Impresión del amanecer: La batalla de Medusa; el autorretrato de la pareja Arnolfini después de que David le cortara las orejas; análisis de Guernica;
Autor: Claude Monet Claude Monet
En la segunda mitad del siglo XIX, los principios ópticos cambiaron la forma en que veían los pintores con el concepto de inherente color, comenzaron a explorar la superficie exterior en el arte "Sunrise Impression" que representa la escena del puerto al amanecer en la niebla de la mañana. Entre los colores compuestos de lavanda, rojo claro, gris azulado y naranja, nacía lentamente un sol rojo vibrante, arrastrando una ola de color amarillo anaranjado en el agua del mar. El mar, el cielo y el paisaje se entrelazan e integran, con un estilo relajado. Los tres barcos en alta mar se fueron volviendo gradualmente borrosos en la niebla, así como los edificios, puertos, grúas, barcos, mástiles, etc. en la distancia. También se vislumbra la luz de la mañana... Todo esto fue pintado por el artista mirando por la ventana. Así que utilicé audazmente pinceladas "desordenadas" para expresar la escena de la mezcla de niebla. Esta fue una rebelión artística para los artistas de la Escuela del Salón, que siempre había sido ortodoxa. La pintura trata enteramente de una experiencia visual momentánea y una concepción artística vivaz. Los contornos cautelosos y claros y el tono rígido defendidos por el arte académico oficial en el pasado ya no existen. Esta pintura rebelde despertó la oposición oficial. Esta famosa pintura es un boceto que Monet realizó en Port Avray en 1873. También pintó un "Atardecer" en el mismo lugar. Cuando lo envió a la Primera Exposición Impresionista, ninguno de los cuadros tenía título. Un periodista satirizó las pinturas de Monet como "una negación de la belleza y la verdad, que sólo puede dar a la gente una impresión". Más tarde, Monet le dio un nombre a la pintura: Impresión del amanecer. Como un boceto de un paisaje marino, toda la imagen está envuelta en finos tonos grises y la pincelada es muy aleatoria y desordenada, presentando una escena de niebla que se mezcla. Al amanecer, hay niebla en el mar y los colores del cielo y del sol se reflejan en el agua. El paisaje en la costa es muy borroso y no se puede ver con claridad, lo que da a la gente una sensación momentánea. Cuando Monet y un grupo de jóvenes pintores realizaron una exposición en 1874, Impresiones del amanecer fue denigrada y ridiculizada. Algunos críticos dijeron sarcásticamente: "¡Un papel tapiz en blanco es más completo que este paisaje marino!" Algunos incluso se burlaron de los jóvenes artistas liderados por Monet como "impresionistas" basándose en el título de esta pintura, por lo que "Impresionismo" se convirtió en esta pintura Pie de corona de laurel. La pintura fue robada en 1985 y, según la Oficina Francesa de Detección de Arte Robado 1990 65438+ fue confiscada en una villa en Córcega el 6 de febrero.
Nombre: La balsa de Medusa
Autor: Theodore Theodore Gericault (Francia)
Antecedentes: 1865438+2006 En julio de ese año, el gobierno francés envió el crucero "Medusa", que transportaba a más de 400 oficiales y soldados y algunos nobles.
Dirígete a Puerto San Luis. La flota estaba dirigida por un capitán que claramente carecía de habilidad práctica. Debido a su error de mando, encalló accidentalmente mientras pasaba al sur del cabo Brown en la costa de África occidental, provocando un gran desastre.
El Capitán Marley es un noble y no sabe nada de navegación. Después de abordar el barco, descuidó sus deberes, dejó el barco compañero muy lejos y avanzó solo el barco principal. Cuando el barco principal se acercó a Mauritania Shoals, quedó atrapado en una morrena de arena. Después de dos días de esfuerzos confusos e ineficaces, nos vimos obligados a abandonar el barco. El capitán y un grupo de altos funcionarios escaparon en un bote salvavidas, dejando a más de 65.438+050 pasajeros en una balsa improvisada, dejándolos a merced del destino en el vasto océano.
