¿Qué tipo de género musical es el género indie?
Música indie
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IndieIntroducción Parte 1 Una breve introducción al Indie
El nombre Indie proviene de "independiente" El término se utiliza para discos publicados por bandas que se adhieren al espíritu DIY (Do It Yourself) en la música y aquellos sellos pequeños de bajo presupuesto. Aunque los sellos independientes más grandes tendrán acuerdos de ventas con sellos convencionales, estos sellos independientes todavía tienen autonomía absoluta en la toma de decisiones sobre música, por lo que tienen más libertad para descubrir aquellos que no son oyentes conocidos, musicalidad u otros temas emocionales. , pero, por otro lado, es posible que la música que lanzan no genere ingresos proporcionales a su gusto musical (incluso el sello independiente quiere tener éxito comercial). Ser capaz de perseverar no significa renunciar por completo al negocio por el bien de la música. Se puede ver aquí que Indie es un término relativo).
El IndieRock está profundamente arraigado en la música underground americana (American Undergroud) y en el rock alternativo de los años 80 (Alternative Rock). Después de que Nirvana entró en la corriente principal, el undergroud estadounidense y el rock alternativo se diferenciaron inmediatamente. Algunos siguieron a Nirvana en la corriente principal (que también anunció que el rock alternativo en su conjunto entró en la corriente principal), mientras que la otra parte no logró ingresar a la corriente principal o mantuvo una actitud independiente. que es Indie Rock Precisamente porque el Alternative se ha vuelto mainstream y estas bandas tienen una actitud independiente, su nombre cambia de Alternative a Indie. El IndieRock fue una respuesta al fenómeno de la entrada de Nirvana en la corriente principal, que fue que no todas las bandas alternativas hicieron la transición con éxito a la corriente principal, o que estas bandas no querían hacerlo en primer lugar.
Pero no se puede decir que todo el IndieRock no sea comercial. Por ejemplo, cuando el IndieRock utiliza el Punk para realizar su comercialización (el estilo de estas bandas parece llamarse Punk Revival), no es necesario. para tomarlo en serio. ¿Es independiente o convencional? De hecho, la opinión generalmente aceptada siempre ha sido que el IndieRock nunca cambiará su orientación musical para atender al público general, y nunca será la primera opción para el público general. La razón de esto también está determinada por las características de la música indie. Por ejemplo, los oyentes convencionales siempre han considerado este tipo de música: demasiado extraña e ignorante (demasiado histérica e inocente), demasiado increíble (demasiado rara), demasiado sensible y demasiado melancólica (. demasiado sensible y melancólico), demasiado suave y demasiado suave y delicado, demasiado espacial y demasiado hipnótico, demasiado personal e íntimamente revelador en sus letras, demasiado baja calidad y bajo presupuesto en la producción, demasiado low-fi y low-fi. presupuesto en cuanto a melodía y guitarra Los riffs son tan angulares (demasiado angulares en sus melodías y riffs) que forman más ramas. Tome el ruido de la guitarra como ejemplo, hay varios estilos diferentes (Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesusamp. ; estilo Mary Chain).
Tras entrar en la década de 1990, el IndieRock ha producido muchas ramas diferentes (las más conocidas son el indiepop, dreampop, noise-pop, lo-fi, mathrock, post-rock, spacerock, sadcore y andemo) Todas estas bandas independientes son la columna vertebral de la música underground estadounidense actual.
Parte 2: Ramas del IndieRock (Vertical) IndiePop
Puedes pensar en el IndiePop como una versión más melódica, menos ruidosa y menos ansiosa del IndieRock. Lo que se refleja es lo suave y. hermoso lado de la música underground. La música indiepop se centra más en la armonía de los sonidos, los arreglos musicales y la creación de letras. Todo lo que abarca el IndiePop, desde los magníficos arreglos orquestales de ChamberPop hasta la sencilla simplicidad de TweePop, el enfoque o énfasis de esta música siempre está más en la canción que en el sonido.
Aunque tanto el IndiePop como el IndieRock creen en el espíritu D.I.Y (Do It Yourself) del punk, el primero se opone a la actitud nihilista del punk y al chirrido de los sonidos musicales.
