¿Cómo se convirtió Enrique Bergman en un director famoso?

La gente conoce a Bergman principalmente por It's Wild Strawberries. Una película muy antigua, rodada ya en 1953. Es una película en blanco y negro. En esta película, podemos Vea las técnicas de rodaje utilizadas por Bergman antes que otros directores de cine de la misma época: el comienzo de la película Los sueños se intercalan constantemente, los recuerdos y la realidad se entrelazan y es difícil distinguir entre lo verdadero y lo falso.

Toda la película está basada en los recuerdos y algunas personas y acontecimientos que encontraron el protagonista, el profesor y su nuera en el camino a recibir el premio, y describe fielmente el proceso de transformación psicológica de un anciano que fue despiadado durante toda su vida antes de su muerte. Se puede decir que este anciano lo tiene todo bien y tiene una carrera exitosa, lo que se nota en el respeto que recibe en la gasolinera. Sin embargo, adoptó una actitud fría hacia su familia. Por ejemplo, cuando era joven, siempre adopté una actitud frívola hacia mi primo, y no me di cuenta de lo estúpido que era hasta que crecí; hice la vista gorda ante la difícil situación de su hijo y su nuera; y los obligué a devolver el dinero; ignoré las necesidades y deseos de mi esposa, provocando que ella se volviera emocionalmente inestable. Buscando otra salida, él está insatisfecho con su leal niñera y la molesta de todas las formas posibles. Lo más destacado de la película es la discusión de una pareja en el camino. La descripción que hace Bergman de la intolerable y odiosa situación entre la pareja es simplemente brillante y escalofriante. Cuando el marido dijo "Yo tengo mi catolicismo y ella tiene su histeria" y se rió de las lágrimas de su esposa en público, la esposa no pudo soportarlo y abofeteó a su marido en público. El público pareció sentir lo mismo. El objeto de simpatía cambió de esposa a marido en menos de unos segundos. Experimentaron profundamente las magníficas habilidades de dirección de Bergman para controlar las emociones del público y jugar con ellas a voluntad. La niña que hace autostop en el camino es uno de los aspectos más destacados de la película. Le recordó al profesor a su prima y trajo mucha alegría a todos en el camino. La noche de la despedida, llevó a sus dos novios y le cantó una canción de amor al profesor de abajo, lo que hizo ver la delicada bondad de una niña en su carácter travieso y descuidado.

Por supuesto, su tratamiento del amor no es halagador, pero los celos entre los dos chicos y su discusión sobre Dios también provocaron un pequeño clímax en la película. Al final, el final de la película es insatisfactorio. El anciano ganó la lotería con éxito y su esposa y su hijo volvieron a estar juntos. Finalmente, el anciano ya no tenía miedo a las pesadillas y pudo dormir tranquilo.

Este es el primer trabajo cinematográfico de Bergman, conocido por su estilo racional frío y brutal. Como el viento frío del norte, va directo al fondo del problema. Las palabras son concisas y concisas, pero demasiado fuertes. A menudo analiza algunas cuestiones metafísicas importantes, como el hombre y Dios, el pecado original del hombre y el sufrimiento mundano, y la supervivencia bajo la sombra de la muerte. La película es ligeramente delgada debido a la sobrecarga, lo que se refleja en sus obras de los años 50, como "El séptimo sello" y "La Virgen María". Este es un "viejo" Bergman impresionante pero indescriptible, como el anciano silencioso de "Fresas salvajes".

