re y la se enrollan con cuerdas de tripa o alambres de acero envueltos con alambres de metal. Más recientemente, también se utilizan cuerdas de nailon. La cuerda Mi se cambió por una cuerda de acero para darle un mejor tono en el rango alto. La razón por la que se fabrican violines con este estilo moderno no se basa exclusivamente en la apariencia estética, sino en las necesidades de acústica y rendimiento. El panel y la parte posterior del violín son curvados, lo que hace que suene bien y resonante; la cintura del violín es estrecha, lo que facilita tocar las cuerdas altas y bajas. El panel y la parte posterior están incrustados, además de evitar que la tabla se agriete. Bueno para la interpretación del violín. La calidad del sonido también influye. Entre el panel y el panel posterior hay un soporte para la columna de sonido, y los cambios en su posición tienen un impacto significativo en el tono del violín. En la parte inferior izquierda del panel está pegada la viga de graves, que no sólo sirve como refuerzo, sino que también tiene un efecto sonoro. Si la pintura de la superficie del violín es demasiado dura o demasiado blanda, o si el arco del violín está pintado de manera desigual, dañará la calidad del sonido. Cuando la fricción entre el arco y la cuerda hace que la cuerda vibre, el puente hace que el panel vibre y la columna de sonido hace que el panel posterior vibre menos. La cuerda Mi vibra menos, mientras que la cuerda Sol vibra más, lo que provoca que el bajo. El haz tiene una mayor vibración y hace que la caja de sonido vibre. Que el sonido del piano se pueda ejercer plenamente depende de las cuerdas y su tensión, la calidad del puente y la presión y velocidad del arco. Para expresar las diversas cualidades tonales del piano, también se deben agregar el arco, la digitación, el vibrato, el rasgueo de cuerdas y otras habilidades interpretativas del intérprete.

Tamaño Tabla de comparación aplicable Especificaciones Tamaño Edad adecuada Observaciones 1/16 Se utiliza básicamente como modelo o decoración 1/8 255 mm 4-5 años jardín de infantes 1/4 280 mm 6-8 años primer a segundo grado 1/2 310 mm 9-10 años tercero a tercer grado Quinto grado 3/4 335mm 11-12 años Quinto a sexto grado, adultos de menor estatura, o personas con una altura de aproximadamente 1,60 metros 8/7 340mm 13-14 años Hay muy pocos pianos de este tipo en el mercado 4/4 356mm Los mayores de 15 años y con una altura superior a 1,65 se denominan pianos para adultos

Editar este párrafo arco

Como complemento a los instrumentos musicales, el arco primero Apareció en el Imperio Bizantino, pero su valor es que la gente común generalmente tiene un estatus bajo. La razón es que la calidad del sonido producido al hacer una reverencia es demasiado débil en comparación con el sonido producido por el método de rasgueo. Cuando los conquistadores islámicos invadieron España en el siglo XI, trajeron el arco a Europa. En menos de 100 años, era familiar para la sociedad europea occidental y era ampliamente utilizado.

Edite una breve historia del desarrollo de este párrafo

El primer registro claro del violín es el "Epitome musical" de Jambe de Fer, publicado en Lyon en 1556. Para entonces el violín se había extendido por toda Europa. Sin embargo, los historiadores tienen muchas opiniones diferentes sobre el origen del violín. Una teoría es que se originó a partir del "violín de caparazón de tortuga". Un joven estaba caminando por la playa y de repente escuchó un sonido agradable. Miró con atención y descubrió que. era una pelota que jugaba. Cuando el caparazón de la tortuga está vacío, el caparazón vibra y emite un sonido. Regresó a casa, pensó en ello e inventó un instrumento musical que parecía un caparazón de tortuga vacío. Este es el creador del violín. Más tarde, la gente lo evolucionó hasta lo que es hoy, pero "sigue siendo fiel a sus raíces" y sigue siendo la evolución del caparazón de una tortuga. Algunos dicen que se originó en el norte de África, otros dicen que se originó en la India, otros dicen que se originó en Europa occidental, etc. Existe una leyenda: hace 5.000 años, había un monarca en Sri Lanka llamado Ravenna. Ahuecó un trozo de madera cilíndrico e hizo un instrumento llamado violín de alta gama de Ravenna que era muy similar al erhu chino.

