Interpretación del arte abstracto

Abstracción

Abstracto

Las imágenes artísticas se desvían o abandonan por completo la apariencia de los objetos naturales en gran medida. El significado original de la palabra abstracción se refiere al abandono de factores no esenciales y la extracción de factores esenciales. Algunas obras de arte originales y la mayoría de las obras de arte y artesanía, así como la caligrafía, la arquitectura y otros estilos artísticos, deben clasificarse como arte abstracto en términos del grado de desviación de sus imágenes de los objetos naturales. Sin embargo, el arte abstracto, como corriente artística consciente, surgió en Europa y Estados Unidos en el siglo XX. Muchos movimientos artísticos modernistas como el expresionismo abstracto, el cubismo y el tahitianismo fueron influenciados por esto. El arte abstracto moderno se puede dividir a grandes rasgos en dos tipos: ① reducir, refinar o reorganizar la apariencia de los objetos naturales (2) abandonar completamente los objetos naturales en una forma pura, lo que se llama abstracción pura; Hay dos tipos de primeros: uno se basa en el propio concepto de las cosas, menos factores considerados secundarios y accidentales, y el otro es un modo de extraer imágenes artísticas de objetos naturales especiales individuales; Este último se divide en tipo perceptual y tipo racional. El tipo emocional se llama abstracción caliente, como W. Kandinsky y J. Miro. El tipo racional se llama abstracción fría, representado por K.C. Malevic y P.mondriaan. El abstraccionismo prevaleció en los años cincuenta. El movimiento de arte abstracto moderno fue una rebelión contra la tradición general de simular la naturaleza y tuvo un profundo impacto en el arte moderno y contemporáneo.

El origen del arte abstracto

El arte abstracto es un nombre opuesto al arte figurativo. También puede denominarse arte no figurativo. Se caracteriza por la falta de descripción, expresión del mismo. conceptos y el uso de palabras perceptivas. El método de la pintura, básicamente el expresionismo, se vio por primera vez en la obra de Kandinsky. Incorporó varias influencias artísticas iconoclastas, particularmente las del fauvismo y el cubismo.

El arte "abstracto" no existe en opinión de Picasso. Él cree que sólo algunas personas enfatizan el estilo, mientras que otras enfatizan la vida. Según Michelle Sefer, el arte abstracto es: "Llamo arte abstracto a todo arte que no tiene ningún recordatorio de la realidad ni ningún recuerdo, independientemente de si esta realidad es el punto de partida del pintor". >De hecho, el fauvismo y el cubismo promovieron el desarrollo independiente de la forma y el color. Fue Kandinsky quien descubrió aún más sus secretos. En 1910, pintó su primera acuarela absolutamente abstracta, un vívido punto de color superpuesto sin ningún deseo concreto. La invención creativa de Kandinsky fue obtener inspiración estética de la música, y luego el checo Kupka se inspiró directamente en la música para crear arte abstracto. Es conocido como el creador de los pintores músicos, y más tarde formaron juntos la escuela abstracta.

Dos ramas del arte abstracto

Desde que se produjo la primera obra abstracta en 1910, se ha desarrollado rápidamente en Occidente, ha derivado en muchas formas y se ha convertido en el cuerpo principal del arte abstracto. Es el Cubismo. Una rama del mismo es:

1. El Futurismo (1909-1915), que utiliza la luz para aplastar el material de los objetos para mostrar modernidad y velocidad.

2. 1913-191965438) Utilice alambre, vidrio y láminas de metal para formar imágenes sin imágenes.

3. Más que observar objetos, el absolutismo describe la sensación directa a través del sentimiento y la búsqueda de los llamados nuevos símbolos (1915).

4. Nuevo Patronismo (1917), compuesto por tres colores primarios o bloques rectángulos y líneas rectas.

5. Oponerse a la reproducción de la naturaleza y pasar de la naturaleza al arte figurativo abstracto (años 20).

6. El formalismo abstracto (décadas de 1950-1970) utiliza cintas simples o superficies coloreadas, que son gráficos cada vez más simples y puros, como el arte de borde duro, el arte de superficies coloreadas y el arte minimalista.

7. Arte de efectos de luz (años 60), que provoca errores visuales mediante la luz artificial y el procesamiento del color con figuras geométricas.