En la década de 1960, la creación cinematográfica y el pensamiento personal de Bergman experimentaron una grave crisis. Se retira del cielo contemplativo al mundo íntimo y práctico, y el tema sobrenatural se retira abruptamente. Dijo en la entrevista: "He roto completamente con toda la superestructura religiosa. Dios se ha ido y yo, como todos los demás en la tierra, me he convertido en una persona independiente bajo el vasto cielo irrumpió la música concisa y rigurosa de Bach". en este momento el mundo racional de Bergman. En ese momento, Bergman incluso tuvo la idea de dejar toda su obra y estudiar Bach en profundidad con el historiador de la música sueco Kobe Bryant. Aunque no pudo ponerse en práctica por diversas razones, la grandiosa y vasta música de Bach, especialmente aquellas obras lentas, piadosas y sencillas, sin duda dejó una profunda huella en las creaciones posteriores de Bergman. La música de Bach se ha tomado prestada en diversos grados en obras como "El hombre en el espejo", "El silencio", "La miseria de Anna", "La máscara", "El grito" y "Susurros". Desde las ricas suites para violonchelo sin acompañamiento hasta las puras Variaciones Goldberg, la música de Bach es un modelo de polifonía, con un equilibrio interno casi perfecto y una lógica musical que hace sospechar que es producto de un cálculo cuidadoso. Para Bach, la música es una "experiencia racional oculta" que llega a Dios, lo que está en consonancia con la preocupación racional interna de Bergman. Pero la música de Bach, como fenómeno ontológico tan increíble como el universo mismo (en Schweitzer), sin duda significa algo más, una emoción tranquila y pura, que crea una atmósfera emocional suave y cálida. Una expresión emocional contenida suaviza las líneas gruesas y duras en la de Bergman; películas, y transforma silenciosamente esos pensamientos racionales abstractos en una especie de murmullo espiritual, que penetra lentamente en lo más profundo del alma.

Tomemos "Cries and Whispers" como ejemplo para apreciar el poder único y conmovedor que la sencilla y hermosa melodía de Bach confiere a la película especulativa de Bergman. La obra maestra de Bergman detalla a cuatro mujeres con personalidades muy diferentes: la moribunda Ana, sus hermanas Karin y María, y la doncella Anna. La soledad, el dolor y la incapacidad para comunicarse siguen siendo los temas de la película. Toda la película es un murmullo indescifrable y un grito de angustia, acompañado por este murmullo ininteligible de la Sarabanda de la Suite para violonchelo n.° 5 de Bach. El canto del violonchelo, cercano a la voz humana, es como un largo suspiro de un médico, que calma suavemente el alma herida en la oscuridad y la soledad, y alivia la soledad y la tristeza del alma. En la imagen, Karin y María, que rara vez hablaban, se abrazaban fuertemente. Sabemos por el guión que se respondieron con palabras suaves. Sin embargo, en las películas, la música tiene el poder de trascender las palabras y construir un puente entre las almas. Esta fue la única comunicación real que tuvieron las hermanas. La suave música de Bach fluye lentamente hacia los corazones de las personas como una corriente clara. Todo lo que necesita ser sanado ha sido sanado, y lo único que es eterno es el cuidado profundo por el verdadero amor del individuo y la armonía y belleza de la humanidad.

Cuando el lenguaje es débil, la música se convierte en un medio complejo y "directo" de transmisión de información (entre personajes o entre personajes y el público de la película). La música de la película de Bergman, como señala Livingston, "'toca' todos los lugares de la película, toca la esperanza, la promesa, la soledad. ¿Es este contacto breve, duradero, superficial o real?". Bergman "no cree en el lenguaje". Cree que la música es más "fiable" y "el símbolo más perfecto". A diferencia de otros directores que consideran la música como una forma secundaria, la música cinematográfica de Bergman es una narrativa en sí misma (aunque sin palabras). , una forma que es parte integral de sus otros trabajos, simplemente para apoyar y enriquecer la narrativa de la película. Bergman siempre se asegura de que tengamos toda la información necesaria para apreciar sus magníficas habilidades cinematográficas. El trabajo siempre presenta una belleza artística y presta atención consciente. a la estructura artística de la película, especialmente los flashbacks estilo "pintura", pero también nos da una apariencia muy "natural" y sin pulir. Se puede decir que "(sus) obras son muy simples, o lo hay. una especie de magia. "

