Estilo de ilustración de moda: ¿cuáles son los campos de aplicación de las ilustraciones de moda que son populares ahora? ¿Puedes presentarlo en detalle?

A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.

1. El comienzo de la ilustración de moda

La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos.

Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.

Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.

Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un público femenino cada vez más ávido de las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las femeninas.

2. El plato de moda en el siglo XIX

El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.

La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.

Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.

A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.

Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX

Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras.

Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda.

Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.

En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.

Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre presentó imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.

Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.

4. La edad de oro de la ilustración de moda

El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.

Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.

Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de ropa en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.

El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados ​​principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados ​​de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".

Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.

verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y resurgimiento de la ilustración de moda

En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias.

Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.

Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.

En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191).

Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.

6. La ilustración de moda hoy

En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.

La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.

Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.

Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.

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¿Cuáles son las aplicaciones de los elementos de moda en las ilustraciones de moda? ¿Puedes presentarlo en detalle? Como forma única y antigua de comunicación visual en el diseño publicitario moderno, las ilustraciones de moda tienen imágenes claras e intuitivas, un sentido real de la vida y la belleza artística, y ocupan rápidamente la visión de la audiencia, como actividades culturales, actividades comerciales, cultura cinematográfica y televisiva. y otros campos. La ilustración de moda se presenta en muchas formas y se puede clasificar por medio o función. Según la clasificación de los medios, se dividen básicamente en dos partes, a saber, medios impresos y medios en línea de cine y televisión.

1. Medios impresos

Los medios impresos incluyen ilustraciones de periódicos, ilustraciones de revistas y libros, ilustraciones de carteles publicitarios, ilustraciones de envases de productos, ilustraciones de materiales promocionales de imagen corporativa, etc. Especialmente las revistas de moda, el grupo objetivo son principalmente mujeres y sus artículos se promocionan principalmente entre lectoras. Por eso, las ilustraciones de moda suelen presentar mujeres atractivas en diferentes estilos. A las mujeres les encanta ver ropa que vaya acorde con las tendencias actuales, por eso está más de moda combinar a la mujer con la moda para crear diseños de ilustraciones.

2. Internet y medios cinematográficos y televisivos

Internet y medios cinematográficos y televisivos incluyen la configuración de personajes o el diseño de interfaces para sitios web, juegos, dramas cinematográficos y televisivos y anuncios. Entre ellas, las ilustraciones de ropa se utilizan ampliamente en varias páginas web de moda y se diseñan obras de diferentes estilos según la audiencia del sitio web. En términos de juegos, a medida que mejoran las cualidades estéticas de los jugadores, existe una demanda cada vez mayor de requisitos visuales para las pantallas de juegos móviles y de interacción emocional en los juegos. Los juegos móviles no son sólo productos tecnológicos, sino también productos artísticos y culturales. Si un juego móvil quiere destacarse en la feroz competencia del mercado, no solo debe ser creativo en la jugabilidad, sino también prestar atención a la creación de personajes del juego en el diseño artístico. Ilustraciones elegantes mejorarán la personalización y la modernidad de los personajes del juego. Las ilustraciones de moda en la era de Internet no sólo heredan el arte de las ilustraciones tradicionales, sino que también poseen la funcionalidad del diseño moderno, convirtiéndose en un lenguaje visual reconocido y un medio de difusión de información.

En resumen, el diseño de ilustración de moda es un contenido y una forma de arte muy importante en el campo del arte de la sociedad moderna, y ha sido ampliamente utilizado en muchos campos de la sociedad actual. Con la ayuda de diversas herramientas de pintura y alta tecnología, los ilustradores de moda se han diversificado más en sus productos, han participado en las tendencias de la moda e incluso han creado tendencias de la moda, lo que ha provocado todo el auge de la moda.

¿Cuáles son los campos de aplicación de las ilustraciones de moda que son muy populares ahora? ¿Puedes presentarlo en detalle? La mayoría de las ilustraciones de moda tienen como objetivo la apreciación del arte y la publicidad, prestando más atención a la aplicación de las habilidades pictóricas y al impacto visual de la imagen. En general, su efecto pictórico se acerca más al arte de la pintura, con un arte extremadamente obvio y características de personalidad distintivas.

A menudo se utiliza en promociones de muestra y carteles publicitarios para guiar a los consumidores a consumir y predecir estilos de moda.

En la vida diaria, los espectadores también prestarán atención y coleccionarán elementos de moda populares. Por ejemplo, muchos ilustradores recopilan una gran cantidad de expresiones y colores populares al diseñar, y también prestan atención al maquillaje y los estilos populares de las personas, extraen elementos de moda de estas estéticas de la moda y los transforman en elementos gráficos necesarios para el diseño de ilustraciones de moda. en ilustraciones de moda para diseñar ilustraciones de moda artísticas verdaderamente excelentes y únicas. Al crear, generalmente es necesario mejorar la capacidad de recopilar elementos de moda y controlar la integración de colores populares en los diseños de ilustraciones.

1. Colección de elementos de moda

Los elementos de moda se utilizan ampliamente en los campos empresarial y artístico, liderando diversos diseños de productos y expresiones artísticas. El elemento de moda de una prenda puede ser una silueta, una forma de combinarla o incluso un complemento. Por ejemplo, Marmurube, nacido en 1979, empezó a pintar desde muy joven. Es una de las ilustradoras más reconocidas de la industria de la moda internacional. Su trabajo abarca revistas de moda, publicidad, diseño de productos, empaques y publicaciones, y su trabajo se caracteriza por un fuerte elemento de moda. Te recomendamos que recopiles algunas revistas de moda, como Vogue, Tatler, In Style, Marie Claire, Elle, etc. , comprenda los elementos de la moda popular actual y copie la vestimenta y la combinación de los personajes, enriqueciendo así sus materiales creativos.

2. Aplicación de colores populares

Los colores populares, los materiales de la ropa, los estilos y otros elementos constituyen la belleza de la ropa. Para la mayoría de los grupos, "color popular" es un término que representa la moda y también muestra las tendencias de la moda. Es un color que puede cambiar con los tiempos. Es popular pero tiene un ciclo corto.

En general, los colores populares no son estáticos. Significa que la aplicación del color es reconocida, seguida e imitada por el público en una determinada etapa, lo que hace que se forme una determinada tendencia, y luego aparecen los colores populares. Siempre evoluciona durante un cierto período de tiempo. Por lo tanto, los colores populares son la tendencia. Si dominas el timón de los colores populares, podrás liderar la tendencia. A través de las conferencias de lanzamiento de nuevos productos de moda de algunas marcas de ropa famosas, encontraremos que cada año se diseña una conferencia especialmente para explicar los colores populares. Por lo general, los colores populares no se limitan a un solo color, sino a una combinación de colores con un estilo de moda popular. En términos generales, los colores básicos de la ropa representan una mayor proporción de la ropa, mientras que los colores populares representan una proporción menor. Por lo tanto, al formular y lanzar los colores populares del próximo año, dos o más colores populares a menudo se combinan con los colores básicos de la ropa para resaltar las tendencias de moda actuales y al mismo tiempo conservar su propia singularidad. Si puedes predecir con precisión los colores populares e integrarlos en los colores principales de las ilustraciones, las ilustraciones de moda serán populares y recordadas por el público.