Pasaron unos días, torturados por el hambre, la sed y el calor, muchas personas comenzaron a desesperarse. Dicen tonterías y hacen cosas histéricas al azar. Convencido de que no había posibilidad de salvación, el panadero se lanzó al mar y se suicidó, mientras otros abrían el barril y se emborrachaban en un intento de olvidar el dolor de la muerte. Pronto, esta desesperación se volvió cada vez más loca, y alguien cortó los cables en un intento de dejar que todos murieran juntos. Otros se detuvieron y estalló una lucha feroz. El mecánico Dominic pidió ayuda a gritos después de ser arrojado al mar tras participar en un motín. El ingeniero se apiadó de él, saltó al agua, lo agarró del pelo y lo arrastró de regreso a la balsa. Pero unos días después, el desagradecido se unió a un segundo motín. Después de tres disturbios y un tranquilo descanso, la balsa quedó sembrada de cadáveres. Después de unos días, la escasez de alimentos y agua se convirtió en una amenaza mayor. Dos soldados negros tenían tanta hambre que rompieron las reglas y robaron el último barril de vino con pajitas. Después de quedar expuestos, fueron arrojados sin piedad al mar. Algunas personas doblaban bayonetas para convertirlas en grandes anzuelos con la esperanza de atrapar tiburones. Pero cuando el tiburón muerde y tira, el anzuelo vuelve a convertirse en una bayoneta recta. Después de todo este problema, la balsa quedó sumergida por una gran cantidad de agua de mar, y las heridas de algunos heridos quedaron empapadas en agua salada y no se podían escuchar los gritos.
Al final, solo quedaron 27 personas en la balsa, 15 de las cuales pudieron aguantar por un tiempo, y las 12 restantes estaban demasiado gravemente heridas e inconscientes para sobrevivir. Además, no había suficiente comida para alimentar a toda la gente, y algunos incluso comenzaron a mordisquear en secreto los codos de sus compañeros recientemente fallecidos. Así que después del debate, 15 personas finalmente tomaron la decisión de matar a todos los pacientes que habían luchado codo a codo. con ellos durante las tres luchas antidisturbios e incluso se rescataron ellos mismos. ¡Tíralo al mar!
De más de 150 personas, sólo 10 sobrevivieron. De todos modos, esta es una gran tragedia. Sin embargo, el gobierno de Luis XVIII temía que el asunto fuera hecho público y condenado por la opinión pública, por lo que se limitó a publicar un breve mensaje en el periódico oficial y silenciosamente condenó al capitán a ser degradado y condenado a tres años de prisión por una sentencia militar. corte. Los dos supervivientes de la balsa se negaron a aceptar la carta dirigida al gobierno, pero fueron abatidos y relevados de sus funciones. Incapaces de soportarlo más, escribieron un informe verídico sobre el naufragio e imprimieron un folleto para venderlo al público. Esta medida causó inmediatamente sensación en el país y en el extranjero, y fue recibida con gran indignación por parte de la opinión pública.
Gillick, de 26 años, visitó a los tripulantes supervivientes y escuchó sus verdaderas experiencias. También fue personalmente al hospital para visitar a los tripulantes heridos y a las familias de los tripulantes fallecidos. Se inspiró al escuchar las historias de los sobrevivientes. También dibujó cadáveres en descomposición y pacientes críticos en el lugar para recolectar materiales. Quería utilizar este tema como una pintura llena de pasión e imaginación para recrear la emocionante escena. Para esta pintura, Gillick también le pidió a un carpintero sobreviviente de la balsa que hiciera una balsa modelo, utilizando al paciente con ictericia como modelo y planteando varias tragedias en ella. Para mostrar las olas y el cielo de manera más realista, también fue a la playa a estudiar en persona. Después de 18 meses de pintura, finalmente creó el cuadro gigante "realista" "La balsa de Medusa", que conmocionó a Francia y se extendió por toda Europa.
Aunque más de 10 miembros de la tripulación finalmente fueron rescatados, sus corazones nunca se sintieron en paz. Después de años de tortura mental, murieron con gran pesar. Antes de morir, uno de ellos repitió las palabras de Sócrates, que eran profundas. En ese momento, Sócrates fue acusado de "ofuscar al público y confundir el bien y el mal". Frente a un enorme jurado compuesto por 501 representantes de ciudadanos atenienses, Sócrates hizo una larga defensa propia, pero no fue aceptado por el mundo y fue condenado a muerte. Dijo esto: "Ya es hora de que me vaya, voy a morir y tú puedes seguir viviendo".