NoisePop
Como rama del rock alternativo/indie, NoisePop, como su nombre indica, es música pop con cierta retroalimentación de guitarra, disonancia tonal y desgaste vocal. Ocupa el punto medio entre Bubblegum (lt; jerga americana gt; música dance rock chicle) y avant-garde (música de vanguardia). Es una combinación de técnicas tradicionales de creación de música pop y ruido blanco ligeramente agresivo (WhiteNoise: utilizado para cubrir). arriba el El resultado de la colisión (el murmullo de la angustia humana).
Cuando la melodía de NoisePop flota en el campo sonoro creado por la guitarra arremolinada, su música a menudo da a la gente una sensación confusa, narcótica e hipnótica. Por supuesto, NoisePop puede ser alegre y animado, o puede ser angular y. desafiante.
El primer NoisePop tuvo sus raíces en los experimentos musicales de Velvet Underground, como la retroalimentación y la distorsión. Sin embargo, las bandas originales del NoisePop que son más reconocidas por el público son las bandas estadounidenses de rock alternativo Sonic Youth y Dinosaur Jr. , que combinó la estructura de la música rock con la aspereza de la distorsión de la guitarra. La primera banda formal de NoisePop fue Jesus & Mary Chain, que surgió del underground con su álbum debut Psychocandy en 1986. Casi al mismo tiempo nació YaLaTengo, posiblemente la banda de NoisePop más prolífica y vital. en este momento.
A finales de los años 80, el NoisePop desencadenó el movimiento shoegazing en Inglaterra. La música shoegazing era más introspectiva y sus melodías más frágiles. En la década de 1990, el NoisePop siguió teniendo una influencia importante en el IndieRock.
Slowcore
Slowcore es realmente famoso por su música lenta como un caracol. La melodía y el ritmo de la música siempre dan a la gente una sensación de disociación, deambulación y avance lento. Todos estos también están envueltos en un campo sonoro denso y oscuro creado por instrumentos musicales. Aunque el slowcore a veces se confunde con el sadcore similar, básicamente la música del slowcore se centra más en la música que en el lirismo.
Sadcore
Básicamente, Sadcore es una rama del rock alternativo/indie. La música sadcore es lenta, vulnerable y sentida, a menudo inspirada por emociones de decepción y puede hacer que el oyente se sienta triste y perdido.
La música de Sadcore se centrará en algunos temas emocionales insoportables como la tristeza, la pérdida y el desamor, y es decididamente discreta: la guitarra acústica, que es un símbolo del estilo de cantante/compositor, recibe aquí una nueva connotación, pero la música de Sadcore la música no creará cierta falta de armonía o efectos de sonido fuertes en un campo sonoro oscuro. Bandas sadcore como American Music Club y Red House Painter incorporan su dolor y tristeza en su música, dándole una intensidad fría que es perfecta para escuchar sola a altas horas de la noche.
DreamPop
El dream pop es un tipo de rock alternativo que presta más atención a la atmósfera, enfatizando tanto el sonido como la melodía en la música. Este tipo de música a menudo se caracteriza por un tono solista entrecortado acompañado de un campo de sonido ambiental creado por guitarras o sintetizadores a la deriva. Cocteau Twins se considera un ejemplo típico de la música DreamPop con su tono principal casi irreconocible y su escenario sonoro etéreo. Sin embargo, DreamPop también incluye otras ramas de género diferentes, como el estilo de rock de guitarra post-Velvet Undergroud como Galaxie500, y también tiene retroalimentación de sonido. estilo como MyBloodVatentine, pero en cualquier caso, la música DreamPop presta gran atención a la textura del sonido de la música, y este efecto a menudo se logra mediante el uso de música instrumental y sonidos principales únicos.
Parte 3: Otros tipos de música relacionados con el IndieRock (horizontal)
Post-Punk
Después de la revolución punk de 1977, surgieron muchas bandas. Estas bandas se inspiraron en el espíritu independiente del punk, así como en el sonido crudo y áspero del punk. Pero estas bandas no están simplemente repitiendo la música de bandas como Sex Pistols: están extendiendo su alcance musical a áreas más experimentales, extrayendo nutrientes de la música de bandas como Roxy Music, David Bowie y T.Rex e integrándola en su música. propia música punk, estas bandas son lo que llamamos post-punk.
