Cómo dibujar personajes de ilustración de moda: cómo practicar la ilustración en casa sin dibujos lineales
Illustrator procesa fotografías para convertirlas en ilustraciones vectoriales de personajes de moda
Los personajes vectoriales se utilizan a menudo en muchos periódicos, revistas y anuncios comerciales, especialmente en bellezas jóvenes, porque, independientemente de la audiencia masculina o femenina, todos como personajes femeninos en ilustraciones o anuncios. Dibujar personajes vectoriales no es difícil. Con la ayuda de los excelentes programas de dibujo vectorial actuales, como Illustrator, CorelDraw, etc., y dominando algunas habilidades básicas, puedes dibujar varios personajes como quieras.
Este artículo utilizará la versión china de Illustrator CS2 como ejemplo para presentar cómo usar Illustrator para dibujar chicas vectoriales de moda. Los pasos para otras versiones de Illustrator pueden ser ligeramente diferentes.
Los pasos específicos son los siguientes.
1. Insertar una foto de referencia
Muchos diseñadores primero seleccionan una imagen como referencia al dibujar personajes vectoriales, lo que puede facilitar el proceso creativo, al mismo tiempo. Puede compensar la falta de habilidades para dibujar a mano. Los lectores pueden buscar otras imágenes de mujeres hermosas en Internet como referencia.
Después de iniciar Illustrator, cree un nuevo documento y luego seleccione el comando de menú "Colocación de archivos" para colocar la imagen de referencia en el documento actual. Haga doble clic en "Capa 1" en la paleta "Capa" para abrir el cuadro de diálogo "Opciones de capa", seleccione las casillas de verificación "Bloquear" e "Imagen oscura en" y establezca el valor de la imagen oscurecida en 30%, como se muestra en la Figura 1. Después de la configuración, haga clic en el botón "Aceptar".
2. Comience a calcar
Con la capa de referencia, puede usar la herramienta de lápiz para calcar, tal como calca en rojo cuando practica caligrafía. Haga clic en el botón "Crear nueva capa" en la esquina inferior derecha de la paleta "Capa" para crear una nueva capa "Capa 2", mantenga presionada la tecla Ctrl mientras hace clic en el icono del ojo a la izquierda de la "Capa 2" (como se muestra en la figura) (que se muestra en 2), cambie el modo de visualización del nivel de diagrama al modo de esquema.
Utilice la "Herramienta Pluma" en la caja de herramientas para delinear el contorno básico de la niña, como se muestra en la Figura 3. Esto requiere que los lectores dominen de antemano el uso básico de la herramienta Lápiz.
Al dibujar contornos, existen algunas teclas de acceso directo que pueden ayudarle a dibujar rápido y bien. Estas teclas de método abreviado son:
Ctrl+[=Mover el orden de disposición de los objetos un nivel atrás. Ctrl+]=Mover el orden de disposición de los objetos hacia adelante un nivel. Ctrl+Shift+[=Mover el objeto al fondo. Ctrl+Shift+]=Mover el objeto a la parte superior. Ctrl+F=Pegue el objeto encima de su ubicación original.
3. Crea sombras faciales
Utiliza la herramienta Pluma para dibujar el trazado de la sombra, luego selecciona el trazado del contorno exterior de la cara y presiona Ctrl+C para copiar el trazado. luego presione Ctrl+F para pegarlo en la ubicación original en el nivel superior. Seleccione la ruta del contorno facial copiada y la ruta de la sombra original, presione Shift + Ctrl + F9 para abrir la paleta "Buscatrazos" y haga clic en el botón "Intersectar con el área de forma" en el "Modo de forma", como se muestra en la Figura 4. Después de eso operación, sólo quedan las partes superpuestas de los dos caminos. Este es un método que se utiliza a menudo al dibujar ilustraciones de personajes. Preste atención durante el siguiente proceso de dibujo.
Utiliza el mismo método anterior para crear un trazado de sombra para toda la ilustración. No es necesario prestar demasiada atención a los detalles del camino, basta con dibujar un camino simple para cada parte, como ojos, labios, camiseta, cuerpo y otras partes, como se muestra en la Figura 5. Recuerde usar Ctrl+C para copiar la ruta y luego usar Ctrl+F para pegarla en la ubicación original. Este método nos ahorrará mucho tiempo.
4. Rellena el color básico
Ahora rellena el color básico para la cara, ojos, labios y cejas, como se muestra en la Figura 6.
5. Rellena el degradado de la sombra
Utiliza el color del degradado para rellenar el trazado de la sombra de la cara. Aquí se utiliza el degradado del blanco al tono de piel. modo en la paleta "Transparencia" como "Multiplicar", como se muestra en la Figura 7.
Seleccione otros trazados de sombra y luego utilice la "Herramienta Cuentagotas" para copiar el relleno degradado del trazado de sombra previamente rellenado a otros trazados de sombra, como se muestra en la Figura 8.
