Cómo escribir una reseña de una película

Reseña de la película

La reseña de la película, conocida como reseña de la película, es un análisis del director, los actores, el lenguaje de la lente, la tecnología de filmación, la trama, las pistas, el entorno, el color y la luz de una película. , etc. y la crítica, también conocida como crítica cinematográfica.

Propósito de la reseña

El propósito de la reseña cinematográfica es analizar, identificar y evaluar el valor estético, el valor cognitivo, el significado social, el lenguaje visual, etc. contenidos en la pantalla para lograr El propósito de filmar la película, explicar los principios reflejados en la película, no solo puede ayudar al director a ampliar sus horizontes y mejorar su nivel creativo al analizar el éxito y el fracaso de la película, a fin de promover la prosperidad y el desarrollo del arte cinematográfico. También puede influir en la comprensión de la película por parte del público a través del análisis, la evaluación y la apreciación, mejorar el nivel de apreciación del público y promover indirectamente el desarrollo del arte cinematográfico. Comentar contenido

Uso de diferentes escenas

Primer plano: plano parcial del rostro de un retrato o de un sujeto. Puede hacer que el objeto de actuación se destaque del entorno circundante, crear una imagen visual clara y obtener un efecto de énfasis. Los primeros planos pueden mostrar los sutiles cambios emocionales de los personajes, revelar los movimientos instantáneos de la mente de los personajes y hacer que el público se sienta fuerte visual y psicológicamente.

Plano más cercano: captura la escena de la película encima del pecho del personaje. Permite a la audiencia ver claramente las expresiones faciales del personaje o ciertos movimientos corporales, lo que favorece la descripción detallada de la apariencia, el comportamiento, la vestimenta y la apariencia del personaje.

Plano medio: Una toma de película del personaje por encima de las rodillas. Es propicio para mostrar los movimientos corporales de los personajes y explicar la relación entre las personas. Puede profundizar la profundidad de la imagen y mostrar un determinado entorno y atmósfera. Además, a través de la combinación de lentes, también puede transmitir el proceso de un determinado proceso. El conflicto. La narrativa es metódica y se suele utilizar para narrar la trama.

Panorama: Fotograma de una película que captura el cuerpo completo de un personaje o escena. Puede mostrar completamente toda la acción de los personajes y la interrelación entre los personajes. En un panorama, los personajes y el entorno suelen estar integrados, creando una imagen vívida de personas y paisajes.

Visión: se refiere a una escena que expresa un espacio vasto o una escena abierta. Es la escena con la mayor distancia de visión y el mayor rango de espacio entre todos los tipos de escena. A menudo se utiliza en programas de televisión para expresar entornos geográficos, características naturales y escenas y escenas abiertas.

Tiro lejano: normalmente disparado desde un ángulo elevado, utilizado como plano de establecimiento o para indicar un espacio amplio y abierto.

Aplicación de sonido e imagen

Voz: incluyendo voz humana, música de fondo y sistema de sonido

Voz humana: explicando explicaciones, avanzando la trama y promoviendo personaje

Música de fondo: mejora la atmósfera, mejora la atmósfera, profundiza el tema y es bueno para expresar emociones

Sonido: aumenta el sentido de la realidad, mejora la atmósfera ambiental y expresa emociones

Pantalla: incluye personajes y escenarios, accesorios

Personajes: el centro de la visión, el portador de ideas

Escenario: expresa emociones, promueve el desarrollo de la trama y temas de profundización

Accesorios: retratar personajes, conectar historias y expresar emociones

La combinación de sonido e imagen: incluida la correspondencia entre sonido e imagen, la separación de sonido e imagen, y la comparación entre sonido e imagen

La correspondencia entre sonido e imagen: donde hay imagen, hay sonido

Separación de sonido e imagen: sonido e imagen se narran por separado , y no hay ningún conflicto obvio entre los dos

Contraste de sonido e imagen: el sonido y la imagen forman un fuerte contraste en significado y emoción

Color: da forma a los personajes, crea una atmósfera ambiental, y formar ideas creativas

Color: dividido en colores fríos y colores cálidos

Colores fríos: los colores en los lados azul y verde del círculo de colores son consistentes. puede dar a las personas una sensación de frescura, tranquilidad, retiro y profundidad.

Colores cálidos: los tonos del lado rojo y naranja de la rueda cromática se denominan colores cálidos y pueden dar a las personas una sensación de calidez, entusiasmo, progreso y armonía.

Luz: efecto de modelado, efecto expresivo, pintura externa de personajes

Uso de la lente

Lente larga: disparo continuo durante un período de tiempo, ocupando una película más larga disparos, generalmente de más de 30 segundos. Los planos largos pueden mantener el efecto general y mantener la integridad y la unidad del espacio y el tiempo de la trama; pueden reproducir fiel y completamente imágenes realistas, aumentando la credibilidad, la persuasión y el atractivo de la película; también pueden exagerar la atmósfera y expresar la psicología de la película; Actividad de los personajes.