El punto más común en la música de estas bandas es el espíritu de contracultura y desafío y subversión de las tradiciones del rock establecidas. Muchas de estas bandas (como Joy Division o TheCure) utilizan sintetizadores electrónicos y guitarras para crear. una atmósfera oscura También hay algunas bandas que utilizan un procesamiento musical relativamente suave, pero sus letras y música trastocan por completo la estructura tradicional del rock y resaltan el desequilibrio.
Las bandas post-punk finalmente hicieron la transición a la música alternativa en la década de 1980.
Pop/Rock Alternativo
La música alternativa originalmente se refería generalmente a aquellas bandas post-punk (PostPunk) que aparecieron desde mediados de los 80 hasta mediados de los 90. Aunque existen muchos tipos de música alternativa, lo principal que tienen en común es que todas están fuera de lo convencional.
En algunos aspectos, utilizando el éxito de Nirvana en 1991 como punto divisorio, la música alternativa se puede dividir en dos grupos: uno son las bandas alternativas de la década de 1980, que tocaban en algún lugar de música independiente. sellos, incluso si algunas bandas pertenecen a sellos convencionales, a menudo no reciben el mismo apoyo que otras bandas convencionales de la empresa. La música alternativa a lo largo de la década de 1980 incluye una amplia gama de estilos, como janglepop, post-hardcorepunk, funkmetal, punkpop y rock experimental, etc.; el otro grupo es que después de que Nirvana entró en la corriente principal, los límites entre los distintos tipos de música alternativa mencionados anteriormente se volvieron cada vez más borrosos. La razón es que la música alternativa en ese momento ya era parte del mercado principal (. ya que no es necesario subdividir varios géneros si son convencionales). Entre ellos, el Hard Rock y las bandas con raíces punk son incluso más comerciales que la música alternativa popular que dominó a finales de los 80. En esta época, la música alternativa era completamente. Ha perdido su significado original no convencional. La mayoría de las bandas de rock experimental posteriores a la década de 1990 se clasificaron como IndieRock.
Grunge
El grunge es en realidad un híbrido de heavy metal (HeaveyMental) y punk (Punk) debido a su uso musical de sonidos turbios y oscuros derivados de bandas como los Stooges y BlackSabbath. . Aunque la forma de tocar la guitarra en la música grunge se deriva directamente de la música metal de principios de la década de 1970, la estética del grunge está lejos de la de la música metal. La catarsis apasionada y la crítica musical de la música grunge provinieron del punk, especialmente del pensamiento independiente de la música hardcore estadounidense a principios de los años 1980.
El primer grupo de bandas de grunge (Green River, Mudhoney, Soundgarden) eran musicalmente más pesados que el segundo grupo (representado por Nirvana). El segundo grupo de bandas era más melódico y tocaban la guitarra empleando stop-. Dinámica inicial (que puede ser un término de guitarra), este enfoque fácilmente identificable de tocar la guitarra distorsionada se convirtió en un modismo del género.
Después de que Nirvana entró con éxito en la corriente principal, la música grunge perdió su independencia original y se convirtió en el tipo de música Hard Rock más popular en la década de 1990.
Shoegazing
Shoegazing se refiere a un género de música independiente británica de finales de los 80 y principios de los 90. La razón por la que se llama shoegazing proviene del estilo inmóvil de estas bandas. estilo de actuación, cuando estas bandas actúan en el escenario, simplemente miran el suelo del escenario como si siempre estuvieran mirando sus zapatos. Shoegazing lleva este nombre.
Pero no creas que la autoadmiración sólo se define desde una perspectiva visual. La razón por la que representa un tipo de música es el sonido puro de esta música. Este tipo de música a menudo genera un ruido irresistible, acompañado de respuestas de guitarra bajas y monótonas a largo plazo, ondas sonoras distorsionadas y una serie de retroalimentación de guitarra en capas. Las voces y la melodía desaparecen en la pared de sonido de la guitarra, creando un impacto musical. donde no se pueden distinguir los timbres de varios instrumentos en absoluto.
La música de la mayoría de las bandas autoadmiradas se basa en la música de la banda MyBloodValentine. MyBloodValetine estableció el modelo musical básico de Shoegazing con su primer EP y su primer álbum "Isn'tAnything". ., Jesus & Mary Chain y Cocteau Twins también son influencias importantes en esta música.