Derivado del animismo y el expresionismo:

1. El expresionismo abstracto, que utiliza líneas, trazos y puntos como símbolos, refleja el sentimiento subconsciente del autor (década de 1940).

2. Sobre el lienzo, los autores de la Escuela de Acción (1945-1955) se expresan a través de salpicaduras inconscientes de color en movimientos inconscientes.

Durante el corto proceso de desarrollo de la abstracción, las obras mostraron suficiente belleza interior y poder expresivo, e involucraron pintura, escultura, artes y oficios y otros campos, pero trajeron confusión o diferencias en los estándares estéticos.

Arte cuasi visual - arte abstracto

Desde el siglo XX, el arte abstracto ya no se define simplemente como lo opuesto al estilo realista. En el desarrollo de la expresión abstracta occidental se reconocieron los contenidos figurativos, abstractos y narrativos. El uso de medios compuestos abre las limitaciones de la expresión formal y resalta su rico vocabulario. Siguiendo el marco de la estética visual de Kandinsky y Mondrian, el artista todavía está interpretando el significado de la palabra "abstracto" en la historia del arte, extendiendo el significado a la sociología, la historia del arte y otros niveles, ampliando así la posibilidad del significado abstracto.

El "aprendizaje" y la "experiencia" llevan los valores de las personas hacia la misma crisis de valores, haciendo que las personas pierdan la tendencia a la personalidad independiente, incapaces de interpretar fenómenos reales, tocar y reflexionar sobre las cosas. La sensación de pérdida en la vida también surge cuando las personas se vuelven cada vez más incapaces de distinguirse.

La pintura recuerda a las personas la posibilidad de comunicarse con el mundo exterior y les recuerda que no limiten sus ojos con conceptos, sino que limiten sus propias perspectivas y posibilidades. Deja que se libere el marco existente que existe en tu mente. Sólo así los sentimientos sutiles que existen en el espacio y las escenas frescas pueden pasar a través de nuestros ojos y entrar en nuestros corazones a través de la atmósfera de libertad. Dejemos que las cosas que son ilógicas o inconsistentes con nuestros hábitos se conviertan en objetos que nuestros ojos puedan reconocer. Intenta abrir nuestros horizontes, activa nuestro corazón y luego vuélvete activo para enriquecer nuestra experiencia de vida.

Los temas emocionales realistas tienden a corresponderse claramente, mientras que lo abstracto suele utilizar el color y la forma para proporcionar elementos que corresponden a la emoción. Cuando las pistas de los elementos contradicen la universalidad visual, a menudo resulta difícil para la expresión emocional del espectador llegar al centro de las emociones del pintor. El pintor adopta un enfoque realista en las escenas de la vida, pero en términos conceptuales, puede romper con la perspectiva de "inercia" y mirar las escenas con nuevos ojos en la pintura. En cuanto a la cuestión de si la abstracción y la concreción pueden coexistir en un cuadro, los pintores a menudo hacen juicios preliminares sobre la posibilidad en el proceso de observación y selección de temas. Este juicio proviene del instinto "animal" del pintor de intentar restaurar y observar la esencia de las cosas. Sólo se pueden generar nuevas ideas visuales explorando los cambios sutiles de la materia misma con un ojo instintivo, o observando las nuevas relaciones que surgen de la coexistencia de la materia. En el proceso de creación, el pintor hace todo lo posible por abandonar las limitaciones causadas por habilidades refinadas y antecedentes de aprendizaje. El pintor cree que escenas aleatorias de la vida, sin adornos ni imposición de significado simbólico, pueden constituir la fuerza principal del cuadro siempre que puedan captar los cambios de luces y sombras en un instante. Lo que hace que una buena pintura conmueva a la gente, además de la pincelada, es en realidad un sentimiento abstracto que nos conmueve. Ese sentimiento abstracto es tu propio espacio abstracto. No me refiero al espacio tridimensional del mundo físico, sino a tu propio espacio abstracto. ...". Cuando se buscan relaciones entre objetos en un lienzo plano, existen relaciones multivista contradictorias. Hace que cada parte de la imagen sea un elemento esencial, con estrechas contradicciones escondidas por todas partes. Quizás esta sea la capacidad del pintor para prever objetos más allá de los ojos de la gente común, y también sea la habilidad del pintor para expresar la tensión del cuadro dentro de los límites de la visión. El pintor cree que dos y tres grados, o realismo y abstracción, son escenas reales que conviven en el mundo real y no son transformadas por él mismo. Simplemente captura una parte de la vida de las personas que a menudo se pasa por alto y se olvida.