Evidentemente, en este naufragio, el pintor vio una escena similar a la francesa. Revolución en la Era de la Restauración. "La balsa de Medusa" no es un simple cuadro "noticia", sino una alusión a la realidad por parte del pintor. Se puede decir que este tipo de romanticismo, al igual que la peligrosa situación del mar tormentoso descrita por Byron, el poeta romántico británico de la época, en su largo poema narrativo "Don Juan", es un reflejo artístico de ideas avanzadas.
Hay una precaria balsa flotando en el mar. La brisa del mar hinchaba las velas hechas de escotas y la balsa seguía sacudida por las enormes olas. Algunos de los refugiados en la balsa estaban muriendo, mientras que otros seguían mirando a lo lejos. La gente reunida en la cima agitaba toallas de tela rojas y blancas en sus manos y seguía pidiendo ayuda a lo lejos. Este es el famoso cuadro al óleo "La balsa de Medusa" en la historia del arte mundial. Fue creado por Théodore Géricault en 1819 y ahora se encuentra en el Museo del Louvre. Toda la imagen da a la gente una sensación de confusión y crisis, que es impresionante. Todos los espectadores que se encuentran frente a esta pintura quedan impactados.
"La Balsa de la Medusa" es una adaptación de hechos históricos. 1865438 + En julio de 2006, el gobierno francés asignó al Capitán Marais, un capitán de origen noble que no sabía nada de navegación, conducir el crucero "Medusa" a Senegal, África. Desafortunadamente, encalló y se hundió en el camino hacia el Oeste. África. El capitán ignoró a las más de 400 personas a bordo y rápidamente condujo a un grupo de compinches a escapar en un bote salvavidas. Las 150 personas restantes solo pudieron usar balsas temporales para navegar a la deriva en el mar y escapar. Más de diez días después, se acabaron toda el agua dulce y los alimentos, y los vientos y las olas violentos destruyeron los frágiles corazones de las personas. La gente se desesperó, se volvió loca e incluso se mataron entre sí y comieron carne humana. Al final, después del rescate, solo quedaron 15 personas, pero poco después murieron 5 personas. Más de 140 personas murieron en esta tragedia. Tal tragedia causó pánico en el gobierno de Luis XVIII, que intentó encubrir la verdad y sólo publicó un breve mensaje en el periódico. El tribunal militar condenó levemente al capitán a una degradación de categoría y a tres años de prisión breve, lo que despertó la ira. de los supervivientes. Anunciaron desesperadamente la verdad al mundo, lo que provocó una respuesta feroz en todo el mundo.
El pintor romántico Theodore Géricault capturó este importante acontecimiento y lo utilizó como importante material creativo. Él personalmente fue a la costa de África occidental para observar y experimentar el cielo y el océano allí, visitó a los supervivientes de naufragios y esbozó sus ideas.
Para reflejar fielmente la tragedia, fue al hospital para observar la trágica situación de los pacientes moribundos, dibujó a pacientes con ictericia y dibujó cadáveres reales en sus obras. La balsa era un modelo pequeño hecho por un carpintero que contrató entre los supervivientes. En definitiva, todo parte de la verdadera reproducción. La composición de la pirámide triangular reproduce la escena más emocionante del último momento desesperado.