Para las sombras de labios y ojos, utiliza la herramienta Cuentagotas para copiar el color básico del rostro y cambia el modo de fusión a Multiplicar.
6. Coloración de las partes del cuerpo
Utilice el mismo método anterior para rellenar el cuerpo con el color del degradado. Tenga en cuenta que es posible que necesite ajustar el color del degradado de cada trazado de sombra. haga que la parte del cuerpo El tono de color sea consistente con el tono de color de todo el personaje, como se muestra en la Figura 9.
7. Colorea el cabello
Aún usando el mismo método anterior, después de llenar un trazado con el color degradado, usa la "Herramienta Cuentagotas" para copiar el color degradado a otro cabello. rutas, como las que se muestran en la Figura 10.
8. Colorea la camiseta
Sigue utilizando el mismo método de coloración que en los pasos anteriores, como se muestra en la Figura 11. En este punto, debes conocer los consejos para colorear caracteres vectoriales.
#p#subtitle#e#
9.
Utilice un color degradado azul para rellenar la falda y luego utilice la "Herramienta Cuentagotas" para copiarlo en el trazado de la sombra, como se muestra en la Figura 12.
10. Detalles del cabello
Ahora puedes agregar más detalles al cabello para hacer el personaje más delicado. Cree sombras agregando múltiples trazados y agregue algunas luces usando un color degradado más claro, como se muestra en la Figura 13. Si lo deseas, también puedes utilizar el mismo método para agregar más detalles a la ropa, labios, etc., o agregar hermosos tatuajes a su cuerpo.
Finalmente, echemos un vistazo al efecto final, como se muestra en la Figura 14. Para hacer que los personajes sean más vívidos, necesitas trabajar más en algunos detalles, porque este es un tutorial y no una ilustración comercial. Usando el método presentado en este artículo, podrás encontrar más imágenes para practicar el dibujo de personajes vectoriales. Creo que definitivamente podrás crear buenas obras.
#p#subtitle#e#Cómo practicar la ilustración en casa sin dibujo lineal
1. Primero, debes estar familiarizado con el software que deseas utilizar. Puedes encontrar muchos. tutoriales sobre este software en Internet. Puedes inscribirte en algunas clases en línea
2. Compra una tableta pintada a mano. No tiene por qué ser caro. Compra una barata para practicar. La sensación de estar pintada a mano y pintada con el ratón es diferente. Puedes experimentar los trazos de la tableta pintada a mano, intensidad
3. Después de lograrlo, puedes encontrar algunas ilustraciones simples. con el efecto que le satisface, puede encontrar algunas ilustraciones relativamente difíciles que le gusten practicar
4. Por lo general, lea más trabajos de ilustración, aprenda las técnicas de pintura de otras personas y practique y fortalezca usted mismo
Información ampliada
1. Según el posicionamiento en el mercado: dibujos animados de moda vectoriales, escenarios conceptuales de hermosas ilustraciones de cómics coreanos realistas juveniles, etc.
2. , vectorial, comercial, de vanguardia (plano 2D, diseño de interfaz de usuario, 3D), píxel
3 Clasificación por estilo de ilustración y pintura: dibujos animados e ilustraciones japonesas, ilustraciones europeas y americanas, ilustraciones de Hong Kong, coreanas. ilustraciones de juegos, ilustraciones de portadas de novelas románticas taiwanesas (debido a la diversidad de estilos, es solo una clasificación simple)
4. Además, el estilo es más amplio en el extranjero. Hay origami hecho a mano, patrones de tela y. Varios estilos, todos a la par. Ilustración de moda: El "diablo de la moda" con 500 años de historia
La ilustración de moda existe desde hace casi 500 años. Desde la aparición de la ropa, es necesario transformar las ideas o imágenes del diseño de ropa. ilustraciones de moda. Esta forma visual se originó en la ilustración, el dibujo y la pintura, y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de moda utilizan principalmente "dibujos de moda" para generar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en el diseño es obtener una vista previa y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real.
A continuación, echaremos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, el "diablo de la moda" con una historia de 500 años, por etapas.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a la fascinación de la gente por la ropa de varios países del mundo. Se imprimieron libros que ilustraban la vestimenta adecuada para diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social provocado por estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que contenían paneles de figuras vestidas según una nacionalidad o casta concreta. Estas son las primeras ilustraciones de ropa y el prototipo de las ilustraciones de moda modernas. Es probable que estas ilustraciones sean utilizadas por diseñadores de vestimenta, modistas y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear detalles realistas de trajes y trajes de época.
Estas publicaciones periódicas comenzaron en Francia e Inglaterra en la década de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda, e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modos. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta al creciente número de lectoras femeninas ávidas de las últimas novedades sobre moda. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que las ilustraciones de estilo masculino adquirieron tanta importancia como las femeninas.