Las bandas que siguieron más tarde, como las conocidas Ride, Lush, Chapterhouse y Boo Radleys, agregaron sus propias características al modelo musical inherente. Por ejemplo, Ride agregó elementos psicodélicos de la década de 1960, mientras que Lush combinó la música pop con la musical. elementos entre la música y el dream pop al estilo CocteauTwins (DreamPop).
Ninguna de las bandas autovaloradas era intérprete dinámica y no estaba interesada en entrevistas con los medios, lo que impidió a estas bandas británicas ingresar al importante mercado estadounidense. En 1992, después de que estas bandas dominaran los medios y las listas musicales británicas durante tres años, después de dos oleadas de grunge en Estados Unidos y de Britpop en este país, iniciadas por la banda Suede, las bandas autovaloradas ya no recibían atención del público, y algunas bandas (como Chapterhouse y Ride) se disolvieron a los pocos años, mientras que otras bandas (como Boo Radleys y Lush) han evolucionado con los tiempos y continúan hasta el día de hoy.
Lo-Fi
Durante el período comprendido entre finales de los 80 y principios de los 90, el término baja fidelidad (Lo-Fi) no era sólo una referencia a la calidad de grabación de un cierta descripción del álbum y en sí mismo representa un tipo de música.
En la historia del desarrollo de la música rock, en los primeros días, debido a los rudimentarios equipos de grabación, los discos se producían de forma rápida y económica sin garantía de calidad, por lo que, hasta cierto punto, estos primeros discos de rock. , como el garage rock de los años 60 y mucho punk rock de finales de los 70, pueden etiquetarse como de baja fidelidad (Lo-Fi).
Sin embargo, Lo-Fi empezó a utilizarse gradualmente para describir a los músicos (equipos) de indie rock underground que utilizaban grabadoras de cuatro pistas para grabar música en casa. La mayor parte de esta música procedía de la década de 1980. La música incluía bandas como R.E.M, pero también un montón de bandas británicas de post-punk como Chills and the Clean, y bandas de Nueva Zelanda.
A menudo, estas bandas de baja fidelidad (Lo-Fi) utilizan canciones simples de pop y rock o estructuras de canciones libres para lograr un ruido perfecto y un experimentalismo artístico en su música, incluso cuando el trabajo de la banda sigue siendo relativamente sencillo. pero la música suele ser muy diferente como resultado de las grabaciones distorsionadas y de baja calidad y las letras que tienden a ser abstractas y oscuras.
Originalmente, estas obras de baja fidelidad (Lo-Fi) sólo se comercializaban en forma de casetes caseros, pero esto cambió con la promoción de varios sellos musicales independientes, especialmente KRecords (dirigido por Calvin Johnson). La banda BeatHappening lanzó discos de vinilo de baja fidelidad, y varias bandas en la década de 1980 que también adoptaron este enfoque (como Pussy Galore, BeatHappening y RoyalTrux) ganaron un pequeño número de seguidores en el círculo de la música underground estadounidense. En 1992, bandas como Sebadoh y Pavement habían ganado un gran número de seguidores en Estados Unidos y el Reino Unido con sus ruidosos y caóticos discos. Unos años más tarde, Liz Phair y Beck "mejoraron" esta música y llevaron con éxito la estética de baja fidelidad (Lo-Fi) a la corriente principal.
Post-Rock/Experimental
En el movimiento de rock experimental que surgió en la década de 1990 y que estuvo profundamente influenciado por el rock instrumental electroacústico, el post-rock es sin duda el tipo de música dominante.
La música post-rock combina una gran cantidad de géneros experimentales: Krauft-Rock, Ambient, Rock Progresivo, spacerock, mathrock, tapemusic, música clásica minimalista, IDM británico, jazz (vanguardista y cool) y Dubreggae, en pocas palabras: la música es principalmente estructurado en música rock, pero no es música rock en esencia.