"La balsa de Medusa" es una excelente obra maestra del pintor romántico Sirico. La pintura está basada en un naufragio real, una estructura piramidal, y representa a un grupo de personas que luchan entre la vida y la muerte, matándose entre sí y comiendo la carne de los muertos. Pero el hombre que sostiene el pañuelo rojo en la imagen tiene un significado diferente. La expresión del romanticismo en la creación artística es la expresión del mundo espiritual de las personas y la representación de la personalidad. Niega la realidad y se resiste a la sociedad capitalista, pero no puede ver el futuro con claridad. A veces, cuando miro hacia el futuro, pongo mi esperanza en un mundo utópico, en un país lejano, en una época y una forma de vida muy alejadas de los tiempos modernos. mirar hacia atrás. La importancia histórica del arte romántico es que encarna las aspiraciones e ideales de las personas asociadas con los movimientos de liberación de la época. Señala el papel del pueblo en la historia, pero es unilateral. En la lucha contra el neoclasicismo, se abrió un mundo nuevo lleno de emociones y un deseo entusiasta de creación ideal y fantástica, y formó sus propias características de creación artística en el desarrollo: reflejando la lucha del pueblo por la libertad y el anhelo de un futuro justo y feliz. , Énfasis en la individualidad y la expresión emocional, preferencia por el mundo subjetivo de la fantasía, amor por las metáforas y los contrastes, los colores brillantes y las composiciones atrevidas. El método artístico romántico tuvo una enorme y a menudo beneficiosa influencia en el desarrollo del arte en muchos aspectos. Su excelente tradición cultivó la creación de muchos artistas avanzados en la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX. El precursor del romanticismo fue Sirico. Su balsa "Medusa" conmocionó al mundo del arte parisino con su poder trágico, tensión grandiosa y emocionante, personajes conmovedores, colores rigurosos y deprimentes y un fuerte contraste de luces y sombras. La Balsa de Medusa se exhibió en el Salón de 1819, provocando una intensa controversia en la prensa. El tema de esta pintura proviene de la vida real y refleja el incidente en el que un velero, el Medusa, encalló y se hundió frente a las costas de África por culpa del gobierno francés. La composición del cuadro tiene forma de pirámide. Hay un cadáver en la esquina inferior derecha que ha sido empapado y descolorido. A la izquierda, un viejo marinero que sostiene el cuerpo de su hijo, incapaz de moverse. El tercer grupo de personas fueron supervivientes que duraron 14 días. Vieron una pequeña silueta de una vela en el horizonte, empujando al hombre negro más fuerte hacia arriba y agitando su ropa. La persona que sostiene el pañuelo rojo representa la lucha del pueblo por la libertad y su anhelo por un futuro justo y feliz. En este incidente, el pintor pareció ver similitudes con la desesperación vivida por los progresistas franceses durante la Era de la Restauración. A través de esta pintura, mostró su preocupación por el destino de la humanidad y su espíritu humanitario, y expuso las debilidades del incompetente gobierno francés, convirtiéndola así en una fuerte metáfora política. La aparición de Medusa Raft renovó el mundo del arte francés, que estaba limitado por el neoclasicismo. Los elementos románticos que contiene constituyen sus características, a saber, el poder trágico, la rica expresividad de la composición y los personajes, el tono riguroso y sombrío y el fuerte contraste entre la luz y la oscuridad. Despertó el interés de diversas escuelas de arte en el siglo XIX. El neoclasicismo estudia su composición y tratamiento del espacio. El romanticismo está interesado en sus fuertes emociones y tensión, el realismo está interesado en su tema y sus vívidos informes. Sin embargo, el pintor quedó decepcionado porque la exposición tuvo más éxito político que artístico. Theodore Géricault nació en Lyon, Francia, y se fue a París para estudiar pintura a la edad de 15 años. En el estudio de un profesor de clasicismo lo despidieron porque no le interesaba el clasicismo. Ante la admiración de David y Rubens, poco a poco se convirtió en un pionero de la pintura romántica francesa, tan famoso como más tarde Delacroix. Le gustan los caballos desde niño y ha pintado numerosas obras con temática equina. Finalmente, a los 33 años, se cayó de su caballo y murió. En la historia del arte, el romanticismo se opone al clasicismo académico oficial. Presta atención a la individualidad, se entrega a la fantasía y la exageración, está lleno de pasión y le gusta utilizar acontecimientos sorprendentes como tema de la creación. "The Raft of Medusa" es una canción trágica de la historia de la navegación que a Ji le gusta interpretar de forma romántica.
En la imagen, la vela y los supervivientes de la balsa simplemente forman un triángulo y se convierten en el centro de la imagen, mostrando al público la escena de la balsa flotando en el mar. Algunas personas están muertas, otras están muriendo, algunas sostienen los cuerpos de sus seres queridos y están perdidas en sus pensamientos... Y un grupo de personas que avanzan han roto los grilletes de un triángulo estable y han formado un triángulo turbulento y apasionado. Uno a uno fueron empujando hasta que la persona de arriba fue levantada, agitando una toalla roja.
