Una colección para fotógrafos novatos.

Primero, un primer plano interesante

El primer plano es un factor importante en la composición fotográfica. Como parte integral de la fotografía, pueden resaltar el sujeto y agregar espacio y profundidad a la foto. Por lo tanto, en la composición fotográfica, el uso correcto de la combinación de primer plano y fondo puede hacer que el paisaje de la foto sea más armonioso y unificado y, por tanto, más atractivo. Para lograr este efecto de simulación, debemos utilizar algo de primer plano para crear la ilusión de que el marco de fotos parezca más espacial.

¿Cómo aprovechar los prospectos?

1. Orientar el tema

Lo más común es utilizar el primer plano para guiar la vista de la audiencia hacia la parte principal. El uso de una lente gran angular con el primer plano también puede exagerar la sensación de espacio y profundidad, pero en este momento es mejor el primer plano para guiar la línea de visión, como un sinuoso camino de montaña que conduce al pueblo y una hilera de calles idénticas. árboles que conducen a la torre.

2. Mejora el contraste

Si disparas algunos objetos negros o contornos en el primer plano de la foto. Esto crea un fuerte contraste, que a su vez enfatiza el fondo oscuro y liso. Por ejemplo, en la imagen siguiente, las piedras negras en primer plano se utilizan para resaltar el cielo detrás, lo que hace que la composición sea particularmente vívida.

Añadir interés

Al tomar fotografías de paisajes, se puede utilizar cualquier cosa para añadir interés al primer plano y darle a la foto una sensación de profundidad. Puede ser un árbol, un animal, un edificio o un vehículo, pero debe estar relacionado con la imagen completa. De lo contrario, toda la imagen se volverá incoherente y destruirá la concepción artística general. Como se muestra en la imagen siguiente, la pila de madera se utiliza como primer plano, lo que resalta con éxito la distancia del cielo detrás de ella y, al mismo tiempo, hace que la composición ya no sea monótona.

En segundo lugar, haz un uso inteligente de la luz natural

La luz natural se refiere a la luz que el sol irradia sobre la tierra. No solo se refiere a la luz solar en días soleados, sino que también se refiere a la luz reflejada en días nublados, lluviosos, nevados, con niebla, así como a la luz de la luna por la noche y la luz que se ve cuando no hay iluminación artificial en el interior, lo que Todos pertenecen a la gama de luz natural.

La luz es una herramienta. Que puedas usarlo libremente depende de si estás bien entrenado y, lo que es más importante, de tu imaginación. Los fotógrafos deben aprender a observar la luz y sus efectos. No importa qué tipo de luz sea, el efecto debe cambiarse tanto como sea posible. Mientras los escalones se muevan, la luz cambiará de manera diferente. La luz misma aparece en muchas formas diferentes y los fotógrafos deben saber elegir la forma más adecuada para lograr un propósito particular.

Al fotografiar con luz natural, consideramos principalmente los siguientes puntos:

1 Intensidad de la luz

La luz natural es la intensidad de la luz y la oscuridad que cambia con la luz. temporada y tiempo. La luz brillante de la primavera y el verano da a la gente una sensación deslumbrante, brillante y enérgica. En otoño e invierno, una luz tenue es adecuada para expresar melancolía, tranquilidad y emociones sutiles. Los fotógrafos pueden utilizar esta diferencia en la intensidad de la luz para resaltar mejor las características del sujeto y reflejar la intención de la toma.

2. Calidad de la luz

La calidad de la luz no tiene nada que ver con la intensidad de la luz. La luz puede ser luz directa de una fuente de luz térmica o luz reflejada de la superficie. del objeto iluminado. La luz directa incluye la luz natural que no está bloqueada por las nubes; la luz difusa incluye la luz solar bloqueada por las nubes y la luz suave reflejada por las paredes, techos u otros objetos. La luz directa es intensa y contrastante, creando sombras claras y prominentes. La reflexión crea una luz reflejada suave con poco contraste, lo que da como resultado sombras grises borrosas o ninguna sombra. Puede expresar la forma del sujeto de forma delicada y natural y reproducir su apariencia original.

