¿Alguien puede contarme sobre la composición artística de la película en blanco y negro de Arnheim?

Primero, la estética cinematográfica de Arnheim.

En 1932, Arnheim publicó "El cine como arte": En ese momento, el arte de vanguardia europeo también entró en un período de prosperidad y apareció algo de modernismo en la literatura, la pintura, la danza y la escuela de cine. Una característica importante de estas escuelas es que creen que las obras de arte nunca imitarán ni copiarán la vida, sino que se centrarán en el uso de imágenes artísticas abstractas para transmitir los sentimientos únicos de las personas sobre la vida. Estas artes de vanguardia tuvieron una gran influencia en la formación de la visión artística de Arnheim, lo que también le hizo considerar el arte como la distancia entre la escritura de este artículo y la realidad misma: Cuando el cine sonoro se convirtió gradualmente en la corriente principal del mercado cinematográfico, Arnheim se sintió profundamente perturbado por este , creía que las películas sonoras violaban las leyes estéticas. Es necesario organizar y estudiar sistemáticamente las leyes estéticas del cine. Así, en 1938, el autor escribió "El nuevo Laocoonte: arte y cine hechos de sonido". Este artículo compara las diferencias entre el cine y otros medios artísticos como la literatura y el teatro. Arnheim cree que todo mal proviene de que los seres humanos siempre intentan lograr un realismo total en el arte, para controlar las imágenes naturales, los seres humanos intentan crear solos. Este deseo primitivo es una de las fuerzas impulsoras del ser humano para crear imágenes realistas: en la práctica, siempre ha existido una exigencia artística que insta a las personas no sólo a plagiar, sino también a crear, interpretar y dar forma. Arnheim se opuso a esta búsqueda del realismo desde el punto de vista de la belleza pura, explorando así profundamente la singularidad de la esencia estética del cine mudo. Esta esencia se manifiesta como una intrincada combinación de varias características, que están formadas por hermosas perspectivas, ángulos fotográficos, iluminación, avances en las reglas generales de la perspectiva, uso artístico de capas dentro del rango tonal del blanco y negro y un despliegue flexible de tiempo y discontinuidades espaciales generadas. Todo esto parece estar conectado y condensado en una unidad silenciosa: el silencio funciona como la condición primaria, como el tono por el cual se regulan todas las demás condiciones, y el lenguaje especial del cine mudo se compone de estas condiciones.

El origen de Arnheim es la diferencia fundamental entre las imágenes cinematográficas y las imágenes contemporáneas. La diferencia fundamental entre ambos es: 1. La proyección de un objeto tridimensional en un plano; 2. Reducción de profundidad; 3. Iluminación y sin color; 4. Los límites de la imagen y la distancia de los objetos no existe; Únicamente experiencia visual.

Para Arnheim, la aplicación artística de estas diferencias fundamentales constituye todo el contenido del arte cinematográfico: en cuanto a la proyección de objetos tridimensionales sobre una superficie plana, cree que las películas proyectan cosas objetivas tridimensionales sobre la superficie plana. La pantalla, en realidad se proyecta en la retina (cámara) del ojo, por lo que hay un problema de ángulo al experimentar cosas objetivas. La elección de este ángulo es un problema de poder sensorial: es precisamente porque diferentes poderes sensoriales determinan diferentes ángulos. Diferentes ángulos determinan cómo proyectar cosas tridimensionales sobre una superficie plana, por eso hay arte en esta toalla: Arnheim cree que el efecto de la película no es absolutamente plano ni absolutamente tridimensional, sino que se encuentra en algún punto intermedio: Física en la pantalla, la proyección de cualquier objeto en el campo de visión sobre la retina del ojo es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia; en la película, si una persona está cerca de la cámara, su estatura parecerá alta, pero en la vida real. Si una persona pone su mano frente a nosotros, no creemos que su mano sea tan extrañamente grande como lo sería frente a la cámara. En este sentido, la película en sí no es real:

En la era de las películas en blanco y negro, las imágenes de las películas no tienen color. Esto debería decirse que es una diferencia fundamental entre las películas y la naturaleza. Sin embargo, todos los cinéfilos perciben el mundo de la pantalla como un fiel reflejo de la naturaleza, debido a algunos fenómenos alucinatorios en funcionamiento. Por tanto, la autenticidad de una imagen cinematográfica depende en gran medida de la iluminación, que resulta muy útil para acentuar la forma de los objetos.

