Tu opinión sobre la animación tradicional y la animación por ordenador es de 100 puntos.
En la historia de la pintura china, los artistas siempre han tenido la tradición de dar vida a pinturas estáticas. Por ejemplo, "Six Rhythms" aboga por transmitir el espíritu y el encanto, y los personajes de "Fairy in Painting" de Liaozhai salen del pergamino y pasan junto a la gente, pero en general, la imaginación compensa la operación real. El toque final que realmente hace que los retratos del mapa cobren vida se fue desarrollando paso a paso en el mundo occidental.
En el siglo XIX las lámparas mágicas eran muy populares en Europa y Estados Unidos. Los espectáculos de linterna mágica siguen siendo el programa de entretenimiento favorito en salas de conciertos, teatros de variedades y espectáculos de variedades. Como a la gente le gusta mirar, debemos hacerlo más entretenido, como panoramas, imágenes tridimensionales, cuadros grandes con fuertes impresiones y mejorar el efecto de luces y sombras. Esta forma de contar historias es como los títeres de sombras chinos, y su rica diversión siempre atrae la atención de la vista.
El espectáculo de marionetas de sombras inventado en la dinastía Tang de China es una especie de espectáculo de marionetas de sombras con una fuente de luz iluminada detrás de escena. Aunque es diferente del método y la tecnología de proyectar luz desde el frente de la cortina inventada en la serie de diapositivas, refleja la misma obsesión por manipular la luz y las sombras en diferentes países de Oriente y Occidente. Los títeres de sombras se introdujeron en Europa en el siglo XVII y alguna vez fueron populares entre muchos públicos. La claridad y el detalle de sus imágenes no son menores que los de las mágicas diapositivas de la misma época.
Antes de seguir explicando la relación entre las presentaciones de diapositivas y el desarrollo de la animación, debemos mencionar un breve libro sobre la estructura del globo ocular, Sobre la persistencia de la visión en objetos en movimiento, publicado en 1824 por Peter Roget. El libro plantea el siguiente punto: después de que el estímulo de la imagen se revela por primera vez, puede permanecer en la retina durante un período de tiempo. De esta manera, cuando se presentan varios estímulos individuales en una sucesión bastante rápida, las señales de estímulo en la retina se superponen y la imagen se vuelve continua.
En 1888 nació en el laboratorio de Thomas Edison un instrumento de grabación continua de imágenes. Originalmente, Edison sólo quería proporcionar imágenes para su recién inventado fonógrafo, pero en lugar de utilizar una proyección, primero procesó las imágenes en una tarjeta y luego las proyectó en una "maravillosa lente". Se puede decir que las tomas maravillosas son un "libro giratorio" mecánico. Edison utilizó un conjunto de joysticks manuales y ejes mecánicos para impulsar el álbum, extendiendo la longitud de la imagen o imagen y produciendo un rico efecto visual.
En 1895, los hermanos Lumière proyectaron películas en público por primera vez, permitiendo a un grupo de personas ver al mismo tiempo un conjunto de imágenes prefilmadas. La "cinematografía" inventada por los hermanos Lumière proyectó películas famosas como "El tren llega a la estación" y "El baño de mar", llevando el cine a una nueva era.
Lo que hay que aclarar aquí es que si bien el desarrollo de la animación y el cine tiene cierta intersección en tecnología y maquinaria, ambos se exponen a través de negativos y generalmente se proyectan en la pantalla, pero la estética de la animación es en realidad los mismos que los del cine. Diferentes, incluso más radicales.
Ya en 1882, Emile Reynolds, quien inventó el "espejo práctico", comenzó a dibujar a mano escenas de historias. Al principio se dibujaban sobre tiras de papel y luego sobre película de celuloide. Inauguró el "Teatro Óptico" en el Museo de Cera de París en 1892 y causó un gran revuelo al proyectar "películas" en vivo con música y efectos de sonido. Aunque su atractivo como "teatro óptico" disminuyó después de la invención de la película en 1895, se puede decir que Emile Reynolds es el creador de la animación en términos de la tecnología de pintar directamente sobre la película sin pasar por una cámara de película. Aunque todas sus películas ahora están perdidas y su estatus histórico es controvertido, tiene una fuerte técnica experimental de "animación directa" para las generaciones futuras.