Lente vacía: también conocida como “lente de paisaje”.

Se refiere a planos de una película que describen escenarios naturales o escenas sin que aparezcan personajes (principalmente personajes relacionados con la trama). A menudo se utiliza para presentar el trasfondo ambiental, explicar el tiempo y el espacio, expresar las emociones de los personajes, avanzar en la trama y expresar la actitud del autor. Tiene las funciones de explicación, pista, símbolo, metáfora, etc. En la película, puede producir. metáforas, escenas, escenas y representaciones Los efectos artísticos, como la concepción artística, desencadenar la atmósfera y despertar asociaciones, también juegan un papel único en la transformación del tiempo y el espacio en la pantalla y el ajuste del ritmo de la película.

Montaje

Montaje era originalmente un término arquitectónico que significaba composición y montaje. Hoy en día, es un término profesional en cine y televisión. Es una técnica de edición, que generalmente incluye dos aspectos: edición de imágenes y síntesis de imágenes. El uso del montaje puede enriquecer el poder expresivo del arte cinematográfico, hacer que el contenido de la actuación sea claro y lograr un alto grado de resumen y concentración. También puede estandarizar y guiar las emociones y la psicología del público, e inspirar al público a pensar; recrear el tiempo y el espacio para formar un método único de reseña de cine y televisión

Descripción general

Las reseñas de películas se pueden evaluar en función de la concepción, el sonido y la imagen únicos del director, la profunda verdad contenida en el Se pueden comentar la película, el significado contemporáneo de la película y el cine y la televisión. Se pueden comentar la música, el contenido de la película, la iluminación de la película, las técnicas de filmación, los personajes de la película, etc. El proceso de revisión se basa en el contenido específico de la película. y los aspectos más brillantes de la película en términos de concepción, estructura, tecnología, tareas, etc. propio punto de vista para demostrar aún más.

Puntos clave

Para escribir una buena reseña de una película, utiliza dos palabras para resumir "nuevo" y "extraño".

Pasos

Título

El título es el primer punto brillante de cualquier escrito, y las críticas cinematográficas no son una excepción. La clave para un buen título de reseña cinematográfica es si se puede utilizar para transmitir el mensaje que el autor quiere expresar en la reseña cinematográfica. Al escribir una reseña de una película después de verla, primero debes encontrar un buen punto de partida. Por supuesto, este punto de partida comienza con el título. El título de la reseña de la película se centra en la innovación y la novedad, y contribuye a que otros quieran leerla tan pronto como vean el título. Además, cuanto más corto sea el título de la reseña de la película, mejor; de 6 a 7 palabras es apropiado.

Principiante

Los profesores que leen composiciones chinas del examen de ingreso a la universidad tienen un método de calificación habitual, es decir, pregunta-principio-(medio)-final si un candidato escribe bien la parte central. Está bien, pero el comienzo es muy pobre. De esta manera, el profesor que califica como máximo escaneará el contenido intermedio del candidato y algunos ni siquiera lo leerán. Por lo tanto, el comienzo es sin duda una parte muy importante.

Al comienzo de la reseña de la película, puedes ir directo al grano e introducir lo más destacado de la película sobre la que estás a punto de escribir, o escribir directamente sobre el clímax de la película para despertar el interés del lector. ; también puedes insertar primero un escritor de cine famoso. Citas famosas, como Bazin, Eisenstein, etc., pueden ser la guinda del pastel para tu reseña cinematográfica.

Medio

Esta parte es el contenido central de la reseña de la película. De hecho, escribir una reseña de una película es escribir un ensayo argumentativo. Por lo tanto, al escribir una reseña de una película, debemos prestar más atención al análisis y menos a la narrativa, centrarnos en el contenido que queremos expresar, exponer los argumentos y deducirlos en capas. por capa, pero ten cuidado de no salirte del tema, es decir, todo lo que analices en una reseña cinematográfica debe girar en torno a tu centro.

Fin

Después de haber completado el contenido principal de la reseña de la película, no podemos terminar aquí. También debería haber un final contundente. Al final, primero debemos resumir el contenido principal de la reseña de la película, y luego podemos expresar nuestros propios sentimientos y nuestra comprensión de toda la película, también podemos citar citas famosas y expresar nuestras ambiciones de darle una buena reseña a la película; final.

Problemas de existencia

Fuera de tema, narración de historias, integral, sin punto de vista, escrito en un "bloque de tofu", poniendo el carro delante del caballo, problemas de sentido común, y sin detalles.