2. La placa de moda en el siglo XIX
La placa de moda saltó a la palestra a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período aparecieron publicaciones como la de Horace Venet. Los objetos "Incroyable set Merveilleuses", etc., así como una serie de fotografías de moda en acuarela grabadas por Georges-Jacques Gatine durante el período de Napoleón I, se hicieron famosas por un tiempo.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda constante de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan orientación general sobre confección.
En esta etapa también apareció la personalización de la alta costura (apareció en la década de 1860). Las empresas de moda contrataban ilustradores, que trabajaban directamente con los diseñadores de ropa femenina. Cuando los diseñadores colgaban las telas sobre los modelos vivos, las ilustraciones. El artista esbozará un nuevo diseño. También crean ilustraciones de cada diseño de la colección terminada, que luego pueden enviarse a los clientes.
A finales del siglo XIX, la impresión a mano en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales podía verse desde atrás o de lado, para que la prenda pudiera verse desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Se adhieren a convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
3. Las revistas de moda y las ilustraciones en el siglo XX
En las primeras décadas del siglo XX florecieron por primera vez las ilustraciones de moda en el sentido moderno. A medida que la distribución de los últimos estilos de moda se volvió cada vez más rentable, el trabajo de ilustrador de moda se convirtió en una profesión. La moda, que antes era obra de artistas individuales, se está convirtiendo ahora en una industria que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas inventaron un nuevo pasatiempo cuyo nombre completo es: la cultura de compras.
Gazettedubonton, revista francesa de lujo publicada entre 1912 y 1925, reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda. Iribe fue la figura principal entre estos ilustradores de moda, contribuyendo a prestigiosas publicaciones que también incluían a Charles Martin, Eduardo García Benito, George · George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las planchas que produjeron para la Gazette mostraban la influencia de los grabados en madera japoneses, así como nuevos cambios en el estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales así como tendencias de ropa contemporáneas. La revista Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con el genio Erte, que duró de 1915 a 1938 y fue uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la revista Vogue siempre contó con ilustraciones en sus portadas.
Las primeras portadas de Vogue presentaban ilustraciones de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X.
Después de la Primera Guerra Mundial, se les unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud) y AndreMarty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
Las décadas de 1920 y 1930 representaron la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista de moda y un dibujante consumado. Muchas personas pueden representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela con autoridad y convicción.
Los nuevos avances tecnológicos en fotografía e impresión comenzaron a colocar reproducciones de fotografías directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los gráficos de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción de la revista; Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y que se comenzaban a incorporar ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión económica que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos dio grandes pasos, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media dependían de costureras calificadas para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para las modistas domésticas.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a los lectores tanto como sea posible. La fotografía libera a los ilustradores de la necesidad de registrar con precisión la ropa y se inclina más a interpretar la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas, interesados principalmente en obtener efectos pictóricos y decorativos interesantes, se sienten agobiados y, por tanto, aburridos de reflejar fielmente cualquier cosa que esté en el espíritu de la moda contemporánea".
El "New Look" de Dior " de finales de la década de 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a tiempos más alegres y optimistas.
5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda habían destinado más presupuestos a la comunicación editorial de la fotografía. La posterior elevación de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir artículos sobre lencería y accesorios, o trabajar en campañas publicitarias.
Durante los años 60, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas para adolescentes dirigidas a los jóvenes, muchas de las cuales se publicaron en los años 60, todas cuales Ilustraciones tienen que ver con la ilustración como una alternativa económica a la fotografía.
Antonio López (Antonio López) fue el único artista que apareció regularmente en la revista Vogue durante este período. Su carrera comenzó en "Women's Wear Daily".
En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda luchó por sobrevivir, y no fue hasta la década de 1980 cuando empezó a resurgir. La nueva generación de artistas apareció en revistas como La Modeenpeinture (1982), Conde Nast's Vanity (1981) y Visionaire (1991). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, específicamente a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
Entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Dado que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas tanto en la moda como en el arte, la ilustración de moda a veces parece un retroceso a una época anterior.
La fotografía es muy buena para registrar los detalles de una prenda, por lo que el foco del ilustrador ya no está en una representación exacta de la prenda, sino en explicar la prenda y su posible portador. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una variedad de estilos artísticos únicos, habilitados por herramientas digitales y plataformas de redes sociales.
En la década de 1990, los ilustradores pioneros Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a surgir en el campo de los gráficos por computadora.
Este período fue testigo de la aparición de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como del resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer ilustración como un elemento específico de sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo miran hacia los maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Las ilustraciones de moda basadas en métodos clásicos han complementado con éxito las ilustraciones creadas mediante procesos más modernos.
Recientemente, la ilustración se ha vuelto popular a través de colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita para causar una impresión duradera.
Bienvenido a visitar la cuenta pública "Painting Practice", puede recibir un paquete de regalo con los secretos de pintura de los ilustradores de forma gratuita y conocer las tendencias de precios de las ilustraciones comerciales en el mundo.