Si Ravanastron (Ravanastron), en la larga historia, Ravanastron se ha extendido por todo el mundo con intercambios comerciales. Este es el origen del violín. Sin embargo, en lo que respecta a los registros históricos, el primer violín fue fabricado por un hombre llamado Gaspa ro da salo (1542-1609) que vivía en Brescia, una ciudad del norte de Italia. Pero durante el mismo período, A. en la ciudad de Cremona. Andrea Amatil (520-1580) también hizo un violín que se parece más a un violín moderno. Del siglo XVI al XVIII, la industria italiana de fabricación de violines se desarrolló rápidamente con la prosperidad sin precedentes del arte musical, y G. P Makini, N. Amati, A. Stradivari y C. Cuatro destacados artesanos de Zanelli. Después del siglo XVIII, las empresas fabricantes de violines de todo el mundo copiaron las formas y tamaños de los fabricantes italianos de violines para fabricar violines. En los últimos cien años, la estructura del violín no ha cambiado mucho. En este sentido, Italia es la ciudad natal del violín. Los violines fabricados por Magini, Amati, Stradivari y Guarneri se han convertido ahora en tesoros raros y obras maestras. El primer violín en el sentido moderno se fabricó a mediados del siglo XVI y aún se conservan muchos tesoros de esa época en algunos museos europeos. El origen del violín se remonta al instrumento musical egipcio "Lira" hace más de 2.000 años, en el siglo XV, los italianos lo reformaron y fabricaron un arco con cola de caballo para tocar, llamándolo Violín, que significa violín. Después de muchos años de evolución, la formación y producción de violines quedó básicamente fija. El violín más antiguo que se conserva es un "Carlos IX" fabricado por Andrea Amati en la ciudad de Cremoa, en el norte de Italia, en 1560. El violín más famoso hasta la fecha es probablemente el "Le Messie" (Le Messie), también conocido como "Salabue", fabricado por Antonio Stradivari en 1716. Este violín se encuentra ahora en el Museo Ashmolean de Oxford, Inglaterra.