Siguiendo la dirección de sus gritos, los lectores atentos pueden divisar la sutil sombra de un barco sobre las olas lejanas, que representa la esperanza de vida frente a la muerte inminente. El artista pintó deliberadamente una vela en el fondo y el viento en contra hizo volar la balsa hacia atrás, creando una tensión entre el deseo de las víctimas de tener un bote salvavidas y la realidad de que la balsa estaba siendo arrastrada gradualmente hacia atrás por el viento en contra. El artista pasó 18 meses pintando esta obra maestra y la revisó constantemente. Se exhibió públicamente por primera vez en 1819. Quizás ni el propio autor esperaba el efecto sensacional de la exposición. Aunque este incidente pasó hace mucho tiempo, cuando la gente se paró frente al cuadro, pareció ver las olas furiosas y la situación de impotencia de los soldados. La descripción de la imagen no es equilibrada, pero a través de un diseño inteligente y una descripción impactante, estimula fuertemente las emociones del espectador.
Nombre: Sr. y Sra. Arnolfini (1434)
Autor: Jan van Eyck (Países Bajos)
Retrato de Arnolfini y su esposa Los gestos y el entorno Los accesorios de la película tienen significados populares, que son muy interesantes: los gestos de la pareja Arnolfini indican lealtad mutua, tomar la mano de la esposa significa que el esposo siempre apoyará a su esposa y la palma de la esposa apuntando hacia arriba significa que ella siempre será leal; a su marido. La ropa lujosa muestra la riqueza de los personajes; el candelabro que cuelga sobre el cuadro enciende las velas, lo que significa que la luz que conduce al cielo en la esquina inferior del cuadro significa matrimonio, el cachorro debajo de los pies significa lealtad; , y el pañuelo blanco de la mujer significa castidad y virginidad, el verde representa la fertilidad, el rojo en la cama simboliza la armonía, la manzana en el alféizar de la ventana representa la paz, el rosario en la pared representa la piedad y la escoba representa la pureza; Espejo redondo con una esquina en el medio del cuadro, que representa el cielo. Todos estos símbolos tienen tanto creencias cristianas como ideas seculares, y el pintor los ha incluido en sus cuadros y los ha descrito con gran detalle. Un espejo cuelga de la pared entre las figuras. El marco tiene 10 cuadrados que sobresalen en forma de flor, con un pequeño círculo colocado en cada cuadrado. Cada círculo representa una historia sobre Jesús; las imágenes son demasiado pequeñas para ser reconocidas. El espejo circular central refleja el paisaje de toda la habitación. Este nivel de detalle y detalle es poco común en el mundo de la pintura al óleo y solo se puede ver en pinturas finas de los Países Bajos. Se dice que incluso los fotógrafos modernos quedan asombrados por esta exquisita descripción. El uso de reflejos especulares para ampliar el espacio de la imagen es otra característica de esta obra maestra. Estas características artísticas tuvieron una gran influencia e inspiración en la pintura de género holandesa posterior.
Aquí, el artista representa a la familia recién casada de un típico ciudadano rico de los Países Bajos. Pintó vívidamente el retrato de la joven pareja con un estilo extremadamente delicado, especialmente el mobiliario del interior, incluida la decoración de las paredes y el techo, mostrando las habilidades únicas del pintor en la ilustración de libros.
Arnolfini, una persona real que fue nombrada caballero por el duque Felipe en 1420, saludaba con rigidez y cortesía a los distinguidos invitados en la cámara nupcial con su nueva esposa: levantaba la mano derecha para expresar una especie de La ceremonia simboliza el compromiso de amor; la novia coloca su mano derecha sobre la mano izquierda del novio y promete ser siempre la fiel compañera de su marido. La ropa lujosa y voluminosa era un tipo de ropa que usaban los ricos en los Países Bajos. Todos los detalles de la habitación, como velas, cepillos, escobas, manzanas, rosarios y el perro entre ellos, son simbólicos de alguna manera, sugiriendo asociaciones de un matrimonio feliz. La pintura está llena de una atmósfera de piedad y paz, expresando elogios por el estilo de vida y las normas morales de los ciudadanos. En la pared, en el centro del fondo, hay un espejo convexo decorativo, detalle que merece la atención del espectador. Desde este pequeño espejo redondo no sólo podemos ver las espaldas de los recién casados, sino también a otra persona que se encuentra frente a ellos, el propio pintor. Este juego de física demuestra el conocimiento del pintor en la utilización de los llamados reflejos de luz. Observe la curvatura de la ventana en el lado izquierdo del espejo convexo. Diez imágenes de la crucifixión están enmarcadas alrededor de marcos pequeños, las imágenes son tan pequeñas que apenas se notan. También hay una lámpara de araña con una brillante luz dorada sobre sus cabezas (ver foto adjunta), que es tan sutil que sorprende a los fotógrafos modernos. Se trata de un método tradicional y meticuloso exclusivo de los Países Bajos. El uso de espejos para enriquecer el espacio del cuadro es una característica de esta pintura. Las pinturas de género holandesas posteriores y pinturas similares en los Países Bajos se beneficiaron de la inspiración de este método de pintura.
