La historia del cine experimental
En la Europa de la década de 1820, el cine como medio artístico maduró gradualmente, con el debilitamiento de la resistencia de los intelectuales de élite al entretenimiento de masas y la fuerte defensa de los artistas de vanguardia en el campo de las artes visuales. Nace el cine experimental. Artistas del dadaísmo y el surrealismo también comenzaron a utilizar películas experimentales para mostrar sus habilidades.
Entr'acte, rodada por René Clair, era una película de arte en aquella época que hizo descubrir que además de aquellas locas comedias populares, también había tramas impredecibles. Personas como Hans Richter, Jean Cocteau, Marcel Duchamp, Germaine Dulac y Viking Eggeling también rodaron muchos cortometrajes clásicos dadaístas y surrealistas en esa época.
La película experimental más famosa de este período generalmente se considera Un chien andalou, una colaboración entre Luis Buñuel y Salvador Dalí. Las películas europeas de vanguardia más abstractas están representadas por los cortometrajes animados de Hans Richter. y el vídeo G.P.O de Len Lye.
Algunos cineastas en Francia en ese momento también distribuyeron y proyectaron sus películas a través de apoyo financiero y a través de clubes de cine, aunque estas películas todavía se centraban en narrativas argumentales y no eran de vanguardia en el sentido estricto de la película universitaria de Pie. . El experto en estudios cinematográficos David Bordwell llama a estos cineastas impresionistas franceses (impresionistas franceses), incluidos Abel Gance, Jean Epstein, Marcel L'Herbier y Dimitri Kirsanoff. Estas películas también incluyen exploraciones experimentales de la narrativa de la trama y la edición de saltos rítmicos. como énfasis en la propia subjetividad de los personajes, también son característicos de este género.
El año 1950 estuvo marcado por la conmoción provocada por la proyección del Tratado sobre el limo y la eternidad de Isidore Isou en el Festival de Cine de Cannes de ese año, que representó el auge del movimiento artístico de vanguardia letrista en Francia.
El desarrollo del movimiento estuvo dividido por diferentes actitudes hacia las críticas a Charlie Chaplin. Entre ellos, los ultraletristas (ultraletristas)
son evidentemente más radicales, predican que el cine está muerto y demuestran al público técnicas de rodaje (hipergráficas). La obra más llamativa de todas ellas la realizó Guy Debord en 1952.
Aullidos a favor de De Sade (Hurlements en Faveur de Sade)
Al mismo tiempo, los artistas del cine soviético también mostraron su estilo único, además de la pintura y el concepto de montaje modernos. .
Películas como Dziga Vertov, Sergei Eisenstein, Lev Kuleshov, Alexander Dovzhenko y Vsevolod Pudovkin nos muestran un modelo y estilo de rodaje completamente diferente a las películas convencionales de Hollywood de las décadas de 1910 y 1920, por lo que, aunque no lo son películas experimentales, pero también han contribuido a enriquecer el lenguaje del cine experimental y a promover el desarrollo y la difusión del cine experimental.
Estados Unidos tenía algunos cineastas de vanguardia antes de la Segunda Guerra Mundial, pero gran parte de la cultura cinematográfica experimental de antes de la guerra consistía en artistas que trabajaban de forma aislada.
Ya en la Segunda Guerra Mundial, había algunas películas de vanguardia en el Pueblo de los Estados Unidos, pero la situación en ese momento era que estos artistas estaban haciendo sus propias películas entre sí, y no existía una cultura cinematográfica experimental global y generalizable y sus grupos en los Estados Unidos. En Rochester y Nueva York, James Sibley Watson y Melville Webber dirigieron La caída de la casa Usher (1928) y Lot en Sodoma (1933), con Mary Ellen Bute, el artista Joseph Cornell y el pintor Emlen Etting (1905). 1993) produjo muchas de las primeras obras maestras del cine experimental en la década de 1830. Y Christopher Young también hizo algunas películas experimentales con clara influencia europea.
En 1946, Frank Stauffacher comenzó a producir varias películas para el Museo de Arte de San Francisco en una serie llamada "Art in the Movies". (El Museo de Arte Moderno de San Francisco también exhibe muchas películas experimentales interesantes)
Meshes de 1943, dirigida por Maya Deren y Alexander Hammid Afternoon, se considera la primera película experimental estadounidense fundamental.
Su modelo de producción y distribución independiente también fue seguido por películas experimentales posteriores, y pronto fue adoptado por Cinema 16 y otras sociedades cinematográficas similares.
No sólo eso, esta película también estableció un modelo estético que el cine experimental puede lograr.
La sensación onírica de la película tiene un toque de Jean Cocteau y algo de surrealismo, al mismo tiempo que es personal, fresca y esencialmente americana.
Del mismo modo se incluyen obras tempranas de artistas como Kenneth Anger, Stan Brakhage, Shirley Clarke, Gregory Markopoulos, Willard Maas, Marie Menken, Curtis Harrington y Sidney Peterson.
Lo sorprendente es que muchos de estos cineastas fueron el primer grupo de cursos de cine ofrecidos por algunas universidades con tradiciones artísticas de vanguardia en Los Ángeles y Nueva York.