Un Stradivarius ahora en Berlín

Los violines modernos son familiares para la gente desde aproximadamente 1550 y evolucionaron a partir de los instrumentos musicales populares de la época, el rebeck y el tilly. Generalmente se dice que Viol, el predecesor del violín, no tuvo una influencia decisiva en la formación del violín moderno en términos de estructura, afinación y habilidad para tocar. Alguna vez se creía generalmente que Milán, Venecia, Brescia y Cremona, en el norte de Italia, eran el lugar de nacimiento del violín. A finales del siglo XVI, surgieron dos famosas escuelas de fabricación de violines en la industria italiana de fabricación de violines. Una fue la escuela de Cremona representada por Amati y sus hijos, la otra fue Gasparro de Salo (1540 ~ 1609) y la escuela de fabricación de violines de Brescia; representado por su alumno G.P. Los violines fabricados por estas dos escuelas tienen sus propias especialidades, después de cientos de años, siguen siendo tesoros de alta calidad. De 1650 a 1750 fue la época dorada de la fabricación de violines. Aparecieron muchos fabricantes de violines famosos, como N. Amati, J. Steiner y los más destacados A. Stradivari y G. Guarneri et al. Los violines fabricados por Amati tienen curvaturas más grandes en la parte superior y trasera y tienen una buena calidad de sonido. Se utilizan para tocar música de cámara, como una soprano brillante. A finales del siglo XVIII, G.B. Viotti elogió el Stradivarius. Después de que los maestros de Viotti, G. Pugnani y N. Paganini, se enamoraran de los Guarneri, la obra fue apreciada por la gente y alcanzó gran fama. Los instrumentos Stradivarius y Guarneri tienen la potencia acústica necesaria para interpretar conciertos en salas. Después del siglo XVIII, la posición de liderazgo de la industria de fabricación de violines pasó de Italia a Francia. Durante este periodo la forma del violín siguió mejorando, consiguiendo mayor volumen y mejor calidad de sonido. El fabricante de violines francés N. Lubo (1758-1824) tomó Stradivari como modelo y combinó técnicas de fabricación de violines francesas e italianas. Al mismo tiempo, el francés F. Tourt (1747-1835) realizó importantes reformas en la longitud, el peso, la forma, el dispositivo y otros aspectos del arco hacia 1785. El desarrollo del violín durante este período reflejó la naturaleza cantada de las obras de J. Haydn, W.A. Mozart y L. van Beethoven, así como mayores cambios en el arco y otros requisitos de interpretación del violín. De 1789 a 1799, después de la Revolución Francesa, con el declive de la nobleza y la familia real, la música también pasó de la corte al sector privado, y aparecieron orquestas sinfónicas y salas de conciertos al servicio del público. Para adaptarse a los cambios del entorno, el violín necesita aumentar de volumen. Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, el mástil del violín se hizo más largo, más delgado y se inclinó hacia atrás: el diapasón se hizo más largo y el puente tenía un arco más grande que ya había sido cubierto; alambre de plata. El objetivo de estos cambios es adaptarse a mayores tensiones. El crecimiento de las cuerdas aumenta la presión sobre la superficie del instrumento, por lo que el haz de graves se vuelve más largo y grueso, y la columna de sonido se vuelve más gruesa para obtener un sonido más grande y potente. Hacia 1820, L. Spohr inventó la mentonera, que liberaba a la mano izquierda de asumir plenamente la función de sujetar el piano. La configuración de la mentonera facilita que la mano izquierda cambie de cuerda, vibrato y presione cuerdas. Violín

A finales del siglo XVIII, aparecieron uno tras otro conservatorios en Europa, lo que aumentó enormemente la demanda de violines y promovió el desarrollo de la industria del violín fabricado a máquina. Mircoux en Francia y Mittenwald en Alemania son lugares donde se producen grandes cantidades de violines. El francés J.-B. Villom fue una figura famosa en la industria de fabricación de violines del siglo XIX. Villom contrató a algunos trabajadores para fabricar violines bajo su dirección y los vendió bajo su propia marca. Coleccionó muchos pianos de alta calidad que se perdieron en manos privadas de todo el mundo y los envió a intérpretes, coleccionistas o museos. Bach, el gran compositor alemán del período barroco, compuso seis obras para violín sin acompañamiento en 1720: tres sonatas y tres suites antiguas, que son la esencia de la música para violín solo. Lo que invito a mis amigos a disfrutar hoy es: el "Preludio en mi mayor" de Bach, seleccionado de su tercera suite sin acompañamiento, grabado en 1988 por el destacado violinista Itzhak Perlman del siglo XX. Utiliza un violín Guarneri-Gesu, fabricado en 1740. El violín occidental se introdujo en China a finales de la dinastía Qing (alrededor de la década de 1920). En los primeros años de la República de China, surgió la educación musical en las escuelas y la gente se interesó por la música extranjera.