El autor de este famoso cuadro, Retrato de los Arnolfini, fue Jan van Eyck (1380-1441), el fundador del arte cívico holandés durante el Renacimiento europeo. "Retrato del señor y la señora Arnolfini" no sólo fue el primer intento de expresar la profundidad de las nuevas pinturas al óleo, sino también la primera pintura de género y pintura de interiores que se desarrolló más tarde.
Nombre: El nombre de David significa "víctima amada".
Autor: Miguel Ángel
Época: 1501-1504.
Material: estatua de mármol
Especificaciones: 2,5 metros de alto, 5,5 metros de alto con base.
Ubicación de la colección: Ahora en la Galería de la Academia de Florencia.
Miguel Ángel vivió una época convulsa en la sociedad italiana, y su vida errante le hizo dudar de la época en la que vivía. En medio del dolor y la desilusión, volcó su pensamiento en la creación artística. Al mismo tiempo, también buscaba sus propios ideales, y creó una serie de imágenes heroicas, tan magníficas, fuertes y valientes como gigantes. David es el representante más destacado de esta idea. David es el joven héroe de la Biblia. Una vez mató al gigante filisteo Goliat que invadió a los judíos y defendió las ciudades y la gente de su patria. Miguel Ángel no siguió la escena en la que David pisó la cabeza del enemigo después de derrotarlo, sino que eligió el estado de David al enfrentarse a la batalla. En esta obra, David es un joven musculoso y bien proporcionado. Estaba de pie con confianza y gracia, sosteniendo la honda en su mano izquierda, su mano derecha inclinada, su cabeza vuelta hacia la izquierda, su rostro delicado, sus ojos penetrantes mirando a lo lejos, como si buscara enemigos distantes en el horizonte, listo para atacar. participar en una nueva batalla. El físico de David es majestuoso y poderoso, su comportamiento es valiente y fuerte, y su cuerpo, rostro y músculos están tensos y llenos, encarnando toda la belleza masculina idealizada, tanto externa como internamente. El joven héroe miró hacia adelante, su expresión llena de tensión concentrada y fuerte voluntad, y el enorme poder acumulado en su cuerpo parecía estar listo para explotar en cualquier momento. A diferencia de sus predecesores que estaban acostumbrados a mostrar escenas posteriores a la batalla, Miguel Ángel creó aquí los momentos previos a la pasión del personaje, haciendo que su trabajo sea más atractivo artísticamente. Su postura parece descansar, pero su postura corporal no muestra cierta tensión y. Da a la gente una fuerte sensación de "moverse en silencio". La estatua está tallada en una sola pieza de piedra. Para que la estatua pareciera más majestuosa en la base, el artista amplió deliberadamente la cabeza y los brazos de la figura, haciendo que David pareciera más alto y más poderoso desde la perspectiva del público, dándole una sensación de gigante. Esta estatua es considerada una de las estatuas humanas masculinas más jactanciosas de la historia del arte occidental. Más importante aún, David es la encarnación del humanismo renacentista. En la superficie es un "renacimiento" del arte griego antiguo, pero en esencia se trata de personas que se liberan de las cadenas de la oscura Edad Media y se dan cuenta plenamente del gran poder del hombre para transformar el mundo. Miguel Ángel inyectó gran pasión en el proceso de talla, creando no sólo una estatua, sino también un símbolo de la expresión artística del movimiento de liberación ideológica. Como el nivel más alto de escultura de una época, David siempre irradiará un brillo infinito en la historia del arte. Para proteger la obra de arte, la obra original de David se colocó en la Academia de Bellas Artes de Florencia, y la réplica se encuentra al frente. del Ayuntamiento para que lo aprecien personas de todo el mundo.