La situación actual de la crítica cinematográfica

En China, las críticas cinematográficas suelen considerar los siguientes aspectos: ① Si la tendencia y la autenticidad de la película están unificadas; ② Qué tan personalizados y típicos son los personajes; son; ③ Si la película tiene un espíritu innovador al reflejar los tiempos desde el contenido hasta la forma; ④ Si la película tiene un estilo nacional distintivo y una personalidad creativa; ⑤ Qué exploraciones valiosas ha realizado en el uso de los conceptos y el lenguaje cinematográfico; ⑥ Ver la película sexo y sus efectos sociales.

Técnicas de expresión cinematográfica

El cine es un arte integral creado por un colectivo, y todos los miembros creativos son los creadores de las formas de la pantalla.

En términos relativos, cada departamento solo puede desempeñar un papel en un determinado aspecto de la forma de la pantalla. Sólo a través de la combinación orgánica de las creaciones de cada departamento se puede formar una forma de pantalla completa. En última instancia, este tipo de creación de grupo todavía se basa en el concepto general del director. Por lo tanto, el director tiene la principal responsabilidad de la calidad de la apariencia en pantalla. Los principales resultados del trabajo del director de cine también se reflejan en la apariencia en pantalla.

El ritmo es uno de los aspectos más cruciales del arte cinematográfico. El ritmo cinematográfico es la composición integral de todos los elementos del arte cinematográfico y el efecto producido en la fisiología y psicología del espectador. El ritmo en las películas se expresa no sólo en el flujo del tiempo, sino también en la forma de movimiento del espacio y en la síntesis de tiempo y espacio. El ritmo de la película no es simplemente una expresión de habilidades artísticas, sino el resultado de la comprensión general de la película y el uso integral de métodos cinematográficos basados ​​en las necesidades de la trama y la creación de personajes. Es una unidad dialéctica de lo local. composición y la composición general del ritmo. El ritmo de una película generalmente existe en la obra, en el concepto general y el guión del director, e impregna las creaciones artísticas como la interpretación, el estilo, el sonido, la fotografía, el arte y la edición, formando el ritmo de la trama, el ritmo del estilo y otros aspectos del ritmo. Como diseñador jefe y director de la película, el director desempeña un papel decisivo a la hora de encarnar el ritmo y la apariencia de la película y crear el estilo rítmico de la película.

El ritmo es fundamentalmente la manifestación de la emoción artística. La forma física del ritmo es el movimiento, y su origen psicológico es que el artista utiliza el método de expresión especial del cine para transmitir una cierta intensidad de ritmo emocional en la obra y desencadena oscilaciones emocionales o gritos en el público. La gente suele considerar la velocidad como la única expresión del ritmo y medir el ritmo en términos de rápido y lento, pero velocidad no es igual a ritmo. El ritmo de tempo es solo un tipo de ritmo. El ritmo se mide no sólo por la duración del plano, sino también por los cambios regulares de movimiento de sonido, líneas, colores, formas y otros factores de modelado artístico (alto, bajo, fuerte, débil, tenso, relajado, lento, etc.) e inducen sentimientos fisiológicos en el espectador. El ritmo es la unidad de la subjetividad y la objetividad, la unidad de la psicología y la fisiología. La infinita riqueza de la connotación de la expresión cinematográfica, las infinitas posibilidades de los medios de expresión cinematográfica y la complejidad de la psicología de aceptación del público determinan la infinita diversidad de formas y cambios de ritmo cinematográficos

El ritmo interno se debe a la contradicción inherente del desarrollo de la trama El ritmo está formado por elementos del contenido como conflictos y altibajos emocionales de los personajes. En una película, un aspecto importante del ritmo interno es la actuación del actor y la tensión emocional interna del personaje interpretado por el actor, que está estrechamente integrada con la programación de la escena y las técnicas de montaje.

El ritmo externo se genera por el movimiento de todos los sujetos en la pantalla, la combinación de lentes de varias longitudes y los diversos métodos de conversión de las lentes, así como los cambios de velocidad, luz y sombra. color y varias formas de pantalla. La interpretación del ritmo externo a veces es consistente con el ritmo interno, a veces inconsistente e incluso puede realizarse de manera completamente opuesta. Subordinado a una concepción artística unificada.

El efecto Kuleshov El director de cine soviético Lev. Para aclarar la yuxtaposición del montaje, Kuleshov llevó a cabo un famoso experimento de edición de planos. Tomó un primer plano inexpresivo del famoso actor ruso Mozyushin y los colocó frente a un recipiente con sopa, un niño jugando y el cuerpo de una anciana. Inesperadamente, descubrió que el público vio la "actuación" del actor. ", es decir, mostró hambre al ver la sopa, alegría al ver al niño y tristeza al ver el cuerpo de la anciana. De hecho, todo esto se debe a la combinación de planos que hace que el público se asocie. A partir de este experimento, Kulishov concluyó que no era el contenido de un solo plano lo que provocaba la respuesta emocional en la película, sino la yuxtaposición entre varios planos y el efecto del montaje y edición del plano. Este es el llamado efecto Kuleshov.