Desde la década de 1920, maestros de violín de fama mundial han actuado en China, inspirando a muchos jóvenes amantes de la música a aprender a tocar el violín, y posteriormente se han establecido escuelas de música en Beijing, Shanghai, Guangzhou, Fujian y otros lugares; a China También ha formado a muchos profesores e intérpretes chinos, como Ma Sicong, Liu Tianhua, Xian Xinghai y Li Guoquan. Desde este período, se han publicado y traducido muchos "Métodos de interpretación del violín", y los compositores han creado muchas piezas clásicas para violín chino, como "Butterfly Lovers" y "Butterfly Lovers" de los profesores del Conservatorio de Música de Shanghai, He Zhanhao y Chen Gang. Mañana en Miaoling", etc. Violín de rango medio

Desde la década de 1980, un grupo de jóvenes violinistas formados en China han ganado premios en numerosos concursos internacionales, y Hu Kun fue el primero entre ellos. Estudió con el profesor Lin Yaoji en el Conservatorio Central de Música de Beijing y ganó el quinto lugar en el Concurso Internacional de Violín Sibelius en Finlandia. Disfrute de su interpretación de 1999 de "Morning in the Miao Mountains", arreglada por Chen Gang basada en el solo de flauta Miao. Hu Kun ahora enseña en la Escuela de Música Menuhin y en la Real Academia de Música del Reino Unido. Utiliza un violín fabricado en 1734. China ha disfrutado de una reputación internacional en la fabricación de violines en los últimos años. El violín de la marca Hongmian fabricado por Chen Jinnong de la Fábrica de Instrumentos Musicales de Guangzhou ganó la "Medalla de Oro a la Calidad del Sonido" en el 4º Concurso Internacional de Fabricación de Violines en los Estados Unidos en 1980; el violín fabricado por Dai Hongxiang de la Fábrica de Violines de Beijing ganó el premio; Concurso Spohr celebrado en Kassel, República Federal de Alemania en 1983. “Medalla de Oro a la Calidad del Sonido” en el Concurso Internacional de Fabricación de Violines.

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Tocar el violín solista de alta gama

El desarrollo del arte En el siglo XVI, cuando empezó a aparecer el violín en Italia se utilizaba generalmente para acompañar el baile y el canto o simplemente tocar la canción. A principios del siglo XVII, con la aparición de la sonata para violín, la tecnología interpretativa también se desarrolló en consecuencia. En su creación en 1627, C. Farina (alrededor de 1600 ~ 1640) utilizó tonos dobles, trémolos, trinos y posiciones altas, y simuló los sonidos de maullidos de gatos, ladridos de perros, flautas, tambores, guitarras y otros sonidos. Algunos intérpretes y compositores también siguieron su ejemplo; como resultado, obras que simulaban los sonidos de cucos, ruiseñores, gallos, etc. inundaron el panorama musical de aquella época. No fue hasta la segunda mitad del siglo XVII que el compositor y violinista italiano A. Corelli encaminó el arte del violín por el buen camino.

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El violín es un instrumento melódico que canta. Por lo tanto, cómo producir un sonido rico y hermoso similar al de un canto en el violín es la cuestión más importante al tocar el violín. En lo que respecta a las técnicas para tocar el violín, existen las siguientes habilidades básicas principales.

Sujeta el arco

Sujeta el arco con la mano derecha, la punta del pulgar debe estar cerca de la manga en espiral (base del arco), y los otros dedos deben sujetar el arco. varilla, de modo que el dorso de la mano forme una forma redonda natural. Los dedos necesitan una flexión suave. El arco está ubicado en el extremo del dedo índice, medio y anular (es decir, el extremo del dedo). El pulgar está justo enfrente del dedo medio. La punta del dedo meñique se coloca fácilmente en el. Palo de arco, lo que facilita el movimiento hacia adelante o hacia atrás según las necesidades. Avanzar al inclinarse, moverse hacia atrás al inclinarse). Los cuatro dedos deben estar ligeramente juntos y no se pueden separar por separado, de lo contrario se verán torpes y antiestéticos. Un excelente intérprete del arco puede producir sonidos siempre cambiantes en el violín. En cuanto al arco, depende de la velocidad del arco y de la velocidad. Posición del arco sobre la cuerda. Diferentes combinaciones de tres factores: la presión sobre el arco y el punto de contacto entre el arco y la cuerda. Hay muchos métodos de arco para violín, los principales son los siguientes: ① arco dividido: un arco toca una nota y el sonido debe tocarse de forma limpia y clara ② arco continuo: un arco toca muchas notas, que se utiliza en muchas músicas; , es uno de los métodos de arco más utilizados; ③ Arco de arco: la pausa entre sonidos ④ Arco de salto: el pelo del arco sale de las cuerdas; Estos cuatro tipos de técnicas de arco son las más básicas. A mediados del siglo XX, el arco continuo, es decir, tocar muchas notas en un arco con pausas entre ellas, se consideraba un truco, y luego apareció el "arco secuencial". "Arco natural" significa que los pelos del arco están en las cuerdas y suenan o parecen un arco. Por eso, la gente llama al arte de tocar el violín "el arte del arco".