En "Sonata de otoño", el director exploró e innovó la forma de arte, amplió el espacio para la expresión cinematográfica e hizo que toda la película brillara con un brillo indescriptible. El "modo de trama circunstancial y simple" de la película y "Técnicas de fotografía complicadas y simples", que corresponde a los complejos enredos emocionales y actividades psicológicas de los personajes, especialmente los cambios sutiles en la relación entre los dos protagonistas. En la segunda mitad de la película, los primeros planos son tan geniales que examinan a los dos protagonistas casi con crueldad. Vemos su dolor en el presente y su pasado lejano fusionándose gradualmente en "Sonata de otoño", que explora la fragilidad humana y las técnicas artísticas poco convencionales de Bergman a menudo se acercan mucho, casi "ver". a través de ellos". cara".

Bergman pareció darse cuenta de que "confiar en las expresiones faciales de una actriz para revelar verdades ocultas puede ser una mentira, porque eso es arte". Bergman nunca habla de la verdad porque "¡no existe! Detrás de cada rostro (el ejemplo más evidente es el de Charlotte), hay otro rostro, y luego otro rostro... En mil En una fracción de segundo, un actor puede dar una impresión completamente diferente, pero debido a que la continuidad entre ellos es tan rápida, lo único que ves es un cuerpo real". Durante toda la película, es real. Es sólo una metáfora, porque "una secuencia de película que consta de imágenes consecutivas aparece ante el desnudo "El ojo es sólo un conjunto de imágenes en movimiento". La "autenticidad" de cualquier forma de arte, como una sonata, es selectiva, subjetiva e ilusoria, por lo que también debe contener un componente emocional. Bergman parece comprender profundamente que para revelar el bien y el mal en lo más profundo de la naturaleza humana, la verdad suele ir acompañada de crueldad.

Bergman parece estar especialmente interesado en las relaciones familiares indiferentes, por lo que también podríamos inferir que tuvo una infancia desafortunada, de lo contrario no sería tan preciso sobre desgracias similares entre parejas, padres e hijos.

Bergman pasa de la gran tensión entre el sufrimiento humano terrenal y el silencio divino al cuestionamiento existencial de la situación terrenal del individuo, y cómo la comunicación entre individuos solitarios se convierte para él en un tema recurrente. Es imposible explicar por qué las películas de Bergman siempre nos impresionan. Sus películas son indescriptiblemente poéticas. Godard capturó en él una magia parpadeante, que es un "secreto indescriptible". La belleza de la imagen es fugaz. Al hablar de las obras de Bergman, Godard dijo que son "como estrellas de mar que se abren y cierran, revelando los secretos del mundo y ocultándolos nuevamente. Es el único almacén y el reflejo encantador. La verdad es su verdad, enterraron la verdad en lo profundo sus corazones. Cada disparo destrozaba la pantalla y luego se disipaba en el viento."

Aunque era respetado, el propio Bergman admitió que no podía ver sus propias películas porque lo deprimirían. "No veo mis películas a menudo. Me pongo nervioso y lloro casi en cualquier momento... Es muy doloroso". Bergman mencionó que su recuerdo más feliz fue recibir la Medalla de Honor del gobierno francés en París en 1985. "Cuando salimos del Palacio del Elíseo, nos esperaba una limusina enorme y delante había cuatro policías en motocicleta". "Probablemente fue uno de los pocos momentos en los que me sentí feliz por la fama". Fue una sensación tan increíble que me caí al suelo de este gran auto riendo", recordó sobre el dolor que sufrió durante una proyección de la película en Munich, Alemania. "Esta es probablemente la única resaca que he tenido en mi vida. No es una borrachera cualquiera. Estoy muy entusiasmado con la proyección." Ahora Bergman ha dejado de dedicar nuevas obras maestras a la gente. Disfruta del paso del tiempo en la soledad de las Islas Feroe, como el anciano de Fresas salvajes. Quizás sólo el silencio era su amigo más cercano, y todavía seguía pensando obstinadamente.