Autorretrato con oreja vendada fue escrito por Van Gogh en 1888. En 1888 Van Gogh invitó a Gauguin a vivir en Arlés. Al principio se llevaban bien, pero como Van Gogh enfermó varias veces, los dos artistas continuaron peleándose. Después de una acalorada discusión, Gauguin se marchó furioso. Incapaz de detener o reprimir su emoción, Van Gogh se cortó la oreja derecha. El autorretrato que pintó sobre esta base se convirtió en una de sus obras más representativas.
Nombre: Autorretrato con las orejas vendadas
Autor: Van Gogh
A veces, el autorretrato puede acercarse más al alma real. Un gran número de autorretratos constituyen otro paisaje único de la obra de Van Gogh, que nos permite rastrear una y otra vez sus pensamientos y su trayectoria vital. A finales de febrero de 1886, Van Gogh llegó a París, la capital del arte. El hermano menor de Van Gogh, Theo, era un famoso comerciante de arte en París en ese momento. Durante su introducción, Van Gogh conoció a muchos pintores impresionistas, como Gauguin, Seurat, Pissarro, etc., y así absorbió la técnica del puntillismo impresionista. A partir de esta época, Van Gogh realizó una gran cantidad de autorretratos.
Autorretrato con las orejas vendadas Durante su estancia en París realizó un total de 8 autorretratos, desde el primer autorretrato con sombrero de fieltro negro hasta el autorretrato delante de un. caballete a principios de 1888. En febrero de 1888, Van Gogh viajó a Arles, una pequeña ciudad del sur de Francia, por recomendación de un amigo, marcando así el comienzo de la cima de su creación. Durante este período se realizaron tres autorretratos, como "Autorretrato de Gauguin" y "Autorretrato de Zha Er". Tras llegar a Remiel en 1889, pintó sus tres últimos autorretratos. En 1888 Van Gogh invitó a Gauguin a vivir en Arlés. Al principio se llevaban bien, pero como Van Gogh enfermó varias veces, los dos artistas continuaron peleándose. Después de una acalorada discusión, Gauguin se marchó furioso. Incapaz de detener o reprimir su emoción, Van Gogh se cortó la oreja derecha.
El mundo fue el primero en infectar al pintor humano con su locura, del mismo modo que una vez inyectó magia en su pincel. Contemplamos con asombro el rostro deformado, los ojos asustados y los gestos temblorosos de Van Gogh: parecía sufrir por toda la humanidad y se convirtió en la encarnación del dolor. Pensando en esto, también podemos entender las líneas que luchan y los colores danzantes en las obras de Van Gogh: su sangre se mezcla con la pintura vertida y el lienzo es solo un vendaje para sus heridas. Este es un maestro en vivir con trauma. Está acostumbrado a hablarle al mundo con heridas. Este es un segador del dolor cuya guadaña finalmente llega a sus oídos. Van Gogh murió, pero dejó una oreja famosa; esta última reliquia parece no haber perdido la audición y ha recopilado comentarios de las generaciones futuras. El oído sangrante de la historia sigue siendo como un estetoscopio enterrado en nuestras vidas, sondeando nuestras conciencias. Van Gogh está muerto, pero sus oídos siguen vivos y su memoria sigue ahí. ¿Por qué no le das una mano cuando gime y se derrumba? Mundo, ¿lo oyes? ¿Dónde están tus oídos? El autorretrato que pintó sobre esta base se convirtió en una de sus obras más representativas. Tenía la cabeza envuelta con una venda, su rostro demacrado, sus ojos hundidos y su dolor, ira y desesperación se revelaban claramente. Todo el cuadro parece estar en medio de olas, y el furioso torrente parece amenazar al pintor fanático, provocando un enorme impacto visual.