3. Dirección de la luz

La dirección de la luz se refiere a la dirección de la luz. Un fotógrafo necesita estudiar diferentes poses y efectos especiales bajo diferentes condiciones de iluminación para la escena que quiere fotografiar. Cuando el fotógrafo da la espalda al sol, el sujeto queda expuesto a la luz frontal, y la luz es débil y carece de sentido de jerarquía. Será muy obvio cuando se vea con luz lateral o contraluz. Si utiliza la luz de fondo para tomar fotografías del tráfico fuera de servicio, la imagen será muy atractiva. Todos estos son efectos artísticos causados ​​por diferentes direcciones de luz.

Tercero, Diversidad y Unidad de Composición

Aunque las leyes de composición tienen muchos nombres, el tema central es la ley de diversidad y unidad. La unidad de la diversidad es la aplicación de la ley de la unidad de los opuestos en el arte, y la unidad de la diversidad es la unidad de las contradicciones. Cuando se utiliza en la composición de una imagen, significa que la imagen debe ser diversa, unificada y ordenada, no desorganizada. Al filmar diferentes escenas, esfuércese por lograr diversidad y unidad. La aplicación de la diversidad y la unidad en la composición de una imagen, específicamente, consiste en organizar razonablemente los numerosos objetos dispersos en la imagen de acuerdo con el principio de resaltar el tema, para lograr la unidad de contenido y forma.

Cuarto, especificidad y exageración

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En resumen, buscar el cambio en la unidad significa determinación. La singularidad de la composición no es sólo la "singularidad" de la imagen visual, sino también la unicidad de la intención del autor. La fotografía es inseparable de los conceptos: los factores subjetivos del creador y el modelado exagerado del arte fotográfico son la suma de la expresión subjetiva de los pensamientos de las personas y la reproducibilidad del objetivo.

La especificidad y la exageración en fotografía se pueden dividir en las siguientes formas:

1. Deformación y exageración

La deformación y la exageración son ante todo un tipo de creatividad. necesidad de psicología. La fotografía moderna presta gran atención a la deformación de la imagen. De acuerdo con su propia psicología e intenciones creativas, el fotógrafo utiliza varios lentes y habilidades técnicas para exagerar y deformar la imagen específica de la escena para expresar las fuertes emociones y sentimientos del autor.

2. El tono es muy exagerado

El uso de técnicas fotográficas para filtrar, controlar y cambiar conscientemente los tonos puede producir un efecto de tono exagerado. Por ejemplo, se utilizan varios filtros de color para cambiar el efecto tonal y el contraste, se utilizan métodos de posproducción para separar tonos, producir efectos de marcas de viento y fotografías altas, bajas y de silueta producidas por una iluminación especial durante la toma.

3. Exageración del color

La propia fotografía en color exagera los cambios de colores que ya existen en la naturaleza. En la fotografía en color, cuando se utiliza película en color a la luz del día para fotografiar escenas bajo luz, los colores se exageran hasta alcanzar tonos cálidos; por el contrario, se exageran hasta alcanzar tonos fríos; Iluminación parcial mediante filtros de color, película de color flash, etc. Puede exagerar las transiciones de color. En el proceso de postproducción, el uso de técnicas de separación de colores convirtió los colores de la imagen en bloques de colores exagerados de grabados en madera. Los colores exagerados no sólo pueden unificar y resumir la imagen, sino también hacerla más decorativa y encantadora.

Modelado de personajes verbales (abreviatura de verbo)

En la fotografía de retrato, la postura del modelo es uno de los elementos importantes de la composición de la imagen, y el control del lenguaje corporal y la expresión. Determina en gran medida la calidad final de la foto. La mayoría de los fotógrafos no tienen muchas oportunidades de fotografiar modelos profesionales. La mayoría de las veces invitan a un amigo o internauta a ser modelo. Organizar adecuadamente el plan de rodaje, dominar los puntos clave del retrato, movilizar el estado emocional del modelo y aprender a utilizar diferentes accesorios y métodos de pose en diversas escenas tienen un impacto importante a la hora de tomar buenos retratos.

Para que la postura del sujeto sea hermosa, debes dominar los siguientes consejos.

1. La cabeza y el cuerpo no deben estar en línea recta. Cuando el cuerpo esté frente a la cámara, la cabeza debe girarse ligeramente hacia la izquierda o hacia la derecha y la foto aparecerá elegante y vívida.

2. Los brazos y las piernas no deben estar paralelos. Puede ser una canción o las dos pueden formar un ángulo determinado.

De esta forma, no sólo puede provocar movimientos y posturas