Nuestro campo de visión es limitado: Arnheim señaló que en las películas hay un cierto límite en el espacio que entra en el encuadre, y la imagen fuera del límite queda cortada por el borde del encuadre.

Sin embargo, las limitaciones de las imágenes cinematográficas no se pueden comparar con las limitaciones de la visión, porque la visión humana es en realidad ilimitada. Es precisamente por esta limitación que el cine tiene derecho a ser llamado arte: obviamente, Arnheim todavía enfatiza la diferencia entre arte y vida cotidiana, y el arte debe distinguirse de la vida cotidiana para mostrar su valor.

En la vida real, todo el mundo experimenta cosas (incluidas cosas individuales y una serie de cosas) en un espacio y tiempo continuos. En la vida real, el tiempo y el espacio no saltan repentinamente, el tiempo y el espacio son continuos. En las películas es diferente. El tiempo y el espacio se pueden recortar a voluntad. Arnheim cree que la ilusión provocada por la película de Sheen es sólo parcial y que su efecto es doble: es a la vez un acontecimiento real y una imagen. Es la irrealidad parcial de la imagen cinematográfica lo que hace posible el montaje: en el cine, por tanto, no existe la continuidad del espacio y el tiempo. Arnheim criticó las opiniones del funcionalismo y la psicología conductual, argumentando que una ilusión sólo tiene poder si todos los detalles están completos, pero todos saben que una imagen con dos puntos, una pergamino y una cara A, tan desaliñada como el dibujo de un niño, también puede estar lleno de expresiones que expresen enojo, alegría o terror: si bien su expresión no es de ninguna manera completa, da una fuerte impresión de que lo es porque nos contentamos con saber lo que más importa; estas secciones representan todo lo que necesitamos saber; Por lo tanto, nos contentamos con reproducir sólo estas partes más importantes y obtendremos una impresión completa, una impresión muy condensada y, por tanto, la más artística. Asimismo, cualquier acontecimiento, ya sea una película o una obra de teatro, que transmita un punto básico provocará alucinaciones. Es este hecho el que hace posible el arte del cine. Aquí podemos encontrar la aplicación de la teoría Gestalt. Arnheim señaló que, en circunstancias normales, nuestros ojos a menudo cooperan con otros órganos en la producción de T, pero cuando miramos películas, nuestro sentido del equilibrio depende de la información transmitida por nuestros ojos. En la era del cine mudo, aunque todos los sentidos, excepto la visión, estaban desactivados, se debía al papel de las alucinaciones locales que las películas tenían características que existían en la vida real pero que no existían en la película, pero con las que el público podía identificarse. Señaló que para crear una impresión perfecta no es necesario reproducir todo de forma natural. Mientras se muestren las cosas esenciales, se pueden eliminar otras cosas, aunque existan en la vida real.

En segundo lugar, las aportaciones y limitaciones de la estética cinematográfica de Arnheim.

"Cinema as Art" de Arnheim es la primera obra importante que estudia las características del cine desde la perspectiva de la física y la psicología. Como él mismo comentó, Pudovkin, Eisenstein, Bela Balazs escribieron libros sobre cine, y algunos de los primeros críticos y autores de cine escribieron cosas, pero supongo que sí es la primera afirmación sistemática sobre el cine como medio = su teoría cinematográfica es una de las teorías más importantes del período teórico clásico. Utilizó la teoría Gestalt para estudiar el cine e hizo una contribución única a la psicología cinematográfica.