La lente subjetiva utiliza la lente de la cámara de cine como los ojos de un determinado personaje de la película para observar (filmar) las actividades de otras personas y cosas, lo que se denomina fotografía con lente subjetiva. Este tipo de plano que representa la línea de visión de un determinado personaje de la película se denomina plano subjetivo (plano subjetivo en sentido estricto). Los planos subjetivos también incluyen planos que expresan claramente el comentario subjetivo, las emociones y los estados de ánimo subjetivos del director (en un sentido amplio, planos con una fuerte expresión subjetiva). No existe una lente puramente objetiva, ni una lente puramente subjetiva. La lente subjetiva siempre se produce en el desempeño de la lente objetiva. Por ejemplo, esta es una actuación subjetiva típica de Hitchcock: el personaje resulta herido en la cabeza, la sangre fluye hacia abajo, cubriendo gradualmente la línea de visión y la sangre cubre la imagen. Esta es una actuación subjetiva, pero no se puede separar. el proceso objetivo del personaje que es herido. El rendimiento subjetivo de la lente es más complejo que el rendimiento de la lente objetiva y tiene varios modos de aplicación.

Como lentes subjetivas reactivas, lentes subjetivas imaginarias, lentes subjetivas de múltiples vistas, lentes subjetivas de múltiples niveles, lentes subjetivas aproximadas, etc.

Las tomas objetivas generalmente se refieren a tomas tomadas por la cámara utilizando los puntos de vista exclusivos de la mayoría de las personas en la escena de la toma. Este tipo de lente puede brindarle a la audiencia una sensación única de presencia en la pantalla y lograr el propósito de una actuación objetiva. La objetividad de la lente objetiva incluye dos capas de significado: primero, se refiere a la realidad objetiva del objeto mismo, es decir, la autenticidad del contenido de vida representado por el arte. Esto suele ser lo que los directores exigen y cumplen cuando utilizan métodos tradicionales de creación de realismo. Por ejemplo, muchos eventos, ambientes, personajes y otras escenas de la vida mostradas en películas como “Edad Media” requieren de la reproducción de la autenticidad de la vida, es decir, la visibilidad de la vida reflejada en el arte; la segunda se refiere a la objetividad de la vida; objeto Descriptivo. Este tipo de descripción objetiva es inevitable, ya sea en películas de la vida real o en cuentos de hadas, mitos y películas absurdas. Por ejemplo, en la representación de varios acontecimientos de la película "Viaje al Oeste" es donde entra en juego la lente objetiva. El propósito de usar lentes objetivos es guiar a la audiencia para que observe la presentación de la película, sin importar el nivel de significado que tenga, tiene la realidad objetiva de la situación prescrita, de modo que la película pueda lograr el propósito de narrativa y descripción. Al final, están inevitablemente impregnados de los pensamientos y emociones del editor, director y fotógrafo.

Un plano vacío es un plano de escena sin que aparezcan personajes. Es un medio importante para que los directores elaboren contenido ideológico, narren historias, expresen emociones y concepciones artísticas, transformen el tiempo y el espacio de la pantalla y ajusten el ritmo. Hay dos categorías: tomas aéreas subjetivas y tomas aéreas objetivas. La toma subjetiva del cielo es el escenario y el sentimiento psicológico y deliberadamente representado en los ojos de los personajes. La toma objetiva del cielo es el escenario ambiental expresado objetivamente y el escenario de transición. Requiere la autenticidad del escenario.

La técnica de conversión de tiempo y espacio es un método utilizado en vídeos para expresar la transformación de planos o párrafos en un tiempo y espacio determinado para crear diversos efectos artísticos. Las técnicas comunes de conversión de tiempo y espacio incluyen: usar técnicas ópticas tradicionales como desvanecimiento, desvanecimiento, desvanecimiento y trazo para insertar tomas de escenas que pueden expresar cambios de tiempo, estación y ubicación entre dos tomas o párrafos; usar subtítulos y pinturas para ilustrar el tiempo; , Cambio de ubicación; edición no calificada, es decir, uso completo de la conversión directa del contenido de la imagen en sí sin la necesidad de técnicas ópticas adicionales para indicar la transformación del tiempo y el espacio y dividir párrafos de tiempo y espacio.

