¿Qué es el constructivismo?
1. Definición
Constructivismo (constructivo):
También conocido como estructuralismo; los ismos desarrollados entre 1913 y 1920 son esculturas compuestas por fragmentos de metal, vidrio, madera, cartón o plástico. Enfatiza el movimiento en el espacio en lugar de la sensación de volumen enfatizada por la escultura tradicional. El constructivismo abrazó las técnicas de encuadre y relieve del cubismo, desde adiciones y restas de esculturas tradicionales hasta combinaciones compositivas. Al mismo tiempo, también absorbió el concepto de abstracción geométrica del absolutismo e incluso lo aplicó a objetos colgantes y estructuras en relieve, que tuvieron una influencia decisiva en la escultura moderna.
2. Antecedentes y contenido del constructivismo
El constructivismo es un movimiento artístico que surgió en Rusia. Comenzó después de la Revolución Rusa de 1917, de inspiración marxista, y duró aproximadamente hasta 1922 (G.Julier, 1993:56). Para los artistas rusos radicales, la Revolución de Octubre marcó el comienzo de un nuevo orden basado en la industrialización, que supuso el fin del antiguo orden. Esta revolución fue considerada una gran victoria para el proletariado ruso. Después de la revolución, el ambiente general proporcionó al constructivismo, que creía en el concepto de revolución y progreso cultural, oportunidades para practicar en los campos del arte, la arquitectura y el diseño.
La importancia del constructivismo para el diseño industrial es que su propósito es transformar a los artistas en "diseñadores". Pero esto es lo que podemos entender ahora. De hecho, el concepto de "diseño" aún no se había formado en ese momento, y el significado del llamado diseño no ha surgido completamente hoy, por lo que adoptaron un término diferente: "hacer arte".
Los constructivistas rusos adoptaron una postura antiarte y evitaron los materiales artísticos tradicionales como óleos, pinturas, lienzos e imágenes prerrevolucionarias. Por tanto, las obras de arte pueden proceder de objetos encontrados como madera, metal, fotografías o papel. El trabajo del artista a menudo se considera una simplificación o abstracción sistemática. En todos los ámbitos de la actividad cultural, desde el diseño gráfico hasta el cine y el teatro, su objetivo es construir una nueva realidad combinando diferentes elementos.
Aunque todos los artistas rusos de vanguardia compartían el mismo entusiasmo, tenían diferentes puntos de vista sobre el papel de los artistas y el arte en la nueva sociedad comunista. En los primeros años posrevolucionarios, sus acalorados debates inspiraron diferentes ideologías constructivistas.
Por un lado, Malvay, Kandinsky y Pevsner eran "puristas". Creen que el arte es fundamentalmente una actividad espiritual cuyo trabajo es organizar la percepción de las personas sobre el mundo. Malvern, en particular, afirmó que el diseño industrial dependía inevitablemente de la creación abstracta. Y es una actividad de segunda mano (reciclaje), que se basa en la investigación sobre los entornos contemporáneos y los idealiza. Para los marxistas, esta propuesta conduce a una desconexión con la realidad social ya que estos artistas no comparten la perspectiva productista.
A diferencia de los "puristas", Tatlin y el ardiente comunista Roschenko insistieron en que el artista debe convertirse en un hábil artesano y que debe aprender a utilizar las herramientas y materiales producidos por la industria moderna para proporcionarle entusiasmo. y capacidad, y servir directamente a los mejores intereses del proletariado. Estos "artistas/ingenieros" deben traer armonía a la vida misma, convirtiendo el trabajo en arte y el arte en trabajo. El argumento aquí se ha convertido en la corriente principal del constructivismo.
3. La motivación política y el estilo del constructivismo
La teoría marxista del arte y la cultura determina el contenido del constructivismo. Estos discursos giran en torno a motivaciones y estilos políticos.
Los constitucionalistas creen que todos los artistas deben "entrar en la fábrica, donde hay vida real". El arte servirá también para la construcción de una nueva sociedad.