En ese momento, se ofrecían "cursos de cine no convencionales" en Black Mountain College (ahora ya no existe) y el San Francisco Art Institute, que enseñaba en Black Mountain College, propuso al público en general. , incluidos Hollywood y algunos artistas, creen que las películas comerciales y las películas de vanguardia son mutuamente excluyentes o incluso incompatibles. Esto es completamente erróneo. Un ejemplo claro que respalda su opinión es el período creativo posterior de Nicholas Ray y King Vidor después de su partida. Hollywood también filma y crea obras cinematográficas de vanguardia. Artículo de referencia principal: "Structure Film"
El modelo de comunidad cinematográfica y producción individual continuó desarrollándose durante los siguientes casi 20 años.
A principios de la década de 1960, un nuevo concepto presentado por algunos cineastas de vanguardia estadounidenses atrajo cada vez más atención.
La siguiente situación es la descrita por P. Adams Sitney. Las primeras obras de Stan Brakhage y algunos artistas del cine experimental estadounidense se centraban en la conciencia personal del autor, al igual que la narrativa en primera persona en las obras literarias. , el lápiz se reemplaza por una lente y el papel se reemplaza por una película.
En esta época, Dog Star Man de Brakhage era diferente. Esta obra no sólo pasó de la introspección personal a conceptos más abstractos, sino que también tenía una clara tendencia a resistirse a la cultura popular estadounidense de la época.
Por otro lado, Kenneth Anger añadió música rock a Scorpio Rising (luego considerado como un trabajo que anticipó a MTV), y el trabajo también era extremadamente satírico y burlón de las películas clásicas de Hollywood de la época.
Smith y Andy Warhol incluso llevaron adelante esta sátira y la imitación exagerada de lo llamativo en sus obras. Esta es también una de las evidencias que, según Sitney, es la relación de Warhol con la estructura conciliadora de las películas.
También hay algunos artistas cinematográficos de vanguardia que se alejan cada vez más del marco narrativo del cine tradicional.
Aunque las películas estadounidenses de la nueva era todavía tienden a conservar el marco narrativo tradicional, algunos cineastas como Hollis Frampton y Michael Snow todavía utilizan las ideas abstractas, el minimalismo y los intentos de provocar la estética del público antes mencionados. y materialismo deconstructivo en su trabajo, creando un concepto que llegó a ser conocido como cine altamente formateado: la recreación y representación del propio medio de grabación, incluida la película, los efectos de proyección y, en última instancia, importante: el reprocesamiento del tiempo. .
Las personas que están familiarizadas y acostumbradas al tipo de películas de fantasía que se ofrecen en la línea de producción de Hollywood, naturalmente, estarán interesadas en este tipo de interpretación de las películas cuando vean este tipo de películas que son completamente opuestas a sus propio gusto estético y confunde a la gente por un tiempo. Hay mucho debate sobre lo que constituye un collage "aleatorio" de elementos individuales. Aunque se puede decir que las últimas obras de Frampton son un clásico psicodélico debido a la participación de Edward Weston, Paul Strand y otros en la fotografía.
No fue hasta finales de la década de 1960 que P. Adams Sitney publicó un artículo en la revista Film Culture que dio a conocer a la gente el concepto de película estructurada y los numerosos cineastas relacionados con él. Posteriormente, muchos cineastas empezaron poco a poco a rodar "películas estructuradas" con un estilo más "académico".
A diferencia de la defensa positiva del artículo de Sitney anterior, una revisión del estructuralismo publicada en la edición de 2000 de Art In America criticó este estilo cinematográfico de estructura por estructura como conservador y formal. El arte conceptual desarrollado en la década de 1970 aportó un mayor impacto a las películas experimentales. Robert Smithson, un artista activo principalmente en California, ha grabado numerosos vídeos que registran principalmente su propio land art y obras relacionadas.
Yoko Ono también se sumó a la tendencia de hacer películas conceptuales. Entre ellos, Rape, la obra más resonante, utiliza la cámara para seguir cada aspecto de una mujer, grabándolo todo, invadiendo por completo su vida hasta que se esconde en su apartamento y su espalda desaparece de la vista del público.
Fue por esta época cuando una nueva generación de jóvenes artistas comenzó a involucrarse en este campo, y muchos de ellos eran alumnos de artistas de vanguardia anteriores.
Artistas destacados como Leslie Thornton, Peggy Ahwesh y Su Friedrich ampliaron aún más el contenido expresivo del arte constructivista a través de sus propias creaciones sin perder sus características personales. La escritura y filmación de películas de Laura Mulvey promovieron en gran medida el desarrollo de las películas de mujeres en ese momento, y sus obras marcaron el comienzo de una escena floreciente de películas de mujeres. Estas películas de mujeres reflejaron la mejora de los hombres en las películas comunes de Hollywood de la época. Pasar por alto la perspectiva sobre las mujeres y las normas de género desiguales entre hombres y mujeres perjudica a las mujeres.
El contraataque y la resistencia a esta contradicción y desigualdad es una característica importante de estas mujeres
La película:
Chantal Akerman y Sally Potter son 70 Dos de las Las artistas cinematográficas más famosas de la década de 1990.
El videoarte también apareció en el campo de la creación artística como un medio emergente en esta época. Las artistas Martha Rosler y Cecelia Condit aprovecharon y demostraron plenamente sus ventajas y características para crear obras destacadas.
En los años 80, aparecieron uno tras otro trabajos experimentales sobre feminismo, homosexualidad y algunos temas políticos que atrajeron la atención de la gente. Entre ellos, cineastas como
Barbara Hammer, Su Friedrich, Tracey Moffatt, Sadie Benning, Moira Sullivan e Isaac Julien han perseguido sus propias identidades y políticas únicas a través de sus trabajos experimentales.
Reconocimiento público de la proposición.