La experiencia musical que el post-rock brinda a los oyentes es completamente opuesta a la estimulación emocional de la música rock en el sentido tradicional. Su música es hipnótica y el sonido es bajo y monótono (especialmente visto en algunas guitarras). bandas) ), incluso la música relativamente brillante puede hacer que las personas se sientan tranquilas y despiertas. La razón de esto es que el post-rock fue originalmente una respuesta contra el rock, especialmente cuando la industria musical convencional asimiló la música alternativa. Muchas bandas de post-rock se establecieron bajo la misma conciencia: la música rock ha perdido su verdadero sentido de rebelión. y está luchando por salir de su propio agujero de viejos patrones y gestos vacíos. Entonces el post-rock rechaza todo lo relacionado con la música rock tradicional.
La música post-rock se centra más en el sonido puro y el timbre que en la melodía y la estructura de la canción. La mayoría de sus obras tienden a ser música instrumental. Incluso si hay voces en las obras, es solo como un todo. efecto musical. Una especie de accesorio.
La base de la música post-rock se estableció en 1991 con el lanzamiento de dos obras históricas completamente diferentes: "Laughing Stock" de la banda TalkTalk y "Spiderland" de la banda Slint. "LaughingStock" es el pináculo de la transformación de la banda TalkTalk desde la música pop sintetizada. Su música es una fusión emocional y exquisita de música ambiental (Ambient), jazz (Jazz) y música de cámara minimalista (Minimalist Chamber Music) y "Laughing Stock". La música de Spiderland está llena de ritmos reflexivos impulsados por el bajo, letras poéticas murmurantes, estructuras oscuras y cambios de volumen extremos. Estos dos trabajos influyeron en muchas bandas de post-rock posteriores.
El término post-rock fue acuñado por la crítica. El término PostRock fue utilizado originalmente por Simon Reynolds para describir los experimentos de música ambiental de BarkPsychosis influenciados por la banda TalkTalk. Como resultado, el término se ha aplicado a aquellas bandas que nunca han sido clasificadas, de bandas que se atreven a romper la tradición establecida (como. como GastrdelSol, CuldeSac, Main) hasta bandas como bandas de IndieRock como Stereolab, Laika y theSeaandCake (nota: esto no incluye a los imitadores de Slint). El post-rock fue reconocido públicamente después de que la banda Tortoise de Chicago lanzara su segundo álbum "Millions Now Living Will Never Die" en 1996. Este trabajo es quizás la fusión más extrema de varios elementos experimentales del post-rock. De esta manera, el post-rock proporcionó instantáneamente a los críticos una forma de distinguir varias bandas (artistas) y sus predecesores en este género. Posteriormente, el post-rock rápidamente se convirtió en primo de su indie rock contemporáneo (Indie Rock), concentrado en Thrill Jockey. , Kranky, DragCity y TooPure debajo de las etiquetas.
Irónicamente, a finales de la década de 1990, el post-rock había adquirido una reputación de ser homogéneo: algunos encontraban desagradable la falta de emoción de la música y otros sentían que el post-rock había perdido su fusión radical original. Se sabe que parte de la razón de esto es que muchas bandas de post-rock rara vez cambian sus ideas musicales originales.
Sin embargo, incluso en medio de esta regresión, una nueva ola de bandas (theDirtyThree, Rachel's, GodspeedYouBlackEmperor!, SigurRos) han ganado un mayor reconocimiento por sus sonidos únicos, lo que sugiere que el post-rock como género no ha llegado al final después de todo.
Neopsicodelia
La neopsicodelia incluye un gran número de bandas desde el final de la música punk hasta la actualidad, cuya música está influenciada por la música psicodélica de los años 1960. Ya sea que su música esté inspirada en el pop psicodélico como los Beatles y los primeros Pink Floyd, el rock de guitarra derivado de los Byrds o incluso experimentos acústicos distorsionados, estas bandas sin excepción utilizan los psicodélicos como forma de música como fuente de inspiración para crear sonidos inusuales.
Algunas bandas neopsicodélicas eran realmente expertas en drogas, mientras que otras simplemente las usaban como complemento lógico a sus letras extrañas y apariencias escandalosas. La nueva música psicodélica a veces irrumpe en el círculo de la música pop convencional, como las obras de Prince a mediados de los años 1980 y las obras de Lenny Kravitz en los años 1990. Pero la mayor parte del tiempo estas bandas neopsicodélicas actúan en círculos de rock alternativo e indie.