Tono

El tono producido al cantar y tocar instrumentos musicales puede ser consistente con el tono regulado por una ley, que se llama tono. Algunos instrumentos musicales tienen requisitos de tono cuando se fabrican o afinan. En el proceso de cantar y tocar instrumentos musicales, el tono debe resolverse en cualquier momento mediante el control del cantante y del intérprete. Lograr el tono depende de una buena audición, excelentes instrumentos musicales, excelentes habilidades y un entorno de interpretación adecuado. La estructura física del instrumento, la posición de la boca, los cambios de tensión y la humedad del aire están relacionados con la entonación.

En el caso de los instrumentos de cuerda, el uso prolongado y el aumento de la temperatura hacen que las cuerdas se relajen. Por lo tanto, el principal problema de la entonación de los instrumentos de cuerda es cómo corregir el tono grave. En lo que respecta a los instrumentos de viento, aunque el aumento de temperatura hace que el cuerpo del tubo se estire ligeramente, al mismo tiempo disminuye la presión del aire, aumenta la velocidad del sonido y también aumenta la frecuencia (según mediciones reales, cada 10° C El aumento de la temperatura puede aumentar la pronunciación de los instrumentos de viento en 3 centavos), por lo que la entonación de los instrumentos de viento es El problema pendiente es cómo corregir el lado alto. La entonación de los instrumentos de canto y de cuerda y de viento, cuando se acompañan de piano, se basa en el temperamento igual; sin embargo, debido a que muchos intervalos de temperamento igual no suenan estrictamente consonantes, a menudo es necesario desviarse del temperamento promedio cuando se canta en solitario; solo, dúo o dúo Sólo cuando el ritmo se acerca al ritmo puro o a la ley de generación mutua de quintas se pueden cumplir los requisitos de tono.