Por lo tanto, el concepto tradicional de que el arte proporciona una experiencia placentera debe ser reemplazado por la producción en masa y la industria, que son inseparables de la nueva sociedad y el nuevo orden político. Estas claras motivaciones políticas llevaron a la práctica de la teoría marxista. Por ejemplo, Tatlin inventa y construye diferentes diseños para un determinado tipo de horno de calefacción para producir la máxima producción de calor con un mínimo consumo de combustible. Las estufas calientes eran un bien muy común entre los pobres en ese momento, y algunos incluso trasladaron los muebles para usarlos como combustible. Otra exposición de la ideología marxista en el diseño fue el Club de Trabajadores de Luo, mostrada en 1925 en el Pabellón Ruso de la Exposición Internacional de Artes e Industrias de París. Fue uno de los primeros intentos de diseño ambiental interior constructivista. El concepto de clubes de trabajadores surgió en la década de 1920. Como centro del estilo de vida comunista, debía proporcionar espacio no sólo para actividades políticas sino también para entretenimiento y ocio. Si es posible, el club debe mostrar cómo será la nueva vida. Según la filosofía ideológica de Luo, el club debería ser una demostración práctica de los principios del diseño constructivista.
Todos los principios de planificación del diseño de clubes y del diseño de muebles tienen consideraciones económicas: maximizar el uso de los pisos y el espacio, lo que implica cómo hacer que los muebles de madera sean fáciles de usar, estandarizados en producción, flexibles y fáciles de expandir. En la práctica, muchas secciones plegables están diseñadas para facilitar su desmontaje y almacenamiento cuando no están en uso. Como púlpitos, biombos, tableros de exposición, bancos, etc. Para dar cabida a las diversas actividades y actividades del club, el club ha instalado mesas y sillas, estanterías, espacio para guardar documentos contemporáneos, escaparates para carteles, mapas y periódicos, el "Rincón de Lenin", etc. Para conversaciones, reuniones y presentaciones, se diseñan foros de oradores y pantallas activas para películas y presentaciones de diapositivas.
En cuanto al estilo, EL Lissitzky denunció el diseño burgués de productos producidos en masa: el diseño en aquella época sólo abarcaba productos con formas clásicas, góticas o rococó. Señaló que los artistas no necesitan la llamada estética externa y popularidad artística, sino una comprensión profunda del estilo (C. Lodor, 1983: 155 ~ 157). Al examinar una variedad de materiales, llegó a la siguiente conclusión sobre su estilo básico: es honesto y carente de detalles. Presta atención al conjunto y sé preciso. No proviene de la forma de incompetencia o de la fantasía ficticia, sino de la riqueza de la sencillez. Puede ser geométrico, ya sea en su conjunto o en detalle, formado por círculos y líneas rectas. Está hecho a mano con la ayuda de máquinas modernas y está industrializado.
Con base en las características anteriores, se extraen las siguientes conclusiones: El diseño de mobiliario incluye la expresión de la estructura y el volumen, y la combinación del volumen y el contorno del espacio, la escala, la proporción, el módulo y el ritmo. Bajo la prueba del arte, la naturaleza de los materiales y el color de los materiales, la esencia última de estos elementos todavía reside en: la función. De esta manera, los diseñadores podían crear productos que transmitieran la vida en la nueva Unión Soviética.
El mejor ejemplo de la plena implementación de este principio de diseño es el diseño del mobiliario del Luo Workers Club. Sus muebles se componen de líneas rectas en ángulo recto en estricta geometría euclidiana, y es honesto en el uso de los materiales. Marco abierto: reduce significativamente el peso y facilita el plegado. Los muebles estaban hechos de madera y tenían una forma simple, por lo que podían producirse en pequeñas fábricas de baja tecnología en toda la Unión Soviética sin la necesidad de costosas líneas de producción. Estas consideraciones reflejan: replanteamiento estructural, estricta atención a la economía del uso de materiales, consideraciones funcionales en el uso y la producción, y un diseño inteligente que ahorra espacio. Los muebles están pintados en cuatro colores: blanco, rojo, gris y negro, que parecen ser los colores estándar del estructuralismo.
En cuarto lugar, la cuestión del constructivismo y su decadencia
En 1940, Lisky revisó sus actividades de diseño y se criticó a sí mismo y a otros artistas por ser demasiado teóricos sobre el diseño de muebles. Si gastas dinero, es en conferencias y eventos de diseño, no en construir modelos. Ignoraron la fabricación real y las realidades reales de la carpintería (C. Lodor, 1983: 155 ~ 157).