La nueva psicodelia apareció por primera vez en el movimiento post-punk británico a finales de los años 1970. Las principales bandas en aquella época eran Teardrop Explodes, Echo, Bunnymen y Soft Boys. Con la excepción de movimientos neopsicodélicos como Paisley Underground a principios de los 80 y el colectivo Elephant6 a finales de los 90, la mayoría de las bandas neopsicodélicas posteriores provinieron de áreas aisladas en lugar de surgir de movimientos musicales como el anterior. Entre las más famosas de estas bandas neopsicodélicas posteriores se encuentran: The Church, una banda australiana con música de ensueño; BevisFrond, dirigida por Nick Saloman, que combina la creación de poesía melódica con cantos en trío de alto volumen, una niebla discreta, somnolienta y venenosa; El nebuloso Space3; la extraña y extraña banda de College Rock Robyn Hitchcock; los totalmente extraños Mercury Rev y theFlaming Lips y la ecléctica banda de pop británico SuperFurryAnimals.
Noise-Rock
NoiseRock deriva del punk rock, especialmente de la música punk que utiliza sonidos vertiginosos de guitarra eléctrica para expresar la ansiedad y la vanidad de los jóvenes. NoiseRock, al igual que su predecesor "NoWave", tiene como objetivo hacer que la música sea más contundente y lograr un efecto satírico cómico o expresar una posición o declaración, y su música siempre apela a la energía sonora pura.
Aunque la mayoría de las bandas de NoiseRock se centran en el sonido trillador producido por la distorsión de la guitarra eléctrica (a veces estas bandas también utilizan algunos instrumentos electrónicos como instrumentos de percusión o para mejorar la disonancia musical general), todavía hay algunas bandas que pagan Más atención a la fusión del sonido y la estructura de la canción. Por ejemplo, la banda pionera Sonic Youth combina la rica melodía de la música con su sonido monótono y bajo, lo que sin duda lleva al NoiseRock a un mundo más amplio de oyentes de música alternativa.
Sonic Youth ha traído un grupo de imitadores, pero no toda la música de la banda es así. Por ejemplo, la música de TheSwan y BigBlack en los años 80 tiene una tendencia más oscura y espeluznante, mientras que la música. En ese momento, Touchamp Go se convirtió en el centro de este estilo de música a fines de la década de 1980 y en la década de 1990, Noise Rock generó algunos subgéneros dramáticos, a los que a menudo se hace referencia con términos como "scuzz-rock". de música que utiliza el ruido de la guitarra para crear un campo sonoro sucio, decadente y repugnante (como Royal Trux, Pussy Galore, the Dwarves y Butthole Surfers).
Emo
AmbientPop
IndieElectronic
SpaceRock
ChamberPop
Shibuya-Kei
Rock experimental
AmbientPop
AmbientPop se puede ver por su nombre que proviene de dos estilos musicales obviamente diferentes: cuando su música progresa hacia el pop tradicional Mientras se construye Además de una estructura musical, sus componentes electrónicos y su atmósfera muestran las cualidades hipnóticas y meditativas del Ambient. Aunque la música de AmbientPop rara vez es abrasiva, la influencia de las melodías de ritmo cerrado del Krautrock es obvia. Originalmente, AmbientPop era una extensión de la música DreamPop que apareció en el movimiento Shoegazer. Aunque los instrumentos continúan definiendo este sonido en su mayor parte, se diferencia claramente de sus predecesores porque absorbe las técnicas de la música electrónica actual, incluido el muestreo.
SpaceRock
El término SpaceRock se remonta a la década de 1970, cuando se usaba para describir bandas como Pink Floyd y Hawkwind que tenían el sabor de los viajes espaciales. Hoy, sin embargo, SpaceRock se refiere a una nueva generación de bandas alternativas/indie que extraen señales musicales del rock psicodélico, la música ambiental (ambiental) y, a menudo, están influenciadas por la música experimental y de vanguardia.
Space Rock es casi siempre lento, hipnótico y poco realista; le gustan especialmente las aventuras sonoras largas y perturbadoras en estructuras de canciones tradicionales; sus voces a veces parecen como si fueran texturas instrumentales brillantes de apego.
Algunas bandas de Space Rock utilizan drogas como inspiración para aportar un estilo embriagador a esta música: sonidos de guitarra fuertemente reverberados, percusión minimalista y voces apáticas de leve. El predecesor más obvio del SpaceRock es el Prog-Rock, pero en su desarrollo posterior también se inspiró en el Krautrock, la simplicidad clásica y el NoisePop estilo The Jesus & Mary Chain.