Nombre: Guernica (1937)
Autor: Picasso
La obra reproduce el patetismo con voz fuerte. Es la primera vez en la historia de la pintura occidental. El simple hecho de usar formas para marcar los eventos que experimentamos puede hacernos sentir extremadamente asustados. Vemos tragedia y humor, ironía y lástima, el temblor de la vida y la quietud de la muerte. La obra demuestra plenamente la crueldad de las atrocidades fascistas y el sufrimiento del pueblo. Picasso, destacado pintor español y gran representante de la escuela de pintura moderna francesa, nació en el seno de una familia de profesores de pintura españoles en 1881 y se instaló en París en 1904. Sus primeras pinturas eran realistas y sus sujetos simpatizaban profundamente con los mendigos, vagabundos y artistas de circo. Más tarde, persiguió la singularidad en las formas y se convirtió en un representante del cubismo. El cubismo es la división de objetos en varias formas geométricas, para luego superponerlos y apilarlos en un marco plano, cambiando así por completo la forma original del objeto. Su óleo "Guernica" es su obra maestra. El 26 de abril de 1937, aviones fascistas alemanes bombardearon la ciudad española de Guernica. Cuando Picasso escuchó la noticia se llenó de indignación. Abandonó una de sus historietas originales, Guernica (10), y la completó en seis semanas. Esta pintura no es un método de información realista, sino un método simbólico que expone eficazmente los males de la guerra de agresión y las atrocidades del fascismo. La tragedia épica toca los ojos y el corazón del público. Por tanto, esta pintura se convirtió en una obra sumamente importante en la historia del arte del siglo XX. El enojado pintor Picasso pintó un gran óleo "Guernica". 70 años después, esta obra maestra se ha convertido en uno de los símbolos culturales para advertir de los desastres de la guerra, y la tragedia de Guernica permanecerá para siempre en la memoria marcada de la humanidad. No hay aviones ni bombas en la imagen, pero sí una acumulación de crueldad, terror, dolor, desesperación, muerte y gritos. Las flores pisoteadas, los miembros rotos, la madre llorando, pidiendo ayuda, el hombre con un brazo roto cayendo al suelo, el caballo moribundo... Esta es una acusación silenciosa contra las atrocidades fascistas, que destrozan el cielo. El pintor utilizó el cubismo semiabstracto y una combinación de imágenes que trascienden el tiempo y el espacio para romper los límites del espacio, dar cabida a protestas airadas y hacer que la épica sea trágica. En los fragmentados bloques grises en blanco y negro, hay una tristeza y un miedo infinitos, que reflejan la fuerte simpatía del pintor por el sufrimiento humano. Diferentes artistas responden de manera diferente a las tragedias humanas desgarradoras. Guernica fue bombardeada por la aviación fascista, lo que supuso una prueba silenciosa para el artista. La presencia o ausencia de compasión es el requisito previo para alcanzar la creación espiritual. Picasso dijo: "Pinto objetos basándome en lo que quiero y no en lo que veo". Picasso vivía en París en ese momento y el gobierno español le encargó crear pinturas para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París. Cuando llegó la noticia de que los alemanes habían bombardeado Guernica, Picasso se puso furioso. Usó el bombardeo de Guernica como tema y describió el Pabellón de España a su antojo, exponiendo completamente al mundo los crímenes inhumanos del fascismo. Los creadores de arte deben comprender el verdadero significado del arte. Como dijo el economista chino del cómic Feng Zikai: El arte no es una profesión de habilidades, sino una profesión del alma. Después de la publicación de "Guernica", se exhibió en algunos países y fue muy elogiado por personas amantes de la paz. Por lo tanto, Picasso fue respetado por personas de todo el mundo. Durante la dictadura de Franco, el Guernica no pudo exhibirse en el país natal del pintor.
No fue hasta 1981 que Guernica regresó a España para cumplir el último deseo de Picasso. En el Museo Picasso de París sucedió una pequeña cosa: un día, unos soldados alemanes vinieron de visita y Picasso les dio a cada uno una copia de "Guernica". Un oficial le preguntó a Picasso: "¿Es esta su obra maestra?" Picasso respondió: "¡No, esta es su obra maestra!" Después de la guerra, participó en la primera exposición de arte de la posguerra como soldado de la Resistencia francesa y se unió en 1944. Francés* *Fiesta de Producción. Posteriormente participó en el movimiento de defensa de la paz y creó un cartel "Paloma de la Paz" para la Conferencia Mundial de la Paz. Picasso dedicó su vida a oponerse a las guerras de agresión y mantener la paz mundial.