El fundido de aparición y el desvanecimiento también se denominan “fundido de aparición, desvanecimiento”, “fundido de aparición, desvanecimiento”. Una de las técnicas de edición tradicionales. El arte cinematográfico es un medio tradicional de expresar la separación del tiempo y el espacio. Su forma convencional es: la imagen de la escena anterior se desvanece gradualmente en la oscuridad hasta desaparecer por completo (fundido), y la imagen de la última escena se revela gradualmente hasta que es muy clara y brillante (fundido). Esta técnica muestra el final de una trama (párrafo) y el comienzo de otra trama (párrafo), dejando una cierta distancia, para que el público pueda tener un breve descanso en el sentido del párrafo y comprender con calma el desarrollo de la trama. Y puede expresar ciertas emociones y ritmos.

Cortar “switch”, que es la abreviatura de “cut out, cut in”. Es una técnica de edición no especializada. Poco a poco se ha convertido en uno de los métodos de conversión de lentes más básicos en películas. Se refiere a no utilizar ninguna técnica óptica como desenfoque, corte, desvanecimiento, etc. como transición, sino cambiar directamente de una toma a otra o de una escena a otra para garantizar que el cambio de lente sea suave, consistente con la lógica artística y Adaptable La psicología general de la visualización, en el montaje y la creación, debe captar el ritmo de la película y captar con precisión los puntos de corte adecuados de las tomas.

La quimificación también se conoce como "fundir, fundir en", "disolver, disolver en". Una de las técnicas de edición tradicionales. El arte cinematográfico es un medio tradicional de expresar la transformación del tiempo y el espacio. La forma convencional de expresión es que antes de que la imagen anterior desaparezca gradualmente (se disuelva, se disuelva), la última imagen comienza a aparecer gradualmente (se disuelva, se disuelva), y las dos imágenes se superponen y aparecen al mismo tiempo hasta que la última imagen sea completamente clara. . La "transformación" tiene muchas funciones, tales como: juega un papel en la transición del tiempo y el espacio; puede expresar simplemente las transiciones de tiempo y espacio a gran escala; a menudo se usa para expresar la imaginación, los sueños, los recuerdos, etc. personajes y transmite emociones directamente; cuando la distancia temporal y espacial es cercana, puede producir continuamente efectos líricos, lentos y suaves con el uso de tomas de transición de "transformación"; películas mitológicas, etc.

Una forma única de sobreimpresión en el lenguaje cinematográfico. Una de las técnicas de edición cinematográfica. Superponer dos o más imágenes de diferente tiempo y espacio, diferentes paisajes o personajes y copiarlas en una película se denomina sobreimpresión. Al mismo tiempo, el contenido de cada imagen sobreimpresa debe mantener una relación interna para formar varios significados de la imagen sobreimpresa. Algunos subtítulos de apertura de películas o subtítulos de letras también utilizan métodos de sobreimpresión para sintetizarse con la pantalla.

Dibujar también se llama "sacar, dibujar", "dibujar, cruzar". Una de las técnicas tradicionales de edición cinematográfica. Una técnica utilizada para lograr la cohesión de la imagen. La forma de expresión es que el último plano realiza trazos de izquierda y derecha, trazos de derecha e izquierda, trazos de arriba y de abajo, trazos diagonales, trazos prismáticos, etc. del plano anterior. En las películas contemporáneas, esta técnica se usa con menos frecuencia, pero para mejorar ciertos efectos visuales o crear otros efectos artísticos, esta técnica todavía se usa a veces, y cabe señalar que es novedosa.

El corte con salto es un tipo de "corte". Es una técnica de edición no especializada. Rompe los requisitos de continuidad espacio-temporal y de acción que se siguen al cambiar de plano en un estado convencional. Utiliza tiros en suspensión más grandes para resaltar ciertos contenidos necesarios y omitir el proceso espacio-temporal. Los cortes de salto se basan no sólo en la conexión lógica interna del contenido de la trama, sino también en la iniciativa y coherencia de la psicología de apreciación de la audiencia, y excluyen combinaciones aleatorias que carecen de lógica.

El flashback suele referirse a la inserción de otra escena o fragmento en una determinada estructura de escena. El flashback puede ser una técnica narrativa fragmentaria en una película, o puede formar una estructura de película completa, es decir, una película estructurada en flashback. Desde el punto de vista del contenido, el contenido del flashback es generalmente un flashback de los pensamientos o recuerdos de un personaje en la escena anterior. Puede ser emocional o narrativo; puede ser más largo o puede ser una expresión momentánea de conciencia. El propósito es hacer que la audiencia sienta más claramente el pensamiento y las emociones de los personajes y comprenda toda la historia.