Los estructuralistas producen muchos planos, dibujos conceptuales y modelos. Sin embargo, estos nunca fueron producidos en masa, ni siquiera por el Club de Trabajadores de Rodchenko. En el diseño industrial ruso, nunca estuvieron a la altura del ideal de contribuir plenamente a la nueva sociedad. Por otro lado, es irónico que la teoría marxista condujera al surgimiento del estructuralismo, pero la implementación estricta del marxismo condujera al fin del estructuralismo.
Bogdanov, el principal teórico del movimiento proletario, declaró que los artistas proletarios son individuos independientes, independientes de la dirección del partido. Pero esta ideología fue rechazada por Lenin, quien insistió en que todas las organizaciones deberían estar bajo la dirección del Comité Central del Partido Comunista de China. Ese control también podría evitar la formación de una nueva clase de artistas independientes e improductivos. Como resultado del conflicto constante, el realismo social reemplazó gradualmente al estructuralismo en el arte gráfico ruso. Finalmente, en 1932 se decidió oficialmente que el realismo social era el único estilo legal.
Bodanov declaró que el proletariado debe tener su propio arte de clase para organizar fuerzas para la lucha socialista. Paradójicamente, a través de la teoría marxista, los constitucionalistas crearon mucho arte que, debido a su naturaleza abstracta, no podía ser comprendido ni apreciado por los trabajadores. Incluso el mobiliario del club de trabajadores, con sus estrictas líneas geométricas euclidianas y materiales honestos, parece demasiado abstracto para el proletariado. Finalmente, las formas puramente visuales fueron descartadas como "formalismo decadente" y "fuera de contacto con la realidad social".
Se dice que Lenin dijo que este arte era perjudicial tanto ideológica como prácticamente. Estos factores ideológicos y políticos llevaron al fin del constructivismo. Esto es similar a la contradicción de la Bauhaus, que fue influenciada por ella. El propósito original de la Bauhaus era crear productos que sirvieran a la mayoría de la gente común de la sociedad. Sin embargo, debido a su forma abstracta y su arte, su precio era demasiado alto y no podía ser aceptado por el público. Se convirtió en una colección para que la mostraran los capitalistas. de su riqueza.
5. Principales representantes del constructivismo
Desde principios de la década de 1920, los tres hermanos Vesnin imparten clases en la Escuela Técnica de Moscú, el Instituto Técnico Avanzado de Moscú y el Instituto de Arquitectura de Moscú. B.A. Vesnin fue el primer presidente de la Unión Soviética de Arquitectos y el primer decano de la Academia Soviética de Arquitectura.
Las actividades de creación arquitectónica de los hermanos Vesnin comenzaron antes de la Revolución de Octubre. El estilo clásico ruso se utiliza en edificios civiles como casas de lujo y bancos, mientras que en edificios industriales se utiliza un estilo sencillo adaptado a estructuras de hormigón armado y paredes ligeras. Desde principios de la década de 1920 hasta mediados de la de 1930, fueron representantes de la escuela de arquitectura constructivista, desempeñando un papel activo en la modernización de la arquitectura soviética e interactuando con la arquitectura modernista de Europa occidental. A.A. Vesning dirigió la "Unión de Arquitectos Modernos" (OCA, 1925 ~ 1930), una organización de arquitectos constructivistas. Los constitucionalistas abogaron por convertir el entorno de vida en un modelo para formar nuevos pueblos socialistas, abogaron por el uso de medios materiales y tecnológicos modernos para resolver los requisitos funcionales y económicos de la vida moderna para los edificios y abogaron por el uso de métodos industrializados para la construcción a gran escala.
Los hermanos Vesning defendieron el "método funcional" del diseño arquitectónico, es decir, "un método que unifica propósito, medios e imagen arquitectónica, y unifica contenido y forma para que no se contradigan entre sí". El llamado contenido es la suma de los procesos funcionales, pensamientos y sentimientos en curso en la arquitectura; "La nueva vida requiere nuevas formas, y las nuevas formas sólo pueden recurrir a nuevos materiales y nuevas tecnologías". La llamada "nueva vida" es una vida con características socialistas.