De hecho, la creación de animación, conceptualmente, se basa tanto en el exquisito arte de la pintura pura como en las caricaturas de la cultura popular. Esta característica bipolar del espíritu de vanguardia y la cultura vulgar siempre ha sido el atractivo de la animación.
Después del Renacimiento en el siglo XVI, la pintura pasó gradualmente del elevado y grandioso mundo de los dioses medievales al mundo de la vida de la gente corriente. En el siglo XVII, los pintores holandeses utilizaron la exageración de los dibujos animados para escribir bocetos por primera vez en la historia de la pintura. En la década de 1830, después de la invención de la fotografía por Dagoure y Nice-Fourniepse, toda la tendencia de la pintura cambió dramáticamente. Por un lado, el realismo de la pintura se vio obligado a renunciar a la precisión de los registros fotográficos y, con los rápidos cambios en la sociedad, aparecieron caricaturas simples y complejas, que pueden representarse en las pinturas de Daumier. Por otro lado, reaccionó a la descripción precisa de la fotografía y al auge de la tendencia de perseguir las características de la pintura, que condujo al Impresionismo y al Modernismo posteriores.
El pintor holandés del siglo XVII Daumier creó un "drama popular" que registraba sus impresiones infantiles de perder el tiempo en el teatro y esbozaba brevemente las "acciones" de los actores de teatro. Esta práctica de agregar "acción" a las naturalezas muertas influyó naturalmente en las animaciones de bocetos posteriores.
Con la actualización de la tecnología fotográfica, todo el arte de finales del siglo XIX se volvió aún más frenético en su búsqueda de descomponer los movimientos y expresar la sensación de movimiento general.
Además, la animación original a menudo se considera un arte experimental de vanguardia. El pintor finlandés L. Survage, el sueco Eggeling y el alemán Hans Richler utilizaron la animación para perseguir sus objetivos en la década de 1920. forma de arte. Figuras arquitectónicas geométricas aparecen repetidamente en las pinturas en pergamino de Richter, cambiando ángulos y tamaños a diferentes ritmos, lo que permite a los espectadores simular la experiencia de ver arquitectura. El espíritu de toda la obra es reproducir el proceso de "acción" de cambios geométricos, profundamente influenciado por el cubismo y el constructivismo. Muchas de sus caricaturas se convirtieron en una referencia para muchos artistas de vanguardia que estaban fascinados por las combinaciones gráficas y las relaciones subconscientes.
Introdujo la relación entre los toboganes mágicos, los pequeños juguetes, el disparo continuo, la pintura, la fotografía y el arte de vanguardia, para luego regresar al desarrollo de la animación. A juzgar por la descripción anterior, antes de la invención de la cámara de cine, el prototipo de animación ya era muy específico. Sin embargo, en comparación con el nacimiento oficial del cine en 1895, las películas animadas se retrasaron casi diez años, lo que probablemente esté relacionado con la economía. consideraciones. La aparición de los cortometrajes de animación está detrás de las "películas de acrobacias" en la historia del cine. Esto se remonta a los hermanos Lumière, tan famosos como Melli. La película de fantasía "A la Luna" creada por Méliére en 1902 se basó en los antecedentes y la experiencia de un mago. Fue una obra que utilizó técnicas y trucos cinematográficos al extremo de aquella época. Hace pleno uso de la sobreimpresión y la sustitución de stop-motion en sus obras, lo que es sólo ligeramente diferente de la "fotografía stop-motion/single frame". Sin embargo, esta técnica sólo se independizó cuando Plumes, Stewart y Black se incorporaron a la industria cinematográfica.