Muestras de trabajo Cada día laborable de rodaje se debe imprimir una impresión positiva de la película negativa, que es la muestra de trabajo. Para revisión por parte del personal creativo del equipo de filmación y gerentes de fábrica. Todos los decorados y diversos escenarios del lugar de rodaje no se deben desmontar hasta que las muestras de trabajo hayan sido revisadas y fotografiadas nuevamente. En la postproducción, las muestras de trabajo son utilizadas por el director y el editor para recortar y ensamblar tomas, así como para el doblaje, la mezcla y la grabación. También se utilizan para la revisión final de la película y finalmente sirven como base para el final. conformación de la película. Las muestras de trabajo son información valiosa y requieren una cuidadosa conservación.

Doble película significa "doble película completa" y "doble película mixta". Consta de dos partes: la muestra de trabajo editada y la banda sonora magnética grabada mixta. La finalidad de la doble hoja es facilitar la modificación tras escuchar las opiniones de revisión. A diferencia de la copia oficial, debe proyectarse a través de un proyector de imagen y sonido sincronizado para lograr el efecto de síntesis de imagen y sonido. Después de la aprobación y modificación, la cinta mezclada se convertirá en una cinta de sonido óptico después de convertir la imagen y se podrá imprimir la copia oficial.

1.3 Técnicas de expresión en lentes de cine y televisión

La lente es la unidad básica de la creación cinematográfica y televisiva. Una obra cinematográfica y televisiva completa se completa una a una. Sin lentes independientes, allí. No hay obras de cine y televisión. Mediante la combinación de múltiples lentes y la ejecución del diseño, se completa la producción de toda la lente de cine y televisión. Por lo tanto, las habilidades de aplicación de la lente también afectan directamente el efecto final del trabajo de cine y televisión. Entonces, ¿cómo funcionan los lentes de uso común en el rodaje de cine y televisión? Expliquemos en detalle las técnicas para usar lentes de uso común.

1. Push shot

El push shot es una técnica de disparo muy utilizada en fotografía que utiliza principalmente la cámara para avanzar o hacer zoom para acercarse gradualmente al objeto a representar. Hace que las personas sientan que se acercan paso a paso al objeto a observar y observan algo de cerca. Puede mostrar el cambio del mismo objeto de lejos a cerca, o también puede mostrar el cambio de un objeto a otro. . El uso de esta lente resalta principalmente una determinada parte del objeto a fotografiar, de modo que los cambios en los detalles se pueden ver con mayor claridad. Por ejemplo, al observar una antigüedad y ver sus características detalladas mediante el zoom, también se utiliza la lente de empuje.

2. Desplazar la lente

El desplazamiento de la lente también se llama disparo móvil, consiste en fijar la cámara en un objeto en movimiento y moverla en todas direcciones para disparar objetos inmóviles. Los objetos producen un efecto de movimiento al tomar fotografías, las imágenes tomadas se presentan gradualmente para formar una experiencia visual de inspección o visualización. Conecta algunos objetos para expresarlos y forma un efecto dinámico para formar una visualización de animación de cine y televisión, que puede mostrar. El efecto de reconocimiento gradual puede aclarar gradualmente el tema. Por ejemplo, cuando nos sentamos en un automóvil Mercedes-Benz y miramos el paisaje fuera de la ventana, el paisaje originalmente estaba inmóvil, pero se siente como si se estuviera moviendo. Ésta es la misma razón. Esta técnica de fotografía se utiliza principalmente para expresar la dinámica de la fotografía de naturaleza muerta.

3. Seguir la cámara

Seguir la cámara también se llama seguir el disparo. Durante el proceso de disparo, encuentras el punto de interés y luego sigues el objetivo para disparar. Por ejemplo, en un hotel, lo primero que filmas es solo la gran escena de todo el hotel, y luego sigues a un camarero de un lugar a otro, caminando entre las mesas.

La posición del objeto generalmente representado por la lente permanece sin cambios en la imagen, pero cambia con la imagen por la que pasa, al igual que una persona sigue a otra por las calles y callejones, las cosas que lo rodean cambian, mientras que el siguiente estilo tiene Sin cambios, seguir la lente también es un método relativamente común en el rodaje de cine y televisión. Puede resaltar bien el sujeto y expresar la velocidad del movimiento, la dirección, la postura y otra información del sujeto, dando a las personas una sensación de inmersión.

4. Lente panorámica

La lente panorámica también se llama panorámica. La cámara no se mueve al disparar, solo sacude la lente hacia la izquierda y hacia la derecha, hacia arriba y hacia abajo, se mueve o gira. Hacer que la gente se sienta Observe gradualmente de una parte del objeto a otra. Por ejemplo, si una persona se queda quieta y gira el cuello para ver las cosas, lo que a menudo decimos sobre mirar a su alrededor es en realidad este principio.