Los hermanos Vesning creían que la construcción industrial y la construcción a gran escala de viviendas para trabajadores eran las principales tareas de la arquitectura en la era socialista. Cuando participan en la planificación de ciudades y aldeas de trabajadores, las consideran complejos con funciones tales como trabajo, educación, residencia, cultura y entretenimiento, y exploran formas de vivienda pública que conduzcan a cultivar el espíritu colectivo de las personas. . Diseñaron muchos palacios culturales y teatros.
Las principales obras arquitectónicas de los hermanos Vesnin incluyen: la Central Hidroeléctrica de Chatur (1919), el Palacio Regional de Cultura Proletaria de Moscú (diseño de 1931, parcialmente terminado) y la Central Hidroeléctrica de Dnieper (1929), responsable de la planificación de la ciudad de Zaporizhia. (65438+) junto a la central hidroeléctrica. El Palacio del Trabajo de Moscú que diseñaron en 1923 es una obra maestra de la arquitectura constructivista temprana. Los espacios internos se organizan según su función, y la forma externa es su expresión directa, rompiendo por completo con la composición arquitectónica tradicional. Aprovechando las posibilidades que ofrece la estructura marco, el espacio interior fluye suavemente, con dos auditorios separados por actividades y que pueden dividirse o cerrarse. El auditorio del Teatro de Música de Masas de Kharkiv es el mismo que el Palacio del Trabajo de Moscú, con sólo asientos en la piscina y asientos dispersos, sin suelo ni palcos, para expresar el espíritu democrático de igualdad y unidad. El escenario está conectado al auditorio y es apto para representaciones masivas a gran escala. Tiene un alto grado de mecanización y puede adaptarse a diversos cambios. La central hidroeléctrica de Dniéper creó un buen ambiente de trabajo para los trabajadores y cultivó su imagen. La vecina ciudad de Zaporozhye, por un lado, utiliza un diseño estándar para promover la construcción industrial y, por otro, presta atención a la diversidad de la apariencia urbana, diseñando áreas residenciales con espacios verdes a gran escala, instalaciones habitables completas y diseños novedosos. . Junto con la central hidroeléctrica, es un logro representativo de la construcción temprana de la Unión Soviética.
Las actividades posteriores comenzaron con el concurso de diseño del Palacio de los Soviéticos de Moscú de 1932. La Unión Soviética fue la primera en considerar los grandes edificios públicos como monumentos artísticos, con especial énfasis en la herencia del patrimonio clásico. Los edificios civiles en general también han seguido este ejemplo. La arquitectura constructivista y toda la corriente arquitectónica modernista fueron duramente criticadas. Los hermanos Vesning insistieron: "Los lenguajes clásicos son los lenguajes del pasado. Aunque antes eran perfectos, no pueden representar el presente. Continuaron utilizando un "enfoque funcional" para diseñar edificios públicos, pero la mayoría nunca se construyeron". .
A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, durante aproximadamente 65.438+00 años, Vesnin se desempeñó como arquitecto jefe B.A. de la Administración de Construcción del Comisariado Popular de Industria Pesada y dirigió directamente la planificación urbana de un gran número de centros industriales. y el diseño de industrias, fábricas, edificios públicos y edificios residenciales. A partir de 1936 volvió a ejercer como director de la Academia Soviética de Arquitectura, dedicada a la construcción organizativa y académica. Durante la Gran Guerra Patria dirigió la Escuela de Arquitectura para realizar construcciones traseras, estudiando materiales locales, estructuras ligeras y casas sencillas. Después de la guerra, se llevó a cabo una planificación urbana en las zonas dañadas por la guerra y se implementaron métodos de construcción industrializados.
Los tres hermanos de Vesnin recibieron la Orden de la Bandera Roja; B.A. Vesnin también recibió la Orden de Lenin.
Peter Behrens (1868-1940)
Famoso arquitecto alemán, pionero en el diseño de productos industriales y arquitecto jefe de la "Federación Alemana de Fabricación". Es un gran maestro. Los arquitectos modernistas Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier trabajaron en su estudio de diseño en sus primeros años. Tuvo una profunda influencia en el desarrollo de la arquitectura moderna en Alemania.