Stuart Bracton nació en Inglaterra en 1875. Cuando era niño, su familia emigró al Nuevo Mundo. Le apasionaba la actuación cuando era joven. Formó una sociedad de actuación con Ronald Reed y Albert Smith y realizó giras en espectáculos de vodevil y magia. Entre ellos, Blake es el responsable de realizar el espectáculo de tiza y también es intérprete. En abril de 1896, el Evening World de Nueva York lo envió a visitar a Edison y le pidió que trajera un boceto al carboncillo del gran inventor. Después de trabajar allí, Edison correspondió haciendo un cortometraje de los bocetos de Blackton y dándole el título "Blackton, dibujante del Evening News".
La película de un minuto de duración, dirigida principalmente a caricaturistas en activo, se ha proyectado en salas de conciertos y teatros. Blake estaba originalmente interesado en películas que capturaran la acción de la vida, y esta película que mostraba el proceso de pintar llamó su atención. Entonces invité a Yabo E. Smith a formar "Vitagraph", que más tarde se convirtió en el predecesor de Warner. Cuando Estados Unidos y España entraron en guerra en 1899, los cines se apresuraron a mostrar noticieros sobre la guerra. Blackton y Smith colaboraron en la producción inicial de algunas de las primeras películas animadas stop-motion, utilizando polvo de shisha y recortes de cuerdas como accesorios en movimiento. Aunque las partículas de la película son rugosas, nadie duda de que se trata de noticiarios.
A principios del siglo XX, Blake entró a trabajar en el laboratorio de Edison. Dibujó el cigarro y la botella con tiza y produjo esta encantadora pintura llamada Stunt Film, que fue el tema de los bocetos del propio artista. En 1906 hizo una "cara divertida de cara humorística" en la pizarra. The Chalk Show es reconocida como la primera película animada del mundo. Comienza con una demostración del talento del artista, seguida de imágenes en movimiento, utilizando la técnica del "cropping". Posteriormente, realizó varios otros cortometrajes, entre ellos "The Haunted Hotel", estrenado en 1907. No solo utilizó plegado, exposición repetida y técnicas que eran populares en ese momento, sino que también aplicó tecnología de animación a la película, lo que causó sensación. Pero luego centró la mayor parte de su energía en el negocio de Vita y no tuvo tiempo para promover completamente la animación, por lo que nadie lo reconoció hasta su muerte.
A finales de 1906, el francés Emile Cole comenzó a rodar la primera serie de películas de animación, "Fantasia". La serie de imágenes cambiantes de "Phantom Man" irradia un encanto único. Aunque su técnica es demasiado simple y tosca, especialmente en comparación con la posterior Winsor McKay, no es fácil.
En sus primeros años, Cole estudió con el caricaturista político Andre Gill. Influenciado por su color libre e inspirado por sus amigos en el mundo de la pintura, Cole desarrolló las características de una estética "incoherente" académica, antirracional y anticlase media. Más tarde, Cole comenzó a trabajar en el Gaumont Film Studio en Francia, donde además de escribir, produjo "Phantoms" dibujado a mano. En 1912, Cole fue invitado a Estados Unidos, se unió a la compañía "Elair" y comenzó otra etapa en la creación de animación. Según el acuerdo de la empresa, produjo dibujos animados de George McManus, un conocido dibujante popular en ese momento. De 1908 a 1921, Cole completó aproximadamente 250 cortos animados. Sus animaciones no se centran en la historia y la trama, sino que tienden a utilizar el lenguaje visual para desarrollar posibilidades de animación, como "morphing" y efectos de transición entre imágenes. Su filosofía creativa conduce la animación al libre desarrollo de las imágenes y a la creación personal. Además, fue uno de los primeros en combinar animación y acción real con fotografía mate, por lo que se le conoce como el padre de la animación contemporánea.
Otro gran animador temprano fue Winsor McCay. McKay no inventó la animación, pero fue el primero en notar su potencial artístico. Nació en Michigan, Estados Unidos, en 1867. En sus primeros años pintó carteles para circos y grupos de teatro popular.