La lente panorámica también se usa a menudo en filmaciones de cine y televisión, por ejemplo, cuando aparece una cueva en una película, y luego la lente panorámica se usa para disparar hacia arriba y hacia abajo, hacia la izquierda y hacia la derecha, o alrededor. . Las tomas panorámicas se utilizan principalmente para mostrar la presentación gradual de las cosas. Una imagen tras otra, desde el plano de aparición hasta el plano de desaparición, completa el desarrollo de todo.

5. Lente giratoria

Una lente giratoria se refiere a una imagen en la que el sujeto gira a lo largo del eje óptico de la lente o en un ángulo cercano al óptico. El eje de la lente se mueve rápidamente en una rotación de 360 ​​​​grados. Esta técnica de filmación expresa principalmente la sensación de vértigo de los personajes y es una técnica de filmación comúnmente utilizada en filmaciones de cine y televisión.

6. Tirar de la lente

Tirar de la lente es todo lo contrario de empujar la lente. Se logra moviendo la cámara hacia atrás o haciendo zoom, alejándose gradualmente del objeto principal. expresarse, haciendo que la gente sienta que la escena es correcta. Aléjese de lo que se va a observar y observe el efecto general de algo desde la distancia. Puede mostrar el cambio del mismo objeto de cerca a lejos. muestra el cambio de un objeto a otro. La aplicación de este tipo de lente es principalmente resaltar el sujeto y el efecto general, y captar la situación general, por ejemplo, desde el interior del cañón hasta todo el exterior en películas y programas de televisión comunes. muestra, la lente está estirada.

7. Agitar la cámara

Agitar la cámara es agitar rápidamente la cámara y transferirla a otra escena muy rápidamente, cambiando así la imagen a otro contenido, y el proceso intermedio es Al producir un efecto borroso, este tipo de tomas puede expresar una transición repentina de contenido.

8. Cámara agitada

En comparación con los métodos anteriores, la aplicación de la cámara agitada es menor. Se utiliza principalmente en entornos específicos para hacer que la imagen aparezca hacia arriba, hacia abajo, hacia la izquierda o. derecha Los efectos de balanceo hacia adelante y hacia atrás se utilizan principalmente para expresar trance, mareos y efectos de balanceo como viajar en un automóvil o en un bote. Por ejemplo, cuando se muestra una escena de un personaje borracho, el movimiento de la cámara es necesario, y otro ejemplo. es el efecto de sacudida causado por viajar en un automóvil en una carretera irregular.

Cuando se habla de técnicas de expresión cinematográfica hay que mencionar la técnica del montaje.

Ya a finales del siglo XIX, los maestros del cine comenzaron a utilizar el montaje, técnica que supuso un salto adelante en el cine. El montaje presenta efectos artísticos sorprendentes y crea un poder artístico conmovedor en la creación cinematográfica. En la estructura fluida de la imagen, el montaje se ha convertido en el método creativo más eficaz.

El método de montaje es un método de combinar dos o más elementos en un nuevo contenido. El famoso maestro del montaje, teórico y director de cine soviético Eisenstein mencionó una vez en su libro: "boca" y "perro" en caracteres chinos forman "ladrido". Ya sabes, esto es montaje: "boca" y "perro". Es un sustantivo, cada uno con su propio significado independiente. Sin embargo, cuando se combinan, sufren un cambio cualitativo y se convierten en un verbo. Se muestran en la pantalla y los primeros planos de la "boca" y el "perro" se editan juntos, lo que naturalmente hace que el público se dé cuenta de que es un perro que ladra, o que hay un perro ladrando y pueden escuchar el sonido. . Este método de montaje se ha convertido en una forma lingüística única de la película. En películas, el montaje se refiere al corte y combinación de tomas o edición. El siguiente es un ejemplo típico y famoso de experimento de creación de montaje. Las mismas tres tomas, utilizando diferentes métodos de edición, producirán diferentes efectos:

1. Una persona se ríe.

2. Apunta la pistola directamente.

3. Cara de susto.

Los planos ensamblados en esta secuencia transmiten al espectador la cobardía y el miedo de los personajes.

1. Cara de susto.

2. Apunta la pistola directamente.

3. Una persona se ríe.

Esta combinación de planos muestra la valentía de los personajes. Eisenstein resumió una vez este experimento cuando dijo: "La yuxtaposición de dos cuestiones no relacionadas a través del montaje no equivale a un plano más otro plano; conduce a una creación más que a una fusión de partes... Porque el resultado de esta yuxtaposición es cualitativamente diferente". de mirar cada componente por separado." ("Four Lectures on Film Art")

El pensamiento de montaje se basa en la percepción visual y auditiva humana. pensamiento creativo. La relación entre segmentación y combinación entre planos establecida por el montaje cinematográfico, es decir, la relación entre separación e intersección entre diferentes elementos, puede realizarse en última instancia a través de la función perceptiva de análisis y síntesis, pero debe depender de la función psicológica de asociación.