Bachlens estudió en la Escuela de Arte de Hamburgo en sus primeros años y se trasladó a Munich en 1897. En 1900, el archiduque de Hesse lo llamó a la Kunsthalle Darmstadt, donde pasó del arte a la arquitectura. En 1903 fue nombrado director de la Escuela de Arte de Dieseldover. En 1907, fue contratado por la General Electric Company alemana como arquitecto y coordinador de diseño. De 1909 a 1912 participó en la construcción de las fábricas de la empresa, entre las cuales el taller de turbinas de vapor que diseñó se convirtió en el edificio más influyente de Alemania en aquella época y fue aclamado como el primer edificio verdaderamente "moderno".
Las obras posteriores de Bachlens incluyen "La Embajada de Alemania en San Petersburgo" (1911-1912) y "La Compañía Austriaca de Tabaco" (1930). 1922-1927 Profesor de la Academia de Bellas Artes de Viena.
Tetlin
Malevich
Roshenko (a)
Lissitzky
Añadir tela
Paul (a)
Kandinsky (occidental)
El origen del constructivismo
George Ricker
En Rusia, el avance del cubismo La pintura y la escultura surgieron de dos vertientes. El primero fue el manifiesto a favor del futurismo que Marinetti presentó en conferencias en Moscú y San Petersburgo. La otra parte proviene de "Sobre el espíritu del arte", escrito por Kandinsky, que se completó en Alemania en 1910 y se tradujo parcialmente al ruso en 1912. Los artistas rusos completaron así todos los preparativos preliminares para entrar en un mundo completamente no objetivo.
En 1913, Tatlin produjo y expuso en Moscú la composición "Formas suspendidas de madera y hierro", y Boccioni había pintado algo similar. Al mismo tiempo, Tatlin acuñó el término "constructivismo".
Tanto la obra como el IC surgieron del desarrollo del collage en tres dimensiones, ya que Tatlin había visitado el estudio de Picasso en París. Mientras Picasso trabajaba en el cubismo, ocasionalmente se encontraba con arte sin tema. Quien utilizó el término "no objetivismo" fue Rodchenko, un colega de Tetlin. Compuso una obra utilizando círculos y líneas rectas, pero sólo podía considerarse como una imitación de la composición geométrica euclidiana.
La Exposición de Arte Moderno Armory de 1913 causó sensación en Nueva York. Malevik pintó solo un cuadrado en blanco y negro en un decorado diseñado para un teatro futurista. Continuó trabajando con bloques de lápices y posteriormente se exhibió un cuadro en la exposición "Rake" en Moscú. Al mismo tiempo, Malevich formuló el "suprematismo", como escribió más tarde: "Hice todo lo posible por liberar la forma en el arte figurativo y busqué refugio en la forma del cuadrado. Expresó su gratitud al futurismo: "La expresión". de armonía en nuestro tiempo... ha señalado el arte abstracto, donde todos los fenómenos y cuestiones relacionadas se reducen a una nueva cultura: la 'supremacía no objetiva'".
Pintando con formas simples como cuadrados, triángulos y cruces, después de unos meses Malevic cayó en los brazos de un arte completamente no objetivo. Al Mondrian, más viejo y misterioso, le llevó varios años dar el salto.
El suprematismo es no objetivo, no social y no utilitario. Malevik "comprimió toda la imagen en un cuadrado negro sobre un lienzo blanco". Dijo: "Siento que sólo la noche me pertenece. Este es el nuevo arte que imaginé y lo llamo Suprematismo. Suprematismo Las cajas... Se puede comparar con los símbolos de los pueblos primitivos. No querían hacer adornos, pero querían expresar un sentido de armonía "Él creía que el arte era superior a la religión y que el suprematismo era la forma de arte más espiritual y pura. el ejemplo más puro es una caja dibujada a lápiz. "Para el minimalismo, los fenómenos visibles del mundo objetivo en sí no tienen sentido; lo que importa es el sentimiento. Por eso tiene poco que ver con el entorno específico. El suprematismo no lo estudia, ni está en contacto con él. Sólo pueden sentirlo. ."