Posteriormente trabajó como reportero e ilustrador para un periódico y se convirtió en un conocido columnista de cómics. Su obra más famosa, "El pequeño Nemo de Slumberland", se publicó por primera vez en 1905. La exquisita observación de la vida, la expresión humorística, la rica imaginación y la magnífica disposición espacial establecieron el estilo especial de sus obras. La razón por la que se metió en la animación ocurrió por accidente. Su hijo recortó las tiras cómicas que se publicaban por entregas todos los domingos y las convirtió en libros ilustrados. Este juego lo inspiró. Debe haber visto antes los cortos animados de Blake Don y Cole. En 1911, McKay produjo su primera película animada. El contenido está tomado de las divertidas acciones de los personajes del cómic "Pequeño Nemo" y las cosas extrañas que vivió. Él mismo lo coloreó y la animación se volvió colorida desde entonces. Además, McKay es mejor creando líneas tridimensionales y suaves en animación plana, y el público incluso pensó que se refería a la película con acción en vivo. Posteriormente, McKay completó "A Maskedo Story", que no solo mostraba las acciones de los personajes, sino que también tenía la estructura de la historia.
Como película semilla en la historia de la animación, se dibujan más de 5.000 imágenes con tinta y papel de arroz. El fondo de cada cuadro se vuelve a dibujar, la sensación general es suave y la conversión de tiempo es precisa, lo que lo muestra. El estilo único de McKay. Perspectiva extraordinaria.
McKay no sólo es un intérprete sino que también tiene un sólido conocimiento del efecto dramático. Después de crear "Gertie the Dinosaur", pasó a filmar "El hundimiento del Lusitania", el primer documental animado de la historia del cine. Presentó noticias trágicas en el escenario uno por uno, especialmente la escena de miles de personas hundiéndose en el mar y desapareciendo en las olas, lo que conmocionó al público. Para recrear la escena de aquella época, dibujó cerca de 25.000 bocetos, lo que supuso un trabajo pionero en su momento.
En resumen, no se pueden ignorar los esfuerzos de McKay por desarrollar modelos de múltiples personajes, combinar la estructura de la historia con el interés popular e insinuar el estilo estético tridimensional de la imagen. la primera persona en desarrollar el concepto de animación completa. Con la profesionalidad de un dibujante, abrió un camino para la animación y también vaticinó la llegada de una era del cómic americano.
Por esta época, el desarrollo de la animación americana y europea comenzó a divergir.
En Estados Unidos, debido al éxito de Blackton y Winsor McKay, poco a poco fueron apareciendo fábricas de animación como personajes de dibujos animados. En 1913 se fundó la primera empresa de animación en Nueva York y Raoul Barr desarrolló el primer sistema de dibujo fijo para sus chinchetas de dibujos animados. J.R. Bly hizo lo mismo, adaptando los cómics de Teddy Rothwell y produciendo una serie de aventuras del "Coronel Xiza Crook". Muchos de los primeros dibujos animados se adaptaron a la pantalla a partir de dibujos animados populares, como Matt, Jeff y Crazy Cat, que originalmente eran los personajes favoritos del público, pero ahora se mueven como personas reales, lo que aumenta su encanto.
En 1915, Irheid descubrió la película de celuloide, que sustituyó al anterior papel de animación. En lugar de volver a dibujar el fondo de cada cuadrícula, el artista pintó los personajes individualmente en la celda, cubriendo el fondo con la parte inferior, estableciendo así el método básico de filmación de la animación.
Este año, Max Fleischer, que trabaja en Barrie, inventó el "Rotoscopio", que puede transferir la acción de películas de acción real al celuloide o al papel con gran detalle. Creó "El tintero" y "Koko el payaso" de 1916 a 1929, donde demostró su talento con el trazador y la animación.
En 1919, Cats hizo su debut en La danza de los gatos, una película concebida por Otto Messmer de Pat Sullivan. El gato Phillip se hizo tan popular como los personajes posteriores de Disney, especialmente entre el público intelectual.
Las películas del Gato Felipe contienen mucho interés visual que expresa el carácter de la animación. Mesmer siguió el enfoque de McKay al crear a Gertie, dándole al gato Philip una personalidad única y un estilo de acción irrepetible, y diseñó varias expresiones y posturas, haciendo que el gato Philip se destacara entre muchos personajes animados y se convirtiera en el más popular en los Estados Unidos durante diez años consecutivos. años. Popular estrella de dibujos animados. El gato Felipe también fue el primer personaje de dibujos animados que se convirtió en un producto comercial. También se han establecido juguetes de Feli the Cat, discos de Feli the Cat, calcomanías de Feli the Cat, una deslumbrante variedad de productos, un nuevo mercado para niños y un modelo creativo de venta de películas.