En primer lugar, el análisis de Arnheim se refiere sólo al cine mudo, pero como hasta hoy las películas siguen dominadas por imágenes, la interpretación de imágenes siempre será el elemento artístico dominante en el arte cinematográfico, en resumen, el cine mudo. La experiencia práctica de expresar pensamientos e intenciones únicamente a través de imágenes tiene sin duda un importante valor de referencia para el desarrollo de nuestro arte cinematográfico actual. Su contribución es que cuando utilizó la teoría de la Gestalt para analizar la relación entre las imágenes cinematográficas y la realidad, propuso la teoría de la ilusión parcial y la teoría de la diferencia de imágenes. Estas dos teorías todavía son aplicables a las representaciones cinematográficas actuales. De hecho, ya en 1916, durante la infancia del cine, el psicólogo alemán Hugo Münsterburg (1863-1916) escribió una de las primeras monografías sobre psicología cinematográfica "Películas: un estudio" basada en su limitada experiencia viendo películas. Afirmó explícitamente que su principal área de investigación era explicar la sensación de profundidad y movimiento de las imágenes cinematográficas desde las perspectivas fisiológicas y psicológicas de la percepción visual. Creía que era imposible copiar mecánicamente la realidad en arte. A través de las características fisiológicas del estancamiento visual humano y las características de la cognición voluntaria de la psicología Gestalt, propuso que las películas no se escriben en la pantalla, sino que se basan en la imaginación de las personas. imaginación. Si el principal objeto de investigación de Sternberg es la percepción de las imágenes por parte del público, Arnheim ha desarrollado esta dirección y estudia principalmente la relación entre las imágenes cinematográficas y la realidad.

En segundo lugar, Arnheim aborrece cualquier tendencia a sustituir subrepticiamente una imagen artística por un plagio estereotipado similar a un espejo, que es un problema muy destacado en el desarrollo del cine actual.

Releer la teoría de Arnheim nos ayudará a reflexionar sobre las imágenes cinematográficas y televisivas actuales y a considerar la interpretación cinematográfica de forma más artística. Desde una perspectiva filosófica y estética, Arnheim, como otros teóricos del cine clásico, se preocupaba por las cuestiones ontológicas del cine, es decir, la relación entre las imágenes y el mundo real. Hizo hincapié en el carácter artístico del cine como medio artístico, y fue en este punto cuando se propuso demostrar que, en el caso de las películas mudas, la técnica cinematográfica de fijación de imágenes se adelantaba a la fijación mecánica de la realidad. Por lo tanto, defendió firmemente el cine mudo y planteó la cuestión del derecho del cine mudo a sobrevivir en la era actual.

Desde el punto de vista del arte puro y la belleza visual, Arnheim creía que las películas habladas eran artes híbridas, e insistía en que las películas que comenzaban a hablar eran catedrales destruidas, ya no silenciosas, llenas de La trascendencia espiritual de el mundo real se convierte en el epítome de la realidad caótica. Desde una perspectiva puramente estética, Arnheim tiene razón. En los inicios del desarrollo del cine sonoro, e incluso hoy en día, todavía existe una tendencia a poner la tecnología en primer lugar. La gente presta demasiada atención a los aspectos técnicos del cine y más o menos ignora las características principales del cine como arte visual. Por lo tanto, aunque la crítica de Arnheim es feroz, todavía tiene un valor teórico extraordinario.

Si analizamos la teoría cinematográfica de Arnheim de forma independiente, su hermosa redacción y su rigor lógico son bastante convincentes. Sin embargo, al defender sus puntos de vista, se basó principalmente en argumentos puramente lógicos y evitó el análisis de la práctica de la vida. Al desarrollar sus teorías sobre el cine mudo, Arnheim siempre analizó hechos concretos a partir de numerosos ejemplos. Sin embargo, cuando intentó demostrar teóricamente el carácter ecléctico del cine sonoro, Arnheim, basándose siempre en argumentos abstractos, concluyó de manera abstracta: cada cine sonoro contiene, en principio, algún tipo de contradicción interna, porque la combinación mecánica de diversos medios artísticos en el cine sonoro reemplazó a sus orgánicos. combinación. Aunque la unidad armoniosa de los distintos medios artísticos en el cine sonoro aún no se ha demostrado teóricamente, esto no puede utilizarse como razón para negar la existencia del cine sonoro. La práctica del cine sonoro ha demostrado que los medios de expresión se pueden combinar en varios; formas, por tanto, se intenta establecer de una vez por todas un determinado método. Es imposible e innecesario dar prioridad a un medio de expresión.