La primera banda original de SpaceRock fue el grupo minimalista de tono extremadamente bajo Spacemen3 en el Reino Unido. Su infame credo "TakingDrugsToMakeMusicToTakeDrugsTo" influyó en la mayoría de las bandas que le siguieron. Algunas de las bandas que participaron en el movimiento shoegazer en el Reino Unido estaban relacionadas con el Spaced Rock, especialmente los primeros trabajos de The Verve, y la mayoría de los grupos experimentales (como MyBloodyValentine) influyeron en el resurgimiento del Space Rock.
En 1991, Spacemen3 se dividió en dos grupos: Spectrum y Spiritualized. Este último se desvió de la dirección musical de la banda original y enriqueció el sonido Space Rock con arreglos lujosos, íntimos y orquestales, convirtiendo a Spiritualized en el grupo más popular. este estilo de música. La mayoría de los siguientes artistas o grupos de SpaceRock son minimalistas o, por el contrario, ocasionalmente mezclados con elementos musicales post-rock (Flying Saucer Attack, Godspeed You Black Emperor!) e IndiePop (Quickspace).
ChamberPop
El auge del ChamberPop fue en gran medida una respuesta al dominio de la estética lo-fi en la comunidad de música alternativa de la década de 1990, que incluía a Brian Wilson, Burt Bacharach y Lee Hazlewood. Extraer nutrientes de las lujosas obras orquestales. ChamberPop está parcialmente inspirado en la música de estilo libre, pero completamente libre de ironía y vulgaridad. Le da a la música un nuevo enfoque en la melodía y la producción, como capas musicales barrocas, hermosas canciones con ricas texturas de orquestación y vientos. ChamberPop siempre ha negado efectivamente la existencia del grunge, la electrónica y otros movimientos musicales contemporáneos.
Shibuya-Kei
Shibuya-Kei es el nombre que recibe el fenómeno de la música pop japonesa que estalló en el moderno distrito comercial de Shibuya, en el oeste de Tokio, del que se puede decir que es Home a algunas de las tiendas de discos y de ropa más elegantes y mejor surtidas del mundo.
Si tomamos Shibuya-kei literalmente, entonces el estilo Shibuya se refiere a aquellos artistas de música pop con ideas afines que surgieron de la cultura de consumo. Todos estos jóvenes japoneses están influenciados por la música pop occidental. De un eclecticismo constante y sorprendente, el resultado es una colisión sin precedentes de imágenes y sonidos, con la música del grupo líder Pizzicato5 encarnando la transición de la música extravagante de Burt Bacharach al hip-hop urbano. El ritmo dinámico tiene un impacto completamente diferente. Si miras el exterior de esta música, Shibuya-Kei es una música pop occidental de primera clase refractada desde el espejo de la sociedad oriental moderna. Su música contiene muchas técnicas de cortar y pegar, y utiliza técnicas nuevas y emocionantes. crear obras completamente nuevas.
Shibuya-Kei es también un tipo muy lindo de música pop: su perspectiva musical es a menudo la dulzura de la vida y la naturaleza sencilla a la que los grupos de chicas nunca han dejado de prestar atención, y esta perspectiva continúa evolucionando con el veces, pero nunca rompe con su propia realidad.
Los complejos elementos sexuales que impregnan e impregnan la cultura japonesa también han inspirado gran parte de esta música, y la inocencia juvenil en la música siempre ha sido un factor clave en su cariño.
Rock experimental
El rock experimental, como su nombre indica, es un tipo de música que puede avanzar en la música y está muy lejos de la música pop tradicional del pasado. muchas características, la más típica de las cuales es el rock experimental, que se opone directamente al arreglo musical estándar "solo-estribillo-solo" (verso-estribillo-verso). Dado que el propósito del rock experimental es dar rienda suelta a la inspiración y la innovación, no existen dogmas estrictos en él, pero aún así tiene algunas características únicas: actuaciones de improvisación, la influencia de la música de vanguardia y el uso de varios instrumentos. en la música, letras oscuras (o ninguna letra), estructuras compositivas y ritmos extraños y un rechazo subyacente a las tendencias comerciales.