A pesar del impacto de estas narrativas, Malevic admite que sintió "el miedo vino cuando pensé en dejar el mundo ideal en el que había vivido, trabajado y creído. Pero la libertad, no la objetividad. La alegría del mundo me llevó a un "desierto" donde no había nada más que sentimiento, y el sentimiento se convirtió en el contenido de mi vida. Todos los "cuadrados vacíos" que exhibí tenían este sentido de no objetividad". Al igual que Platón, cree que La percepción es ilusoria y la verdad aún está muy lejos.
Sus ideas geométricas, entre ellas Blanco sobre blanco (1918), contienen la expresión más pura y menos objetiva de la época. Definió su suprematismo como: ① La universalidad de todos los fenómenos; ② "La línea recta del suprematista (características dinámicas)"; ③ "Suprematismo dinámico en la planificación"; ④ "Suprematismo estático en el espacio - arquitectura abstracta ((factor de caja supremacista adicional). .. puede traer la sensación de dar forma al lienzo en el espacio"; ⑤ "cuadrado (negro) = sentimiento, fondo blanco = sin sentimiento".
Pronto surgió un conflicto entre el arte y la teoría de Malevik. En 1917, Gabor regresó a Rusia después de tres años en el extranjero. En una entrevista con un periodista, dijo que consideraba que el suprematismo era sin duda la filosofía artística dominante entre la vanguardia moscovita.
Aunque era ruso y el destino determinó que se hiciera conocido como pintor abstracto, Kandinsky no participó directamente en estas experiencias de Moscú. En los últimos años ha estado principalmente en el extranjero, pero su "Sobre el espíritu del arte" es muy leído y su doctrina de las "necesidades intrínsecas" guía a sus compatriotas a hacer mayores esfuerzos por el arte no objetivo.
Las necesidades intrínsecas surgen de tres factores: ① Como creador, cada artista tiene algo que quiere expresar en su corazón. (2) Todo artista tiene el deseo de expresar la inocencia infantil en la infancia...; todo artista que sirve al arte debe partir de la perspectiva de las necesidades psicológicas, dedicarse a la causa del arte y no establecer ningún límite (formal). Un artista puede expresar sus necesidades de cualquier forma; su impulso interior debe encontrar una forma exterior adecuada.
Ya en 1908, Kandinsky tenía expectativas claras sobre el arte abstracto. En su autobiografía "Ruckblick", describió que al regresar al estudio por la noche, de repente vio algo extraño pero hermoso en el caballete. imagen. "Esta pintura carece de todo contenido, representa algo indescriptible y está compuesta enteramente de bloques de colores brillantes... Cada vez me quedó más claro que la descripción objetiva no puede acomodarse en mis pinturas. La descripción objetiva es realmente perjudicial para la imagen." Más tarde se enteró de que había dejado uno de sus cuadros.
Para Kandinsky, el triángulo tenía su “especial fragancia espiritual”. "El impacto del ángulo agudo de un triángulo en un círculo no es menor que el de los dedos de Dios y Adán en las pinturas de Miguel Ángel en 1921, todas sus obras durante un período de tiempo después de regresar a China tienen rastros de sus inicios". influencia. Pero al final capta más elementos constructivistas de los que da. Su poesía dio forma a un arte rico en emoción y simbolismo que luego se convirtió, al menos en principio, en la base del expresionismo abstracto, en contraposición al constructivismo. Kandinsky era un romántico.
El concepto de forma de arte "pura" se manifiesta de varias maneras. Cézanne proporcionó al cubismo los fundamentos geométricos en el arte realista, y aunque de él todavía surgen grandes obras, como teoría desapareció rápidamente.
En Rusia se proclamaría una base teórica clara y duradera para el arte no objetivo, que luego surgiría durante la guerra de 1914-1918 y su posterior revolución.