Durante este período, se puede decir que la animación de dibujos animados estuvo llena de talentos y aparecieron muchos nombres famosos, como Max y Dave Fleischer, Paul Terry, Walter Lantz y otros. Los personajes animados creados en las décadas de 1920 y 1930, como Poppy y Woody Peck, siguen siendo populares en la actualidad.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la animación de dibujos animados estadounidense no sólo se convirtió en la industria favorita de los artistas jóvenes, sino también en la forma de entretenimiento más popular. Bajo el cuidado diseño y decoración del pintor original, Betty Boop se convirtió en un símbolo sexual a los ojos del público en 1932, tan poderoso como una superestrella de Hollywood.
Durante este período, la situación de los animadores europeos era completamente diferente a la de Estados Unidos. Excepto por actividades esporádicas ocasionales, rara vez se ha convertido en un modelo de industria de la animación como Estados Unidos. Sin embargo, los dibujos animados importados de Estados Unidos a Europa eclipsan a los dibujos animados locales y el costo es relativamente alto.
Victor Bergdah, un animador escandinavo, rodó en 1915 una película de animación de 9 minutos, Trolldrycken, que trata sobre los efectos del alcohol.
La película tuvo buenas críticas y un éxito de taquilla, pero la locura que provocó sólo duró unos años en Suecia. En 1920, las cosas se fueron enfriando gradualmente.
Si bien los cambios sociales en Rusia estimularon la entrada de películas de acción real en la corriente principal del cine, el mismo entorno no benefició a la animación de dibujos animados. Además, la industria cinematográfica rusa no empezó a despegar hasta mediados de la década de 1920, con la aparición de algunos animadores y obras destacadas. Incluye a Alexander Bushkin, Alexander Ivanov, las hermanas Blumberg e Ivanov-Vano. Después de que las hermanas Brampage terminaron de filmar "Los chinos en llamas" en 1925, insistieron en escribir una cada año, y esta situación continúa hasta el día de hoy. Los animadores rusos descubrieron rápidamente que el rico patrimonio cultural de su país, incluidas fábulas, mitos y títeres tradicionales, era un material creativo valioso, especialmente para el entretenimiento infantil.
En la Europa de la posguerra de la década de 1920, estaban surgiendo varias tendencias ideológicas. A los creadores de cine les preocupa cómo reinventar la forma del cine. Buscaban introducir nuevos conceptos estéticos en lugar de avances tecnológicos. El torbellino de los movimientos de arte abstracto, la separación de películas realistas e impresionistas, el desarrollo de la teoría del montaje, la aplicación de superposiciones y mezclas y el impulso hacia una composición desequilibrada tuvieron un enorme impacto en las artes visuales, incluida la producción de películas animadas.
Este movimiento también estuvo influenciado por las ideas de la escuela de diseño Bauhaus, y su objetivo principal era cambiar y unificar las reglas de las artes, incluyendo el diseño, la arquitectura, el teatro y el cine. Bajo este movimiento se produjo animación de vanguardia abstracta, no representativa. Los pioneros de este movimiento, incluido el pintor finlandés L. Survage, el pintor sueco Viking Eglin, el pintor alemán Oscar Fischinger, Hans Richter y Walter Ruttman, fueron todos pintores que utilizaron la animación para desarrollar su forma de arte. Por ejemplo, en las animaciones de Richter, las figuras arquitectónicas geométricas cambian repetidamente de ángulos y tamaños con diferentes ritmos, y el espectador se sumerge en la lógica, la belleza y la continuidad de su desarrollo, como si estuviera experimentando la experiencia de ver arquitectura.