En la categoría de pintura abstracta occidental, ya sea abstracción geométrica según Mondrian o abstracción lírica según Kandinsky. En el contexto de los sistemas abstractos occidentales, la gente a menudo intenta dominar al público con emociones fuertes y aceptar la expresión subjetiva integral de la imagen. Aunque esto conmueve o impacta al público, el poderoso poder de la propia pintura a menudo se traga las correspondientes emociones subjetivas del público, convirtiéndola en una comunicación emocional unidireccional. En la obra de Matisse "La Casa Roja", el color se utiliza para expresar la escena en espacios bidimensionales y tridimensionales. El color y la línea parecen ser las herramientas de comunicación más precisas de Matisse. Matisse no se desvió de las reglas precisas de la perspectiva, sino que redujo el papel individual de los objetos y utilizó hábilmente colores y líneas para sugerir la relación entre la existencia de los objetos y la direccionalidad del espacio tridimensional. Debido a que la descripción de las partes finas del objeto se simplifica, el objeto aparece en un plano simbólico para mostrar la naturaleza irremplazable del objeto, e incluso el objeto se insinúa sutilmente en las costuras o líneas de la superficie de color.

Por otro lado, el desarrollo de la pintura abstracta china tiene diferencias obvias no sólo en el estilo, sino también en el desarrollo del contexto ideológico. Por ejemplo, las pinturas de los literatos chinos no persiguen deliberadamente el desarrollo del vocabulario formal, sino que trabajan duro en el "cultivo de la personalidad". La simplificación no persigue las limitaciones del vocabulario formal; al contrario, el espacio descuidado del cuadro revela de forma natural los rasgos de la personalidad del pintor, dejando más espacio a la imaginación del espectador, y reuniendo así las principales fuentes de emoción. Lo que se discute es un sentimiento perfecto en el corazón humano, no una invención o una grandeza rigurosamente creada. Estar más cerca de la vida misma es un significado espiritual del autocultivo, más que la posibilidad de desarrollar repetidamente la forma material humana. Debido a las diferentes características culturales de Oriente y Occidente, se han formado dos conjuntos diferentes de métodos abstractos, lo que obviamente es un fenómeno inevitable. Sin embargo, en el proceso de aceptación del reconocimiento internacional, para acelerar el ritmo del reconocimiento, es fácil caer en el sistema estético abstracto occidental e ignorar que ya tiene una cierta textura cultural de origen oriental, lo cual sería una lástima. En el futuro, con la fuerte difusión de la información cultural, aunque se puede esperar que las emociones humanas produzcan gradualmente una comunicación universal y un reconocimiento mutuo, es relativamente importante que los artistas orientales controlen sus propios puntos de vista durante el proceso de integración y no se sientan abrumados por El sistema estético occidental es importante.

Los maestros buscan constantemente una manera de recordarle a la gente la agudeza innata de nuestros ojos. Como un producto con una resolución superior a cualquier técnica, cualquiera puede convertirse en un buen director, absorbiendo y desarrollando las posibilidades más imaginativas de la visión del mundo existente. ¿Qué es el arte moderno? ¿Será porque los seres humanos siempre han estado atrapados en emociones contradictorias y quieren buscar alivio del fin sin fin a través del arte en el proceso creativo de romper y equilibrar repetidamente? No se trata de perseguir logros artísticos, sino de seguir la rueda de los tiempos y ahogarse en el enorme sonido del arte moderno, incapaz de escuchar el anhelo y la búsqueda internos.

“La pintura eventualmente volverá a la sensibilidad instintiva de los ojos y presentará la esencia del mundo interior en forma de pintura. El significado último del arte no apunta a la grandeza del arte. , el arte es la solución a los problemas de la vida. Una forma es utilizar el arte como una forma de comunicarse con los seres humanos. El breve vistazo a la vida es a menudo la parte olvidada por los conceptos, pero es la eternidad más profunda e inmutable en la visión.

Es un contraste entre virtualidad y realidad. Esto es la vida real, y la virtualidad se construye con imaginación y creatividad.

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