Después de la revolución de 1920, las fronteras entre los artistas en Moscú quedaron claras. Hubo mucha discusión, pero la discusión sobre el programa artístico y la filosofía fue muy abierta. Una opinión es que las obras de arte servirán al público, deberían ser comprendidas por todos y deberían utilizar materiales y técnicas industriales. Esta visión fue promovida por Tatlin, Rodchenko y más tarde Lisicki. En 1919 Lisicki conoció a Malevich, pero al año siguiente recurrió a la conciencia "objetiva". A los ojos de Gabor, Tatlin no era un pensador; no tenía ni la formación ideológica ni la formación correspondiente. Sin embargo, no parece estúpido en sus experimentos, ni tampoco su técnica. En una entrevista de 1956, el señor y la señora Pei Snell recordaron que a pesar de las extensas teorías utilitarias de Tatlin, nunca produjo un diseño que pudiera resultar embarazoso. Sin embargo, Tetlin y sus acólitos lograron asociar sus ideas estéticas tan estrechamente con el marxismo que atacarlas era como atacar la doctrina. De hecho, el estatus oficial de Tatlin era tan alto que se le encomendó la tarea de diseñar un tercer monumento internacional de gran tamaño.
Otro punto de vista es el de quienes ideológicamente ven el arte no objetivo como pura poesía libre, representada por Malevich. En 1915 publicó el "Manifiesto Suprematista", y ya era muy conocido (participó en la exposición de la Escuela del Jinete Azul en Munich. Pintó un cuadrado tan sencillo que nunca se había visto en el mundo). Fue apoyado por los hermanos Pevsner, quienes en ese momento habían regresado a Rusia de su exilio en tiempos de guerra. Cuando llegaron a Moscú en 1917, Pevsner Naum, que cambió su nombre por el de Gabo, hizo una declaración espiritual en 1920: "La realización de nuestra percepción del mundo en forma de espacio y tiempo es precisamente nuestro único objetivo al representar y dar forma. arte...construimos nuestras obras como la estructura del universo mismo, como ingenieros construyendo sus propios puentes.....Cuando creamos cosas, tiramos...todo Accidental y parcial, dejando solo el ritmo eterno de. su poder."
Esto es parte del Manifiesto del Realismo escrito por Gable y firmado por Pevsner, en el apogeo de la Primera Revolución Política y la Guerra Civil. Punto está colgado en la pared de Moscú. Definía claramente la denotación, señalaba las posibilidades del arte no objetivo, era mucho más adecuado para la escultura que para la pintura y era tan simple que su dogma siguió siendo útil dos generaciones después. Las tradiciones y obligaciones que él estableció todavía las mantienen los artistas contemporáneos en la actualidad.
El título ambiguo del manifiesto extravió a los funcionarios culturales soviéticos. Los funcionarios permitieron que el manifiesto se imprimiera en papel escaso simplemente porque era realista. En realidad, es un manifiesto constructivista y la palabra se utiliza en el artículo. "Realismo" es una palabra importante en ruso, probablemente derivada de la palabra francesa "realista", que significa "realización". Gabor dijo que sabía lo que se podía tocar y sentir, y lo que era material, contrariamente a las ideas metafísicas de Malevik. "Todos nos llamamos constructores... Construimos esculturas en el espacio, no a través de escultura y plástico... Siempre usamos la palabra 'realismo' porque creemos que todo lo que hacemos muestra una nueva realidad."
Jiabo siempre ha dudado de los valores establecidos y poco a poco ha formado sus propias ideas artísticas desde 1910. Este interés permaneció con él mientras estudiaba ingeniería en Munich. En 1912, Gabor tomó el curso de historia del arte de Wölfflin. Inspirado por él, Gabor viajó a Italia, un país lleno de misterio y hambre, y regresó a casa en 1914. La familia quedó impresionada por su interés, conocimiento y creatividad a la hora de hablar de arte. Garbo estaba familiarizado con el cubismo y el futurismo, y no consideraba que ninguno de los dos fuera estilos futuristas. Tuvo contacto con los Caballeros Yuqing en Munich en 1913. En 1912, Larionov, Goncharova y Malevich expusieron con este grupo. Sin embargo, Gabor nunca había conocido a Kandinsky antes de su regreso a Rusia en 1917. En 1913, leyó "Sobre el espíritu del arte" y no estuvo de acuerdo con todas las teorías de Kandinsky sobre el uso del sonido para identificar colores, aunque le gustaron los pensamientos de Kandinsky y la discusión de Volger, que Kandinsky escribió en "Abstracción y empatía". .