La invención del sonido sincronizado marcó una diferencia significativa en el desarrollo de la animación en Europa y Estados Unidos. En los Estados Unidos, las voces se utilizan principalmente para realzar las características y la personalidad de un personaje. En Europa, el sonido se utiliza como materia prima para experimentos y se explora al extremo la relación entre la música, las imágenes de acción y los efectos de sonido en las películas. Por ejemplo, los patrones dinámicos abstractos de Oskar Fischinger sobre el tema de las "Danzas húngaras" (1931) están sincronizados con elementos específicos de la música.
Mientras la animación europea se desarrollaba en una dirección vanguardista, en Estados Unidos surgía un movimiento completamente diferente. Desde los primeros experimentos de animación en la creación de personajes y técnicas hasta la llamada "Edad de Oro de los dibujos animados estadounidenses".
La característica más significativa de la década de 1930 fue la liberación de la pretensión de la cultura y el conocimiento. Todos los objetivos eran la búsqueda de la felicidad y el desarrollo de talentos personales en la expresión visual.
Sin duda, la factoría de animación más famosa de este periodo fueron los Estudios Walt Disney. El ascenso de Disney Studios como centro de animación de dibujos animados de renombre internacional también significó que pronto se convertiría en la cuna de muchos jóvenes artistas potenciales del futuro.
En esta época, el nombre de Walt Disney y los personajes de dibujos animados que creaba, especialmente Mickey Mouse, eran casi sinónimo de entretenimiento familiar, convirtiéndose en un nombre muy conocido y de fácil acceso. Por supuesto, todo esto es gracias al libro Animation Media.
En este momento, la animación se ha convertido en una profesión especializada. Con el desarrollo de la ciencia y la tecnología actual, se ha vuelto cada vez más dinámica y de mayor alcance. Los animadores pueden ser poco atractivos o incluso tímidos e introvertidos. Una vez que toman un bolígrafo, se convierten en dioses de la creación. Usan su imaginación para representar personajes y escenas maravillosas, y la esencia del arte de la animación a menudo reside en la hábil manipulación de los personajes de la obra.
La leyenda de estos animadores es Tex Avery. Inicialmente escribió cuentos y chistes para Walter Lanz a principios de los años 1930. Posteriormente se unió a Warner Bros. como director y director de animación, creando personajes animados como Peppa Pig, el Pato Lucas y Bonnie Rabbit. Su animación sabe explotar lo absurdo del humor y crear efectos visuales especiales. Consigue dar a sus personajes movimientos exagerados e intenta audazmente superar sus límites. A mediados de la década de 1950, estaba más dispuesto a ampliar y dar forma a los personajes para que sus movimientos fueran más allá de la órbita normal, transformando con éxito la cara de la animación. Especialmente sus chistes locos y su ritmo rápido mantienen al público siempre nervioso. Sus temas están relacionados principalmente con la supervivencia, la sociedad, el estatus y el sexo.
Los productos de Disney prestan más atención a la expresión tridimensional y a las líneas realistas, mientras que UPA prefiere diseños de líneas sencillas, estilizadas y populares. Los mejores ejemplos son los cuentos de hadas románticos "La hermandad del hombre" y "El verdugo", que Disney favoreció a favor de la crítica social y política. Debido a la falta de fondos, no podían afrontar los llamativos gastos de Disney. Solo pueden crear en forma de "animación limitada", dibujar con menos imágenes, fortalecer acciones clave e impulsar la trama con una narración sólida y un diseño de sonido potente.
Además de los programas matutinos de televisión y dibujos animados habituales los fines de semana, en este punto de inflexión, la animación también se está moviendo hacia los efectos especiales en películas de ciencia ficción y fantasía, como "Una odisea en el espacio", "Star Wars", y "El Imperio Contraataca".
A medida que el costo de producción de las películas de acción real aumenta cada vez más, la animación se vuelve cada vez más ventajosa en el costo de producción, especialmente los comerciales de televisión y los programas especiales.
Además, nuevos estudios en todo el mundo, desde comerciales hasta películas teatrales, están combinando computadoras y equipos de animación tradicionales para hacerlos más sofisticados. A medida que la audiencia continúa creciendo de manera constante, creo que el futuro de la animación es ilimitado y se puede esperar la próxima "edad de oro" de la animación.