La asociación puede provocar simultáneamente recuerdos del pasado e imaginación del futuro. Este importante fenómeno psicológico es exactamente el puente psicológico que se construye entre los planos frontal y posterior en la estructura del montaje para comunicar la conexión entre las imágenes. .

Estos tres métodos de asociación se presentan a continuación.

1. Analogía y asociación. Debido al uso de técnicas similares o contenidos similares entre planos o grupos de planos, el público asociará escenas similares. 2. Compara Lenovo. Las tomas o fragmentos son opuestos en forma o contenido, mostrando el mismo tema desde ángulos opuestos y haciendo que el tema deje una impresión más profunda en las personas.

3. Cerca de Lenovo. Conecta planos cercanos en el espacio y el tiempo a través de los mismos reflejos condicionados, simultáneos o sucesivos, haciendo reflexionar a las personas sobre sus connotaciones. El propio Chaplin comentó: Esa película se desarrolló a partir de un concepto abstracto: una crítica de nuestro modo de vida mecanizado.

La aplicación de la técnica del montaje inyecta vida y vitalidad a la película, combinando imágenes ordinarias con connotaciones infinitas, dejando un espacio infinito para la imaginación del público. Se puede decir que la aplicación de técnicas de montaje en películas es una gran revolución en la historia del cine.

Montaje, transliteración del francés montaje, era originalmente un término arquitectónico, que significa composición y montaje. Tomado prestado de la teoría del cine y la televisión, significa edición, combinación y conexión. Xia Yan dijo: "El llamado montaje consiste en conectar las tomas de manera lógica y rítmica de acuerdo con el desarrollo de la trama y la atención y preocupación del público, de modo que el público pueda obtener una impresión o sentimiento claro y vívido, haciendo así que sean una técnica para comprender correctamente el desarrollo de una cosa. "Los productores de cine y televisión sólo pueden lograr el éxito seleccionando, ordenando y organizando los materiales según las reglas del montaje. A la hora de concebir obras de cine y televisión se suelen utilizar las siguientes cinco técnicas de montaje:

(1) Montaje de repetición

También conocido como montaje repetido y montaje repetitivo. Dejemos que algunos objetos y escenas importantes aparezcan repetidamente en guiones literarios de cine y televisión, por un lado, sirven para enfatizar y atraer la atención y la atención de los lectores hacia ellos, por otro lado, sirven para aclarar el contexto y dividir las capas de; El efecto de la estructura de la obra. Por ejemplo, el material didáctico utilizado por Varvara Vasilievna en "Village Teacher" de la Unión Soviética: el globo terráqueo y los tres pinos en la colina donde enseñó son objetos y escenas que aparecen repetidamente.

(2) Montaje de contraste

También conocido como montaje de contraste. Existe una conexión lógica entre los planos ensamblados mediante esta técnica para contrastar y comparar entre sí. Este tipo de montaje no solo se puede utilizar entre escenas y expresiones de personajes en tomas normales, sino que también se puede utilizar para combinar planos generales.

(3) Montaje paralelo

Conecte eventos y escenas relacionadas que sucedieron en diferentes lugares al mismo tiempo y preséntelos frente a la audiencia de manera ordenada, de modo que la trama puede desarrollarse en paralelo y fortalecer la mentalidad de suspenso de la audiencia. Griffith utilizó con éxito este método combinado en "Partido contra la diversidad": Un trabajador inocente fue condenado a muerte por error. Cuando le pusieron la soga al cuello, llegó su esposa con la orden de indulto del gobernador, este es el famoso "rescate de último minuto". . En la película china "Railway Guerrilla", Liu Hong vuela a caballo para rescatar a la esposa de Fang Lin, lo que también es un ejemplo del uso del montaje.

(4) Montaje metafórico

También conocido como montaje metafórico, montaje simbólico, montaje de similitud y montaje de asociación.

Requiere que haya alguna conexión analógica sutil entre las tomas y escenas conectadas. A través de "puntos de similitud", "puntos concretos" y "puntos de significado", resalta las características relevantes entre las cosas, incitando a la audiencia a comprender el significado profundo inherente. .

(5) Montaje de malabarismo

Se trata de un montaje integral, con descomposición y concentración de imágenes; vistas panorámicas y primeros planos, hay una sensación de tensión; En su obra maestra "El acorazado Potemkin", Eisenstein utilizó con éxito el montaje de malabarismo en la mundialmente famosa secuencia "Escalones de Odessa" para resaltar la masacre pacífica de ancianos, débiles, mujeres y niños por parte de la policía militar zarista, las sangrientas atrocidades cometidas por los residentes.