Vibrato

El vibrato es una de las habilidades más expresivas para tocar el violín, el erhu, la guitarra y otros músicos de cuerda. Agregar vibrato apropiado en lugares apropiados de una frase musical hará que el sonido sea mucho más vívido que una frase sin vibrato. El vibrato es una técnica muy expresiva al tocar el violín. Se puede utilizar para expresar cada nota o cada sección de diferentes estilos y características. El punto clave del vibrato es cómo encontrar el mejor movimiento de las manos y utilizar la velocidad y la amplitud del vibrato para tocar el estilo y las características únicas de cada sección. Se debe practicar tanto el vibrato de codo y brazo como el de muñeca. Elige la velocidad y el ancho del vibrato para expresar las mejores características musicales. Hay varios métodos que los principiantes pueden probar y que pueden ser beneficiosos para aprender vibrato: 1. Primero, flexione las articulaciones de los dedos hacia adelante y hacia atrás. Practique primero en la mesa, practique los movimientos de cada dedo y una articulación acostada hacia atrás (no completamente unida a la mesa), luego de pie y luego agitándola de izquierda a derecha. De rápido a lento, practica los últimos cinco dedos juntos. 2. Primero debes aprender a vibrar con la muñeca. El método puede ser colocar primero los brazos sobre los muslos o los brazos de la silla, luego relajar las muñecas y balancearlas hacia adelante y hacia atrás, tratando de lograr un equilibrio uniforme. Una vez que te acostumbres a los movimientos, podrás practicar en el diapasón. Al mismo tiempo, tenga en cuenta: cuando se frota la muñeca hacia adelante y hacia atrás, las articulaciones de los dedos se impulsan y los puntos de contacto de las cuerdas de los dedos no se pueden desplazar mientras se frota la muñeca. Al practicar el vibrato de muñeca, puedes empezar con tres dedos. Porque amasar con tres dedos puede hacer que el movimiento sea más suelto, y luego practicar con dos dedos y un dedo. Cuando practiques con cuatro dedos, también puedes colocar los tres dedos cerca de los cuatro dedos para ayudar a amasar. Esta práctica hará que el efecto de vibración sea más cómodo. A partir de los ejercicios de vibrato de muñeca, también podrás aprender y familiarizarte gradualmente con el vibrato de brazos y de dedos. El propósito es enriquecer mejor el poder expresivo de la interpretación y adaptarse a las necesidades de diversas intensidades y cambios emocionales. 3. También hay vibrato de brazo grande y vibrato de dedo. El vibrato de brazo grande se usa principalmente para sonidos de bajo largos y pesados, que reflejan principalmente la riqueza y la tristeza de la música. El vibrato de dedo se usa principalmente para notas altas de medio tiempo, que pueden mostrar la alegría y la belleza de la música. Bueno, el requisito previo es dominar el vibrato de brazo con habilidad.

Posición de la mano

La posición de los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón se llama posición de la mano. El mango cerca del clavijero es el mango bajo y el mango cerca del puente es el mango alto. Pasar de una posición a otra se llama cambio de posición. Hay muchas formas de cambiar la posición, como cambiar la posición de las cuerdas al aire, cambiar la posición del mismo dedo, cambiar la posición de diferentes dedos y armónicos, etc. La producción de portamentos poco musicales al cambiar las manijas es un signo de falta de capacitación. Portamento puede cambiar la conexión entre sonidos y agregar una hermosa transición. Especialmente el uso del portamento junto con el cambio de asas es un medio expresivo de interpretación.

Tonos dobles y acordes

El violín puede tocar dos tonos o incluso tres tonos al mismo tiempo, pudiendo también tocar acordes de cuatro notas por separado, lo que no sólo enriquece su poder expresivo. Y se puede tocar solo sin depender del acompañamiento de otros instrumentos. Las escalas de notas dobles de terceras, sextas, octavas y décimas del violín son la base para tocar notas dobles y una habilidad básica que los violinistas deben practicar durante toda su vida. El vibrato de la mano izquierda, los armónicos, el punteo, etc. al tocar el violín son técnicas avanzadas. Habilidades a dos manos: habilidades con la mano izquierda en el violín: escalas, cuerdas dobles, cambio de mangos, vibrato, armónicos y pizzicato. Las habilidades de la mano derecha incluyen: arco continuo, arco dividido, arco de arco, arco de salto, arco ondulado, arco de golpe, arco roto y punteado de cuerdas. etc. Gran parte del encanto del violinista reside en el arco mágico de su mano derecha.

Las marcas de la interpretación especial del violín en la partitura: Pizzicato: pizz, volver a la interpretación normal como arco Cerca del puente: sul pont, volver a la interpretación normal cerca del diapasón: sul tasto, volver a la interpretación normal como orden; ; golpe de arco: col legno, volver a la interpretación normal. La interpretación normal es arco. Añade silencio: con sord. Quita el silencio y es senza sord. Además, en la música orquestal, la división es div y el unísono. p>

/playlist/p/l12404175i24995478.html Una muy buena pieza musical. Disfrútala (*^__^*) Je, je...